Comment créer et animer des poses clés ?

Les poses clés sont la pierre angulaire de la création d’une animation parfaitement fluide. Pour maîtriser le processus d’animation, vous devez savoir comment faire bouger les personnages et les accessoires sur la page. Aidez-vous de notre guide pour créer et animer des poses clés qui donnent vie à vos personnages.

Personnes esquissant des personnages animés sur du papier.

Qu’est-ce qu’une pose clé ?

En animation, la pose clé est une image utilisée pour marquer les mouvements importants dans une séquence donnée. Elle permet aux animateurs de déterminer combien d’aspects différents d’une scène doivent être animés, avec des images et des durées uniques.

 

Par exemple, dans le cas de l’animation d’un personnage qui lève une main, les poses clés seraient utilisées pour illustrer le bras le long du corps, la fin du mouvement et quelques endroits intermédiaires. Les animateurs se servent de chaque pose clé comme point de référence pour déterminer les mouvements intermédiaires.

 

Différence entre les poses clés et les images clés

Bien qu’une pose clé soit fondamentalement une image d’animation, les images clés sont légèrement différentes, car elles gèrent des transitions plus générales qui ne sont pas seulement des mouvements d’accessoires ou des poses d’action de personnages à l’écran. Les images clés peuvent aussi être des effets sonores ou d’autres effets visuels non liés à l’animation.

 

Pourquoi utiliser des poses clés ?

Une pose clé est une partie essentielle d’une séquence d’animation. Sans l’aide des poses clés, il est difficile pour un animateur de faire comprendre la logique d’un mouvement ou d’une expression au spectateur. 

 

C’est comme travailler avec ou sans scénario : lorsque les acteurs improvisent une scène, le risque est qu’elle soit très éloignée de ce qui était imaginé au départ. Car même les professionnels de l’improvisation ont besoin de s’appuyer sur des temps forts ou des phrases clés. Les animateurs ont eux aussi besoin de s’appuyer sur des points de référence pour animer une scène et rester sur la bonne voie.

Fasciné par l’univers de l’animation ?

Poursuivez la lecture avec notre guide de l’animation pour les débutants.

Anatomie d’une pose clé

Pour expliquer l’importance des poses clés, examinons quelques exemples.

Trois balles jaunes qui rebondissent sur le sol.

Chacune des trois images différentes ci-dessus montre une balle dans différents états. Une fois réunies, elles représentent clairement un cycle de la balle rebondissant sur la surface.

 

Ces poses clés montrent les différentes expressions et modifications de la forme de la balle lorsqu’elle rebondit sur le sol. Si l’une d’entre elles manquait, l’intention de l’animation (c’est-à-dire, montrer la balle qui rebondit) pourrait vous échapper. 

 

  • Sans la balle de gauche, vous pourriez penser que la balle n’est qu’une tache qui s’étale sur le sol.
  • Sans la balle du milieu, l’effet de la gravité sur la balle qui touche le sol n’est pas évident.
  • Sans la balle de droite, l’impact de la balle sur le sol n’est pas enregistré.

 

Les animateurs ont besoin des poses clés pour saisir toute la gamme de mouvements et d’expressions des objets et des personnages avant de procéder à l’animation d’une séquence complète.

Vidéo d’animation d’un ouvrier du bâtiment marchant en adoptant différentes poses.

La série de poses clés ci-dessus indique les différentes phases de la marche d’un personnage. Bien que les bras et les jambes soient dans des positions logiques de marche, l’animateur doit tout de même déterminer l’amplitude du mouvement en créant des poses clés. Un autre personnage qui boiterait, par exemple, présenterait une amplitude de mouvement très différente au niveau des jambes. L’animateur devrait capturer efficacement cette subtilité.

Série de différentes images animées d’expressions faciales du même homme

Pour représenter des mouvements plus subtils, comme l’expression du visage d’un personnage, l’animateur doit également choisir des poses clés. Lorsqu’un personnage exprime toute une gamme d’émotions, vous devez définir clairement chacune d’entre elles. 

 

Si un personnage, tel que l’homme ci-dessus, est préoccupé ou réagit étrangement à quelque chose, vous devez utiliser une pose clé pour représenter chaque étape de son ressenti. Sinon, vous risquez de ne pas traduire correctement ses sentiments et de brouiller le message.

 

En créant des poses clés, vous êtes certain que le mouvement et l’expression sont entièrement explorés avant de poursuivre le processus d’animation des séquences intermédiaires. 

 

Ceci dit, il existe une autre approche de l’animation, adaptée à un style plus expérimental.

 

Comment animer des poses ?

Il existe deux styles opposés d’animation avec des poses clés : dans un cas, les poses clés sont utilisées pour perfectionner une séquence, dans l’autre, plutôt pour représenter une séquence en forme libre. Voyons en quoi ces deux styles diffèrent et quel est le meilleur moment pour les utiliser.

 

Animation pose par pose

L’animation pose par pose repose sur le processus décrit ci-dessus : un animateur est chargé de créer les poses clés de la scène, ou les temps forts de l’histoire. Une fois la séquence construite avec les poses clés souhaitées, l’équipe se charge de combler les vides avec des intervalles. Dans les grandes équipes, cette tâche peut être confiée à des animateurs débutants.

Un homme assis à son bureau avec un ordinateur portable dessine différents personnages animés.

L’animation pose par pose est utilisée de préférence dans les situations nécessitant la création d’un storyboard plus fluide et plus structuré. La notion de durée est essentielle dans une animation pose par pose. En effet, les animateurs doivent créer le nombre requis d’images pour que les transitions soient le plus fluides possible. En créant les poses clés du début à la fin, les animateurs maîtrisent mieux le contenu des « intervalles » ou des « interpolations » qui composent la séquence, en termes de rythme et de créativité.

