Distintos tipos de planos y ángulos de cámara en cine

Primerísimo primer plano

Un primerísimo primer plano (ECU, por sus siglas en inglés) hace énfasis en un detalle concreto, como los ojos o los labios de un personaje, o un objeto importante, para intensificar una situación dramática y atraer la atención del público a un acontecimiento clave para la historia. Al centrarse en un detalle mínimo dentro del encuadre, este tipo de plano intensifica la conexión del público con el personaje y revela sentimientos y emociones que el diálogo por sí solo no siempre logra transmitir.

Por ejemplo, en una escena en la que un personaje lastima a otro, captar una lágrima rodando por su mejilla puede decir mucho sobre cómo se desarrolló la interacción.

Primer plano

Los primeros planos (CU, por sus siglas en inglés), sobre todo los más cerrados, suelen emplear distancias focales más largas (entre 85 y 135 mm) para comprimir los rasgos faciales y difuminar el fondo. Para lograr una profundidad de campo menor, puede usarse una apertura mayor (entre f/1.8 y f/2.8).

Un primer plano puede revelar emociones a partir de expresiones faciales sutiles, señales del lenguaje corporal o un objeto significativo. Esto reduce las distracciones ocupando todo el encuadre con un elemento.

Plano medio corto

Un plano medio corto (MCU, por sus siglas en inglés) encuadra a un sujeto a la altura de los hombros o desde el pecho hacia arriba, capturando tanto las expresiones faciales como parte del lenguaje corporal. Este tipo de plano suele utilizarse en escenas con mucha carga emocional, ya que permite que el público empatice con los sentimientos del personaje.

Por ejemplo, puede incluir gestos como un puño cerrado y, al mismo tiempo, una lágrima cayendo por el rostro del personaje. Al mantener parte del torso dentro del encuadre, un plano medio corto permite mostrar las emociones del personaje y el contexto situacional.

Plano intermedio

Los planos intermedios (MS, por sus siglas en inglés) suelen emplear distancias focales estándar (entre 35 y 50 mm) para que la perspectiva sea natural. La iluminación suele equilibrar el sujeto y el fondo.

Este tipo de plano se utiliza con frecuencia en escenas dialogadas o de interacciones grupales, ya que proporciona suficiente espacio para presentar a varios personajes mientras muestra distintas acciones y señales del lenguaje corporal. Los planos intermedios son ideales para lograr una cobertura equilibrada, porque mantienen el contexto visual sin dejar de lado la transparencia emocional.

Plano americano

En la década de 1930, los equipos cineastas estadounidenses empezaron a usar un estilo de plano cinematográfico conocido como plano americano, que mostraba a los vaqueros desde el sombrero hasta por encima de las rodillas para que viéramos el cinto donde llevaban las pistolas. Las películas actuales emplean el plano americano para mostrar el lenguaje corporal de un personaje y un poco de fondo a la vez que capturan las expresiones faciales. Por ejemplo, en la Mujer maravilla se usa un plano americano cuando Diana está cruzando el campo de batalla desviando las balas y sonriendo ante la sensación de poder.

Plano medio largo

Un plano medio largo (MLS, por sus siglas en inglés) encuadra al personaje desde las rodillas hacia arriba, lo que aporta una mejor percepción del espacio y de los detalles. Esto proporciona la distancia suficiente para mostrar las acciones y el lenguaje corporal, así como el tiempo necesario para que el público conecte emocionalmente con el personaje.

Este tipo de plano es un básico de las películas de vaqueros, donde se emplea para mostrar figuras solitarias en paisajes extensos, lo que genera un contraste atractivo entre el personaje y su entorno. También se usa con frecuencia en conversaciones de pie o para capturar los movimientos del personaje, lo que lo convierte en una elección ideal para escenas que combinan acción y diálogo.

Plano largo

El ángulo de cámara en plano largo (LS, por sus siglas en inglés) encuadra al sujeto completo, generalmente de pies a cabeza, mientras muestra buena parte del entorno que lo rodea. Este encuadre amplio se suele emplear para resaltar la distancia, la escala o el aislamiento, contextualizando el entorno en que se encuentran los personajes.

El ángulo de cámara en plano largo se usa para establecer el escenario, representar la relación entre un personaje y su entorno o resaltar la amplitud, o la soledad, del espacio en una escena.

Plano entero

Un plano entero (FS, por sus siglas en inglés) encuadra todo el cuerpo del sujeto de pies a cabeza, al tiempo que reserva espacio en el encuadre para mostrar algunas características del fondo. Este tipo de plano establece un equilibrio visual entre un personaje y su entorno, lo que lo convierte en una buena elección para mostrar movimiento, lenguaje corporal y el entorno de forma simultánea.

