Na cinematografia, um plano médio fechado (MCU) enquadra o sujeito da cabeça até logo abaixo do peito. Por ser neutro, o plano médio fechado captura a expressão facial e a linguagem corporal do personagem, mantendo ainda parte do cenário no quadro.
O tipo de enquadramento escolhido por um cineasta para qualquer cena pode fazer uma grande diferença no efeito no espectador. Além de capturar a ação no quadro, cada plano estabelece relações entre os sujeitos ou entre eles e o ambiente. Na maioria das cenas, é importante garantir que você esteja perto o suficiente para capturar a ação e a emoção, mas não tão perto a ponto de sobrecarregar o espectador.
Depois de estabelecer uma cena com um plano geral, você pode usar um plano aberto (também conhecido como plano longo ou plano inteiro) para mostrar os sujeitos no contexto de seus arredores. Esse tipo de plano ajuda a deixar claro para os espectadores as relações espaciais e dinâmicas de poder entre os personagens. Planos inteiros também são ótimos para capturar corpos se movendo pelo ambiente, mas se você tentar contar toda a sua história dessa distância, os espectadores poderão sentir que estão assistindo a um vídeo de vigilância.
Aproximando-se do personagem, um plano médio enquadra uma pessoa da cintura para cima. “Ele mostra metade do ambiente e metade do sujeito”, diz a diretora e fotógrafa Alicia J. Rose. O espectador pode captar gestos e expressões faciais e ter noção do cenário. Esse plano funciona bem para comédia física ou momentos em que é importante que o espectador veja os personagens e o espaço ao redor deles, mas para conversas ainda é um plano um pouco distante.
No outro extremo do espectro de tamanhos de plano, os close-ups e os planos detalhe preenchem o quadro com o rosto do sujeito. São planos íntimos e intensos que os cineastas tendem a usar com moderação. “Em um close-up, você está totalmente focado naquela pessoa, vendo seus olhos, enxergando sua alma”, diz Rose. Durante um momento de grande tensão ou epifania, você pode dar um zoom no rosto do sujeito ou deslizar com uma Steadicam, mas se você passar muito tempo dando um close-up, corre o risco de exaurir a audiência.
O plano médio fechado é o ponto ideal, pois coloca o público na distância perfeita dos rostos dos sujeitos. É perfeito para capturar cenas de pessoas falando para a câmera ou entre si ou realizando outras atividades relativamente imóveis. “O plano médio fechado é semi-íntimo”, afirma a videógrafa e editora Lisa Bolden. “É quase como ter uma conversa confortável com uma pessoa. Ele coloca você a uma distância comum em conversas”, explica Bolden.
O espectador ainda tem uma noção do espaço em um plano médio fechado, mas o fundo pode ter mais textura. Se combinar com a atmosfera do plano, você pode usar uma profundidade de campo rasa para criar efeitos bokeh oníricos ao fundo.
Devido à sua neutralidade, você pode usar um plano médio fechado com um ângulo de câmera na altura dos olhos em quase qualquer cena. “É o ponto ideal, especialmente em diálogos”, diz Bolden. “Eu o uso sempre que quero que o espectador se sinta à vontade e para transmitir uma sensação de fluxo.”
Em um plano de dois (um plano com dois sujeitos no quadro), quando as pessoas estão conversando, discutindo ou se beijando, o plano médio fechado funciona bem. Na verdade, a maioria dos beijos clássicos do cinema acontece em plano médio fechado.
Os planos sobre o ombro geralmente são também planos médios fechados. Seja ao se manter atrás de um personagem ou usar um plano e contraplano para alternar entre os sujeitos, o plano sobre o ombro inclui o espectador na conversa. Ao mudar o ângulo da câmera para uma posição alta acima ou abaixo da pessoa de frente para a câmera, um plano médio fechado pode transmitir força ou fraqueza, com um personagem se sobrepondo ao outro.
Considere estes elementos importantes ao preparar sua cena.
