映画のショットとカメラアングルの種類

エクストリームクローズアップショット（ECU）

エクストリームクローズアップショットは、登場人物の目や唇、重要な意味を持つ物など、特定のディテールにフォーカスすることで、ドラマを盛り上げ、物語の重要な瞬間に観客の注意を向けさせます。画面内の小さなものにズームインすることによって、セリフだけでは伝えきれない登場人物の感覚や感情を表現し、観客がその人物に深く共感できるようになります。

例えば、ある登場人物が他の人物に傷つけられたシーンでは、その成り行きについて、頬を伝う一粒の涙に多くを語らせることができます。

クローズアップショット（CU）

クローズアップショットの場合、特に極端なクローズアップでは、長い焦点距離（望遠85mm～135mm）を使い、顔立ちに焦点を絞って背景をぼかすことがよくあります。映画制作では、広い絞り値（f/1.8～f/2.8）を使って被写界深度を浅くすることもあります。

クローズアップショットは、微妙な表情や仕草、重要な意味を持つ物を見せて感情を表現できます。1つの要素を画面いっぱいに映し出すことで、注意を逸らすものを最小限に抑えられます。

ミディアムクローズアップショット（MCU）

ミディアムクローズアップショットは、被写体の肩から上または胸から上を写し、表情と仕草の一部をとらえます。このショットは、観客が登場人物の感情に共感しやすいため、感情が高ぶるシーンでよく使用されます。

例えば、登場人物の頬を流れる涙と握りしめた拳を同時に映し出すことができます。ミディアムクローズアップショットでは、胴体の一部を画面に入れることで、登場人物の感情と状況を表現できます。

ミディアムショット（MS）

ミディアムショットは通常、標準的な焦点距離（35mm～50mm）を使って自然に見えるように撮影します。照明は被写体と背景にバランスよくあてるのが普通です。

このショットは、会話シーンや複数の人物がやり取りするシーンでよく使われます。画面に十分な余白があり、複数の人物を写してもまだ様々な動きや仕草を見せられるからです。話の流れを視覚的に追いつつ感情も表現できるため、バランスのよいシーンを撮影するにはミディアムショットが最適です。

カウボーイショット

1930年代にアメリカの映画スタジオが使い始めたのが、カウボーイショットと呼ばれる撮影スタイルで、これはガンマンのカウボーイハットから太もも中ほどのホルスターまでを画面に収めるものです。現代映画でカウボーイショットを使う場合は、人物の仕草や背景を見せつつ、表情もとらえるように撮影します。例えば 『ワンダーウーマン』 では、ダイアナが戦場を駆け抜けながら弾丸を払いのけ、自分のパワーを感じて微笑む様子をカウボーイショットでとらえています。

ミディアムロングショット（MLS）

ミディアムロングショットは、人物の膝から上を写し、空間とディテールの両方を把握できるショットです。このショットでは、十分な距離を取って動作や仕草を見せつつ、観客が少しずつ登場人物の感情に共感できるようにします。

このショットは西部劇では定番となっており、広大な景色の中に人物が1人だけ映し出され、登場人物と周囲の環境がおもしろい対比をなしているのを見ることができます。また、このショットは立ち話のシーンや登場人物の動きをとらえたシーンにも使用されることが多く、動きと会話の両方が必要なシーンに最適な選択肢となります。

ロングショット（LS）

ロングショットは、人物の全身（通常は頭からつま先まで）を画面に収め、周囲の環境もたっぷり見せるカメラアングルです。この広角のフレーミングは一般的に、登場人物を取り巻く状況の中にその人物を置いて、距離感や規模、孤立感を強調する場合に用いられます。

映画制作では、舞台設定、登場人物と周囲環境の関係描写、シーンの広大さや空虚さの強調などに、このロングショットのカメラアングルを使います。

フルショット（FS）

フルショットは、人物の全身を頭からつま先まで画面に収めつつ、余白を残して背景の特徴も写り込ませます。このショットは、登場人物とその周辺を視覚的にバランスよくとらえ、動き、仕草、環境を同時に表現するのに適しています。

フルショットは、登場人物の全身を見せることがシーンで不可欠な場合によく使用されます。例えば、教室で黒板の前に立つ教師が、新学期初日の授業開始を待ちながら行ったり来たりする様子を描写するのに適しています。