 

Les poses centrales combinent intelligemment les poses clés et les intervalles. Elles permettent de relier les poses clés A et B en ajoutant une étape supplémentaire entre les deux. Dans une séquence représentant un personnage marchant de la gauche de l’écran vers la droite :
 

  • Les poses clés sont les deux poses situées à chaque extrémité de la séquence, complétées par d’autres lorsque les gestes, les expressions ou les pas doivent être accentués.
  • Les intervalles sont les images situées de part et d’autre des poses clés, complétant les mouvements pour plus de fluidité.
  • Les poses centrales peuvent correspondre à un personnage qui s’arrête pour regarder sa montre ou qui trébuche légèrement, c’est-à-dire à toute action venant interrompre la longue séquence et y ajouter de la spontanéité.

 

Animation directe

Comme l’animation pose par pose, l’animation directe utilise une pose clé pour marquer le point de départ d’une séquence. Contrairement à l’animation pose par pose, elle ne comporte qu’une seule pose clé de départ. L’animateur poursuit directement le reste de la séquence, sans utiliser de stabilisateurs. Ce type d’animation n’utilise pas d’intervalles, car il n’y a pas d’autres poses clés à synchroniser avec l’action.

 

L’animation directe convient à un style beaucoup plus expérimental. Contrairement à l’animation pose par pose, elle ne s’appuie pas sur un arc projeté et les images développées peuvent être interprétées de manière beaucoup plus libre, même dans le cas d’une séquence scénarisée. Dans une histoire, certains animateurs préfèrent utiliser l’animation directe pour représenter une séquence en forme libre qui se détache du reste du flux tendu d’un projet.

 

Woolie Reitherman, l’un des Neuf sages de Walt Disney Productions dans les années 1960 et 1970, raconte s’être beaucoup servi de cette technique. « Lorsque je ne savais pas comment faire évoluer une action, j’optais pour l’animation directe… C’était amusant. Cela me permettait de trouver une voie inédite. »1

 

La représentation populaire de deux personnages se battant à l’écran (un nuage animé de coups de poing échangés sur un arrière-plan) grossit et rétrécit au fur et à mesure de l’action. 

 

Tant que le combat n’est pas terminé et que le vainqueur (et le perdant) n’apparaît pas clairement à la fin, le nuage de combat est une animation directe qui ne s’appuie sur aucune pose clé. C’est pourquoi sa taille et sa couleur varient tout du long. Comme elle ne comporte pas de poses clés qui solidifient la structure, l’animation directe ne reste pas homogène au fil du temps et peut changer de forme à volonté.

 

Quand choisir l’animation pose par pose et l’animation directe ?

Les deux techniques présentent des avantages et des inconvénients en termes de processus, mais aussi d’apparence finale.

Avantages

Inconvénients

Animation pose par pose

Réalisation plus aisée lorsque chaque résultat est planifié et préparé  

Parfois trop structuré, là où une séquence peut nécessiter davantage d’improvisation

Contrôle plus étroit du rythme et de la durée d’une séquence

Peu naturel lorsque des séquences nécessitent un mouvement fluide

Efficace pour communiquer les temps forts de l’histoire, y compris les mouvements et les expressions faciales du personnage

Réduction des possibilités d’improvisation pour réaliser une séquence plus forte

Possibilité de conserver la même forme et la même taille pour les objets

Apparence peu réaliste

Animation directe

Production d’une action plus spontanée

Production d’incohérences physiques tout au long de la séquence

Le côté artisanal de l’improvisation renforce l’aspect visuel d’une séquence.

Réduction des possibilités de collaboration

Dimension d’auteur, car une seule personne contrôle la séquence

Difficulté de réalisation

Davantage dans l’improvisation que la structure de l’animation pose par pose

Difficulté potentielle à arriver au point final souhaité par le réalisateur

Production potentielle « d’accidents heureux », offrant une plus grande liberté de création

Risque de mettre l’accent sur une action qui ne fait pas nécessairement partie de l’histoire racontée

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Poses clés : foire aux questions

 

Que sont les poses intermédiaires ?

Les poses intermédiaires sont des images insérées entre les poses clés pour accompagner le mouvement d’un objet d’un point A à un point B. Elles peuvent sembler moins importantes que les poses clés, alors qu’elles constituent la grande majorité d’une séquence. Elles sont moins prises en compte dans le contexte, car elles ne font pas directement avancer l’histoire.

Séquence d’animation montrant un robot de dessin animé qui court et tombe

En animation, en quoi consiste la technique d’aplatissement et d’étirement ?

La technique d’aplatissement et d’étirement est utilisée pour créer une souplesse naturelle et réduire la rigidité du mouvement. Elle permet d’exagérer une forme et de lui donner une apparence plus cartoonesque tout en restant réaliste. Un personnage qui s’agenouille avant de sauter sera davantage aplati et étiré qu’un humain qui saute dans un contexte réaliste, mais cet effet ajoute de la fluidité et du dynamisme au mouvement.

 

Quels sont les 12 principes de l’animation ?

Le terme a été inventé par Johnston et Thomas alors qu’ils se penchaient sur l’histoire de l’animation Disney dans le cadre de la préparation d’un livre publié en 1981. Selon le livre, tout le travail accompli repose sur 12 principes sous-jacents (y compris l’animation pose par pose et l’animation directe), dont les aspects les plus attrayants sont examinés. 

 

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