El plano entero se emplea con frecuencia cuando, para la escena, es importante mostrar al personaje completo. Por ejemplo, un plano entero podría mostrar a un profesor frente al tablero en un salón de clase, caminando de un lado a otro mientras espera para iniciar el primer día de clases.

Plano general

Los planos generales (WS, por sus siglas en inglés) suelen emplear una distancia focal más amplia (entre 16 y 35 mm) para capturar escenas de mayor tamaño. Para que la profundidad de campo sea mayor, pueden requerir números f más elevados (entre f/8 y f/11). Los planos generales se suelen usar para mostrar la escala y el escenario, así como para resaltar la relación entre los personajes y su entorno.

Los planos maestros, conjuntos y americanos, entre otros, suelen considerarse planos generales.

Planos sobre el hombro

Los planos sobre el hombro (OTS, por sus siglas en inglés) son contraplanos que usan distancias que oscilan desde la de un objetivo estándar hasta la de un teleobjetivo con poca longitud (entre 50 y 85 mm). La iluminación debe equilibrar a ambos sujetos y mantener la profundidad. Este tipo de plano mejora el flujo de la conversación imitando la forma en que suceden los diálogos en la vida real y haciendo que el público se ponga en los zapatos de cada interlocutor. Esto permite que el público siga fácilmente el hilo de la conversación.

Este plano puede transmitir distancia emocional controlando sutilmente qué tan cerca o lejos se siente el público de cada personaje. Cuando se sitúa al público detrás de un personaje, se puede crear una perspectiva más sesgada respecto a él. Esto sirve para mostrar cambios en las dinámicas de poder, resaltar la tensión o revelar emociones no expresadas en voz alta, según cómo se componga y se edite la toma.

Plano conjunto

Un plano que muestra dos sujetos se conoce como plano conjunto. Al capturar la interacción entre ellos, la distancia que los separa y su lenguaje corporal, un plano conjunto puede revelar mucha información sobre la relación entre los personajes. “Tratamos de mantener los planos conjuntos durante la mayor parte de la escena y luego usamos un primer plano o un plano cerrado para una frase clave o un detalle importante”, comenta Ruckus Skye.

Planos conjuntos de tres personajes

Este tipo de planos muestra a tres personajes en el mismo encuadre, generalmente dispuestos de forma que se destaquen sus interacciones y relaciones. Con frecuencia, este tipo de plano se emplea para mostrar dinámicas como la unión, el desequilibrio o el conflicto dentro del grupo.

Cuando los personajes se distribuyen por el espacio de forma uniforme o se encuentran cerca entre sí, este plano puede sugerir colaboración o valores compartidos. Por el contrario, si un personaje se encuentra separado del grupo o encuadrado a una altura distinta, este plano puede resaltar la tensión o el conflicto entre los integrantes del grupo.

Plano normal

El plano normal es el ángulo de la vida cotidiana. Este ángulo de cámara neutral no tiene el mismo efecto narrativo que filmar a un sujeto desde arriba o abajo, por lo que su uso suele evitarse en el cine. “No hay perspectiva”, opina Lane Skye. “Cuando grabas a un personaje desde arriba, se siente más pequeño”, agrega Ruckus Skye. “Tal vez no se sienta tan seguro ni poderoso. Si observas a cualquier superhéroe, siempre lo miras desde abajo. Es un cliché, pero puedes hacerlo a niveles más pequeños para que parezca más sutil”.

El plano normal se considera un plano neutral, ya que la cámara se coloca a la misma altura que los ojos del sujeto, para mostrar cómo vemos a otras personas en la vida real. Este ángulo evita enfatizar dinámicas de poder o distancias emocionales, lo que lo convierte en el mejor plano para retratar el realismo y la objetividad.

Cuando se usan objetivos de distancia focal media, por lo general entre 35 y 50 mm en una cámara con sensor de fotograma completo, la perspectiva se mantiene fiel a cómo las personas ven el mundo.

Plano picado

En un plano picado, la cámara se coloca por encima del personaje y lo enfoca desde arriba. Esta perspectiva hace que parezca pequeño, vulnerable o perdido. Los planos picados suelen usarse en películas de terror, misterio o suspenso porque transmiten peligro o sorpresa.

Al inicio de Titanic, James Cameron usa un plano picado de Rose mirando hacia el océano como símbolo de su falta de control sobre su propia vida. Del mismo modo, en la saga de Harry Potter, Dobby, el elfo doméstico, casi siempre aparece en un plano de este tipo para enfatizar tanto su baja estatura como su diminuto papel como sirviente.