ワイドショット（WS）

ワイドショットでは大抵の場合、短い焦点距離（広角16mm～35mm）を使って広大なシーンを撮影します。被写界深度を深くするために、絞り値を上げる（f/8～f/11）必要があることもあります。映画制作では通常、規模感や舞台設定を確立したり、登場人物と周辺環境との関係に焦点を当てたりする際にワイドショットを使用します。

マスターショット、ツーショット、カウボーイショットなど、他の種類のショットもワイドショットと見なされることが多々あります。

肩越しショット（OTS）

肩越しショット は、標準からやや望遠のレンズ（50mm～85mm）を使ったリバースショットです。被写界深度を一定に保ちつつ、両方の被写体にバランスよく照明をあてる必要があります。このショットでは、実生活と同じように会話が進み、それぞれの話し手の立場になって観られるため、会話の流れが強調されて、観客は会話のやり取りを簡単に追うことができます。

このショットは、観客から見たそれぞれの被写体との距離感を微妙にコントロールすることで、気持ちの距離を表現できます。一方の人物の背後から見ている位置に観客を置くと、観客の見方をその人物の主観に寄せることができます。編集のしかたや構図しだいで、このショットでは力関係の変化や緊張の高まり、言葉にならない気持ちを表現できます。

ツーショット

2人の人物を写したショットはツーショットとして知られています。2人のやり取り、相手との距離、仕草をとらえることで、ツーショットはその人物どうしの関係を雄弁に語ることができます。ラッカス スカイ氏は「ほとんどのシーンはツーショットで撮影し、決定的なセリフや重要なディテールには単独ショットやクローズアップを使用するようにしています」と語っています。

スリーショット

スリーショットは1つの画面の中に3人の人物を収め、普通は3人のやり取りや関係がよくわかるように配置します。3人の間の団結、不均衡、対立などの力関係を確立するためによく使用されるショットです。

3人の距離が均等な場合や近い場合、協力関係にあることや価値観を共有していることを示唆できます。逆に、画面内で1人だけ離れていたり、高さの違うところにいる場合は、グループ内の緊張感や対立を強調できます。

アイレベルショット

アイレベルは日常生活の視点です。これは中立的なカメラアングルで、被写体を上から見下ろしたり下から見上げたりするようなストーリーテリングの効果はありません。そのため、多くの映画制作者はアイレベルの使用を避けています。「見方を表現できないんです」とレーン スカイ氏は言います。「登場人物を上から見下ろせば、小さく見えます」。ラッカス スカイ氏はこう付け加えます。「自信がなさそうに見えたり、力がなさそうに見えるんです。スーパーヒーローであれば必ず下から見上げるアングルで撮影されます。使い古された方法ですが、そんなに大がかりでなく無意識に近いレベルで使えばいいのです」

アイレベルショットは、カメラが被写体の目の高さにあり、現実世界で他の人を見る視点と同じなので、中立的なショットと考えられています。力関係や気持ちの距離が強調されないため、リアリズムや客観的な表現には最適なショットです。

焦点距離が中程度のレンズ（フルフレームカメラで通常35mmから50mm程度）を使用すると、現実世界での見え方と同じ自然な遠近感が得られます。

ハイアングルショット

ハイアングルショットでは、カメラを人物より高い位置に配置し、上から見下ろして撮影します。この視点だと人物が小さく見えたり、弱々しく見えたり、周りに埋没しているように見えます。危険や衝撃が伝わるショットなので、ホラー映画、スリラー映画、サスペンス映画でよく使用されます。

ジェームズ キャメロン監督は 『タイタニック』 の序盤で海を見下ろすローズをハイアングルショットで撮影し、自分の人生を自分で決められない無力感を象徴的に表現しています。同様に、『ハリー・ポッター』シリーズでは屋敷しもべ妖精ドビーがほぼ常にハイアングルで撮影されています。ドビーの背の低さとちっぽけなしもべという役回りが、このカメラアングルで表現されているのです。

ローアングルショット

人物を見上げるショットであれば、カメラの位置が人物の目線よりほんの数センチ下でも、ずっと低い足元でも、ローアングルショットと呼ばれます。ローアングルショットは人物が観客の上にそびえ立っているような印象を与えるため、監督は力強さや権威を表現する際にこのショットを使用します。