Uma boa iluminação é crucial para conseguir boas imagens, especialmente quando a câmera captura tanto o sujeito quanto o fundo. “Use uma boa luz natural ou tenha controle sobre a luz com iluminação contínua ou modificadores que são textura e profundidade ao rosto do sujeito”, declara Rose. “Experimente a iluminação de três pontos, com uma luz principal, uma luz no cabelo e uma luz de fundo.”
A escolha entre iluminação intensa ou discreta dependerá da atmosfera que você deseja criar. A iluminação intensa cria cenas bem iluminadas com menor contraste, perfeitas para momentos narrativos mais leves ou comerciais de produtos. A iluminação discreta é melhor para filmes de drama e mistério.
Afaste-se da câmera e dedique um momento para verificar a aparência dos personagens. “Às vezes, você não tem um estilista; é só você. Então, é preciso garantir que os brincos estejam na posição correta, que o cabelo não esteja desalinhado ou torcido ou que uma gola não esteja mais alta que a outra”, explica Rose.
Preste atenção também a erros de continuidade relacionados ao figurino, adereços e cabelo. Erros de continuidade são pequenos detalhes que podem tirar a imersão dos espectadores na história que você está contando, porque algo muda entre os cortes, quebrando a sensação de ação contínua. “Se você está com uma lata de refrigerante em uma mão e na próxima cena ela está na outra, o espectador percebe essa mudança”, diz Bolden. A menos que você deseje usar um corte seco intencional, esses momentos podem diminuir a confiança do espectador em você e na sua história.
Use bem o plano de fundo. “O fundo deve ser interessante e, quando a câmera desfoca o que está atrás do sujeito, ele deve ser bonito e adicionar textura à cena”, diz Rose. Mas não sobrecarregue o fundo. Se houver muita coisa acontecendo, o espectador pode se distrair da ação central. (E se tiver pessoas no fundo, cuidado com figurantes querendo aparecer.)
Você conseguirá as melhores cenas quando as enquadrar deliberadamente, então planeje com antecedência. Crie um storyboard e monte uma lista de tomadas antes de iniciar a produção. Pense no que você espera alcançar com seu plano médio fechado e qual papel o movimento da câmera ou o design do fundo podem desempenhar para ajudar você a cativar os espectadores.
E, claro, considere o valor estético do enquadramento. “A composição atrás do personagem, sem ser o foco principal, ainda precisa criar um quadro bonito”, diz Rose.
Lentes para retratos, como uma lente de 24 mm a 70 mm, funcionam bem para planos médios fechados. “Você pode chegar bem perto com ela, mas ela funciona muito melhor a uma distância média”, afirma Bolden. “Ela é nítida e clara.”
Uma lente com zoom também pode ajudar você a se afastar do sujeito e deixá-lo mais à vontade. “Para gravar esse tipo de cena, fico a pelo menos um metro e meio ou dois metros do sujeito e uso a lente para compensar as diferenças”, explica Bolden. “Dou à pessoa espaço para que não pareça uma situação muito íntima.”
Durante a pós-produção, você talvez descubra que um de seus planos médios fechados não funcionou ou que você prefere uma tomada em um plano diferente. Nesses casos, você pode usar um software de edição de vídeo como o Adobe Premiere para aproximar um personagem.
Desde que você filme seu vídeo em uma resolução mais alta, como 4K ou 5K, você tem a opção de aproximar para um plano médio fechado ou close-up sem uma perda perceptível na qualidade do vídeo. “Se você trabalha sozinho ou tem apenas uma câmera, isso é crucial. Você grava apenas uma tomada, mas ainda pode criar close-ups e planos médios. Isso tem sido extremamente útil para mim como cineasta independente”, afirma Bolden.
Seja ao trabalhar sozinho ou com uma equipe, em longas-metragens ou comerciais, você certamente recorrerá bastante ao plano médio fechado. Basta seguir as dicas acima para conseguir as filmagens necessárias para contar sua história.
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