Plano contrapicado

Cualquier plano que enfoque a un personaje desde abajo es un plano contrapicado, tanto si la cámara está situada a unos centímetros por debajo de los ojos del personaje como si está a la altura de sus pies. Los planos contrapicados transmiten la impresión de que un personaje se encuentra por encima del público, suele usarse para infundir sensación de poder y autoridad.

Este tipo de ángulo de cámara ayudan al público a conectar e identificarse con personajes poderosos e invulnerables, por lo que normalmente se usan en películas de acción o de superhéroes. En la clásica película del oeste La diligencia, el personaje heroico de John Wayne se presenta con un plano contrapicado que lo hace parecer grande y dominante.

Plano holandés

Puedes lograr un plano holandés con cualquier tipo de objetivo. La clave está en inclinar la cámara con respecto a su eje horizontal, normalmente entre 15 y 45 grados. A diferencia de un plano inclinado básico, el plano holandés transmite una sensación de que algo no está bien con el personaje o dentro de la escena. Con frecuencia se usa para aumentar la tensión o la inquietud, y reflejar la inestabilidad mental de un personaje o la sensación de incomodidad en la escena.

Plano cenital o vista de pájaro

Al enfocar desde arriba, este plano aéreo puede transmitir la pequeñez de los sujetos o la inmensidad de su entorno. El plano cenital puede representar vulnerabilidad, soledad o insignificancia. Por ejemplo, este plano podría mostrar una panorámica de una gran ciudad después de un suceso apocalíptico para mostrar los edificios dañados y las columnas de humo en el horizonte, lo que resaltaría el gran impacto del acontecimiento en los habitantes.

Plano subjetivo

Los planos subjetivos (POV) pueden usar distintas distancias focales en función del efecto que se quiera conseguir. Se puede emplear el movimiento de cámara en mano o estabilizado para imitar el movimiento natural de la cabeza.

El plano POV permite al público ver a través de los ojos de un personaje, para lograr una inmersión más profunda en su experiencia y estado emocional. Este plano puede crear vínculos más fuertes entre el público y los personajes de la película, ya que permite a la audiencia sentir las emociones junto con el sujeto.,

Contraplano

Un contraplano puede usarse para mostrar la reacción de otro personaje o su diálogo con el personaje que apareció primero (en el plano POV). Este plano captura la perspectiva opuesta del plano POV y suele aparecer después de un plano sobre el hombro, lo que cambia el punto de vista y mantiene el mismo eje de movimiento para conservar la continuidad espacial.

El contraplano suele emplear una distancia focal media (entre 35 y 50 mm) y un encuadre similar al del plano POV (habitualmente un plano intermedio o medio corto) para conservar la escala y la perspectiva. Al alternar entre ambas perspectivas, este plano mantiene al público conectado con el diálogo y los acontecimientos sin cambios bruscos en los puntos de vista.

Plano de perfil

El plano de perfil encuadra a un sujeto de lado para capturar todo su rostro de perfil, generalmente con un ángulo de 90 grados con respecto a la cámara. Este plano puede transmitir una sensación de contemplación profunda, distancia analítica o emocional, ya que no ofrece contacto visual directo ni muestra expresiones frontales del sujeto.

Un plano de perfil permite mostrar momentos de reflexión y retraimiento emocional de un personaje. Por lo general, se encuadra a una distancia intermedia o medio larga con un objetivo de distancia focal entre 35 y 55 mm, lo que aporta una apariencia natural sin perder los gestos faciales ni la postura.

Travelín

El travelín consiste en que la cámara siga al sujeto a través de su entorno, desplazándose a su lado, por delante o por detrás. Esta técnica genera una sensación impulsiva que hace que el público se sienta parte de la acción.

El travelín puede realizarse desde distintos ángulos, como de perfil, en ángulos bajos o sobre el hombro, según la emoción o los efectos visuales que se deseen destacar.

Por ejemplo, si un sujeto camina por un pasillo oscuro, la cámara podría seguirlo de lado para enfatizar la tensión y el miedo de explorar un edificio terrorífico.

Paneo

Un paneo consiste en el movimiento horizontal de la cámara para revelar información oculta al ampliar gradualmente el campo de visión del público. Esta técnica puede generar tensión, ya que el público anticipa lo que entrará en el encuadre, o crear conciencia espacial al mostrar el entorno que rodea a los personajes.

También se puede combinar el paneo con distintos ángulos de cámara para modificar el tono, la perspectiva o el foco de la escena dentro de un solo movimiento continuo. Por ejemplo, se puede usar un plano de perfil de una persona sentada en la barra y, luego, realizar un paneo que recorra su rostro para mostrar su expresión y continuar el paneo hasta ubicarse detrás de ella para revelar a otro personaje que entra al bar desde el otro lado.