このカメラアングルは、無敵でパワフルな登場人物に対する共感や思い入れを観客が持ちやすいため、アクション映画やスーパーヒーロー映画でよく使用されます。西部劇の名作 『駅馬車』 では、ジョン ウェイン演じる英雄的な登場人物の登場シーンがローアングルショットで撮影され、大きく頼れる男に見せています。

ダッチアングルショット

ダッチアングルショットは、どのレンズでも撮影できます。カメラを水平軸から15～45度ほど傾けるのがポイントです。基本的なチルトショットとは異なり、ダッチアングルショットは登場人物や場面に違和感を生じさせるものです。映画では緊張感や不安感を醸成するために多用され、登場人物の精神的不安定さや場面の不穏な雰囲気を巧みに描写します。

俯瞰ショット

これは上空から見下ろす空撮ショットで、被写体の小ささや環境の広大さを印象づけます。俯瞰ショットは無力感、孤立感、あるいは存在の小ささを表現できます。例えば、終末的な大惨事に見舞われた大都市を俯瞰し、損壊した建物や地平線に広がる煙を映し出すことで、その出来事が住民に与えた影響の甚大さを示すことができます。

主観ショット（POV）

主観ショットは、求める効果に応じて様々な焦点距離で撮影できます。映画撮影では自然な顔の動きを模すために、手持ちカメラやスタビライザーを使うこともあります。

主観ショットは、観客が登場人物の目を通して見られるため、より一層その人物の感情や体験に浸ることができます。観客は登場人物と同じ感情を味わえるので、登場人物への深い共感を生み出せます。

リバースショット

映画制作では、先に1人の登場人物を（主観ショットで）表現し、それに対するもう1人の反応やセリフをリバースショットで表現することがあります。このショットは、主観ショットの反対側から見た視点で撮ったもので、大抵は肩越しショットの後に入り、空間の連続性が保てるように同軸上で視点を切り替えます。

このショットでは通常、規模感と遠近感が変わらないように、主観ショットと同様の中焦点レンズ（35mm～50mm）と構図（通常はミディアムショットかミディアムクローズアップ）を使用します。2つの視点を交互に切り替えることで、視点の急激な変化を避けつつ、会話や動きに対する観客の関心を維持できます。

プロファイルショット

プロファイルショットは、被写体を横からとらえ、通常カメラに対して90度の角度で横顔全体を映し出します。このショットでは、被写体の正面からの表情や直接的な目線が観客に見えないため、深い思考、観察者的な距離感、感情的な隔たりを表現することができます。

プロファイルショットは、登場人物が気持ちを閉ざしたり内省したりする感覚を表現する手法です。通常、焦点距離が35mm～55mmのレンズを使ってミディアムショットかミディアムロングショットで撮影し、自然な絵面で姿勢や表情をしっかりとらえます。

トラッキングショット

トラッキングショットは大抵の場合、カメラを被写体の横、前、または後ろに配置し、環境の中で被写体を追いかけて移動しながら撮影します。この手法では、観客があたかも一緒に動いているかのような臨場感が生まれます。

トラッキングショットは、サイドプロファイル、ローアングル、肩越しショットなど、強調したい感情や視覚効果に応じて様々なアングルで撮影できます。

例えば、薄暗い廊下を歩く被写体を横から追いかけて撮影することで、不気味な建物を探索する際の緊張感や恐怖心を強調できます。

パンショット

パンショットは、カメラを水平に動かすことで観客の視野を徐々に広げ、隠された情報を明らかにしていきます。何が画面に入ってくるのだろうと観客に思わせて緊張感を高めたり、被写体を取り巻く環境を見せて空間を把握させたりすることができます。

パンショットは、様々なカメラアングルを組み合わせ、1つの連続した動きの中でシーンのトーン、視点、焦点を変化させることもできます。例えば、バーに座っている人物のプロファイルショットから始め、顔に沿ってパンして表情を見せてから、続けてその人物の背後にパンし、部屋の反対側からバーに入ってくる別の人物を映し出すといった具合です。

ドリーイン／アウトとズームショット

ドリーショットは、レールや車輪付きの台を使ってカメラを物理的に移動させ、安定した動きで被写体に近づいたり追いかけたりする手法です。自然で洗練された映像表現が可能になります。ドリーの動きには主に次の種類があり、それぞれ異なる形でストーリーの進行に役立てることができます。

• ドリーイン。 カメラが被写体に近づいていき（通常は望遠レンズか標準レンズを使用）、高まる感情を表現したり、シーン内の特定の要素に徐々に注目させたりする手法です。このショットは、登場人物が何かに気づく様子を強調する場合や、登場人物に近づくにつれて観客の期待を高める場合に使用します。
• ドリーアウト。 このショットでは、カメラが被写体から遠ざかっていき、弱さや孤立、あるいは啓示の感覚を表現します。変化や孤独を象徴するには、広角レンズを使用し、被写体が画面内で小さくなるにつれて背景や環境に焦点を合わせていきます。
• ドリーズーム。「めまい効果」としても知られるドリーズームは、ドリーインしながらズームアウトする、またはドリーアウトしながらズームインする手法です。方向感覚をおかしくさせ、シーン内で起きている恐怖、衝撃、突然の気づきを表現します。望遠レンズなら背景を誇張したり歪めたりできて、この劇的なショットには最適です。

マスターショット

シーン内で起きているすべての動きをとらえるショットをマスターショットと呼び、通常はロングショットやワイドショットで撮影します。全体像を撮るものなので、シーンを成立させるために欠かせない基本的なカメラショットです。編集で動きや会話の合間にマスターショットを挟むことで、シーンに息継ぎできる余裕を持たせられます。

マスターショットとエスタブリッシングショットは、映画内で異なる役割を果たします。マスターショットは大抵の場合、1テイクでシーン全体を最初から最後まで撮影します。シーンの基礎となり、すべての登場人物と環境における位置関係を示します。一方、エスタブリッシングショットは、シーン冒頭で新しい場所を見せるショットです。このショットによって、いつ、どこで起きている場面なのかといった地理的文脈を観客に伝えます。

エスタブリッシングショット

エスタブリッシングショットは、シーンの冒頭で使用されるワイドショットで、雰囲気、時間、場所を確立します。通常、建物、街並み、風景などの外部環境をとらえ、これからアクションが展開される場所を示します。

例えば、夕暮れ時の都市のスカイラインをゆっくりと空撮し、渋滞する車の列をとらえることで、活気あふれる現代社会の設定を示唆できます。一方、人の気配がない日の出時の通りを静止したワイドショットで撮影すれば、落ち着いた内省的な雰囲気を確立できます。

カットイン／インサートショット

この種のクローズアップショットは、登場人物の手や足といった小さなディテールをとらえます。例えば、登場人物がスマートフォンでメッセージを確認するとしたら、おそらく監督はクローズアップのカメラアングルでスマートフォンの画面を撮りたいと思うでしょう。インサートショットは、大きなシーンの中にある小さくても重要なディテールだけを撮ります。

これらのショットは、物語には重要でも見落とされがちな行動、仕草、物に観客の注目を向けさせます。例えば、教室で机の下でこっそり手紙を渡す手のようなシーンが挙げられます。

カットアウェイショット

カットアウェイは、カットインとは逆に、被写体から別の要素へと切り替えるショットです。例えば、俳優の驚いた表情から吠える犬へ、ゴールラインを越えるボールからスタンドで歓声を上げるファンへの切り替えなどです。このような各種のショットを集めておけば、同じシーンの複数テイクを編集する際に便利です。

カットアウェイショットは、メインの動きからいったん目を離し、関連があるのに画面に映っていなかった要素（場所、物、画面外の動きなど）を映し出します。このショットは、連続性を損なうことなく視覚的な文脈を追加します。カットアウェイショットは、登場人物の反応の対象を示したり、まだ気づいていない何かを見せたりすることで、物語の重要な要素に注意を向けさせます。

リアクションショット

映画では、必ずしも話をしている人物だけが視覚的に重要なわけではありません。登場人物やストーリー展開に重要なものをクローズアップで見せるのがリアクションショットです。リアクションショットは画面の外で起きていること（ジョーク、驚きの展開、脅威など）に対する人物の感情的な反応をとらえ、話をしている人物に焦点を当てたショットでは伝えきれない人物の感情を観客に伝えます。

プッシュイン／プッシュアウトショット

プッシュインショットでは、カメラが被写体に近づき、観客の注目や集中を促します。プッシュアウトショットは逆に、被写体から観客を遠ざけることで、人物の孤立感を強調します。この種の動きを伴うショットには、通常ドリー、ジブ、またはステディカムが必要です。