Dolly: acercamiento, alejamiento y zoom

Un plano con dolly consiste en mover físicamente la cámara sobre un riel o una plataforma con ruedas para acercarse o seguir a un sujeto de forma estable. Esto proporciona a la película un aspecto natural y fluido. Existen varios tipos de movimientos con dolly y cada uno contribuye al desarrollo de la historia de forma distinta, a saber:

• Acercamiento con dolly. La cámara se acerca al sujeto, generalmente con un teleobjetivo o un objetivo intermedio, para intensificar la carga emocional o aumentar el enfoque sobre un elemento específico de la escena. Este movimiento se emplea para resaltar una revelación del personaje o generar expectativa a medida que el público se acerca a él.
• Alejamiento con dolly. La cámara se aleja del sujeto, lo que transmite una sensación de vulnerabilidad, distanciamiento o revelación. Para simbolizar el cambio o la soledad, se usa una distancia focal más amplia para destacar el fondo y el entorno mientras que el sujeto ocupa menos espacio en el encuadre.
• Dolly zoom. También conocido como el “efecto vértigo”, el movimiento dolly zoom combina un acercamiento o alejamiento con un zoom en la dirección opuesta. Esto crea una sensación de desorientación y refleja pánico, sorpresa o un descubrimiento repentino dentro de la escena. Un teleobjetivo da un buen resultado con este efecto dramático para exagerar y distorsionar el fondo.

Plano maestro

Estos planos, que capturan toda la acción que tiene lugar en una escena, suelen configurarse como planos largos o generales. Son tomas esenciales para la cobertura básica, ya que lo graban todo. En edición, se puede dar un respiro al pasar al plano maestro cuando hay pausas en la acción o en el diálogo.

El plano maestro y el de contexto cumplen distintas funciones dentro de una película. El plano maestro captura la escena completa de principio a fin y, con frecuencia, se realiza en una sola toma. Al mostrar a todos los personajes y sus relaciones espaciales dentro del entorno, sirve como punto de anclaje de la escena. Un plano de contexto, por su parte, muestra una nueva ubicación al inicio de una escena. Este plano ofrece al público referencia geográfica, como dónde y cuándo transcurren los acontecimientos.

Plano de contexto

Un plano de contexto es un plano general que se usa al principio de una escena para establecer el tono, el momento y la ubicación. Este plano muestra el lugar donde ocurrirán los acontecimientos y, por lo general, captura entornos exteriores, como edificios, vecindarios o paisajes.

Por ejemplo, una toma aérea lenta de un horizonte urbano al atardecer con tráfico congestionado puede indicar un ambiente enérgico y moderno, mientras que un plano general y estático de una calle vacía al amanecer puede establecer un tono de calma e introspección.

Inserto

Estos tipos de primeros planos enseñan detalles pequeños, como las manos o los pies del sujeto. Si un personaje mira un mensaje en el celular, tal vez quien dirija la grabación quiera un primer plano de la pantalla. Un inserto aísla detalles pequeños pero significativos dentro de una escena.

Estos planos dirigen la atención del público hacia acciones, gestos u objetos importantes para la trama que, de otro modo, podrían pasar desapercibidos. Por ejemplo, una mano pasando una nota bajo el escritorio en un salón de clase.

Plano recurso

Lo contrario al inserto es el plano de recurso, que salta del sujeto a otra cosa; por ejemplo, de la cara sorprendida de un personaje a un perro ladrando o de un balón entrando al arco a la hinchada celebrando el gol desde la gradería. Reunir planos cinematográficos como estos puede resultar útil para editar varias tomas de la misma escena.

Un plano recurso rompe la acción principal de una escena para mostrar algo relacionado, pero fuera del encuadre principal, como una ubicación, un objeto o una acción fuera de cuadro. Este plano aporta contexto visual sin romper la continuidad. El plano recurso llama la atención hacia elementos narrativos clave mostrando la forma en que un personaje reacciona o aumentando la tensión con algo que el sujeto aún no ha notado.

Plano de reacción

Dado que lo más relevante en una película no siempre es la persona que habla, el plano de reacción ofrece opciones valiosas para el desarrollo de la historia y los personajes. Estos planos captan la respuesta emocional de un personaje ante un acontecimiento que ocurre fuera de cuadro, como una broma, una revelación o una amenaza, y ofrecen al público una comprensión más profunda de sus sentimientos, algo que un plano centrado en quien habla no podría transmitir.

Acercamiento y alejamiento

En un acercamiento, la cámara se desplaza hacia el sujeto para dirigir la atención o el enfoque del público. En un alejamiento ocurre lo contrario: se resalta el aislamiento del personaje aumentando la distancia entre el público y el sujeto. Normalmente, para este tipo de movimientos de cámara se requerirá un dolly, un brazo mecánico o una steadicam.