Guia sobre planos-sequência em filmes.

Aprimore suas produções cinematográficas com este guia prático sobre planos-sequência.

Fazer filmes, mesmo que seja apenas um vlog, vai muito além de juntar cenas legais. Antes mesmo de começar a filmar, é preciso planejar bem as técnicas a serem aplicadas durante as gravações, os truques de edição usados para dar o toque final e muito mais. Com tantos tipos de planos disponíveis, dedicar um tempo para entender os planos-sequência, o porquê, como e quando usá-los, vai ajudar você a criar um produto final muito mais impactante, seja um filme ou um vídeo.

O que é plano-sequência?

O plano-sequência é uma técnica que captura uma cena de várias distâncias. Esse método garante que o editor tenha vários enquadramentos para contar a história e prender a atenção do público. No mínimo, grave uma visão ampla, média e próxima da cena.

Também conhecido pelo termo francês “Plan séquence”, o plano-sequência envolve uma série de movimentos de câmera e enquadramentos planejados, incluindo os já mencionados planos aberto (ou plano mestre), médio e close-up, de forma a fazer a história avançar de maneira lógica.

Um bom plano-sequência oferece ao espectador um guia visual útil para acompanhar a ação do filme. Além de manter a atenção do público na ação, os planos-sequência na verdade criam expectativa. Afinal você quer deixar o público querendo mais (e não querendo sair para buscar mais pipoca nos momentos cruciais).

Para o cineasta, o plano-sequência ajuda a evitar que ele se perca nos detalhes. Quando você sabe quais planos usará com antecedência, pode se concentrar mais na composição, na iluminação e em como as imagens contarão sua história.

Planos comuns usados em planos-sequência.

Em filmes e vídeos mais longos, os cinco tipos mais comuns de ângulos de câmera (também conhecidos como enquadramentos) são:

• Close-ups
• Planos abertos
• Planos médios
• Planos por cima do ombro
• Planos de ponto de vista

No mínimo, você deve gravar um plano aberto, um médio e um close-up da cena. Por que esses três primeiros? Bem, como diz o velho ditado: “o plano aberto mostra onde, o médio mostra quem e o fechado mostra o quê”. Então, se você está tentando contar uma história consistente e não quer que o público perca o interesse ou a imersão, esses três planos oferecem uma ótima estrutura para posicionar seus personagens ou a ação.

Experimente o plano de 5 tomadas.

Uma das sequências de planos mais populares é chamada de 5 tomadas. Vamos ver como ele pode ser usado em uma filmagem real. Imagine uma cena com uma menina desenhando concentrada:

1. Comece com um close-up das mãos dela enquanto ela trabalha na arte.
2. Use um plano em movimento para subir até o rosto dela, mostrando sua concentração.
3. Faça um plano médio capturando a menina e seu entorno imediato.
4. Adicione um plano de ponto de vista, talvez por cima do ombro dela.
5. Faça a quinta tomada usando um ângulo aberto com uma visão aérea ou outra posição criativa.

Qual é a vantagem da sequência de 5 tomadas? Essa técnica de filmagem consecutiva ajuda você a construir cenas complexas e bem estruturadas, com várias partes, que fazem sua história avançar revelando pistas sobre os personagens.

Como os storyboards ajudam no plano-sequência.

Ao fazer um filme ou vídeo, um storyboard pode ser um roteiro muito útil durante o processo de produção. Ao planejar seus planos-sequência no storyboard, você saberá quais precisa criar e como criá-los, garantindo o melhor material para trabalhar na edição de pós-produção.

Além de proporcionar um plano mais organizado, um storyboard detalhado pode minimizar erros de filmagem, economizando tempo que seria gasto em retrabalho, replanejamento e dores de cabeça. Especificamente, ao estruturar uma sequência de cenas em um storyboard, você pode visualizar facilmente onde suas cenas, tomadas e quadros são coerentes e onde não são. Além disso, você poderá reorganizá-los antes que seu cinegrafista (se não for você mesmo) bata a claquete e grite “Ação”.

Quatro layouts diferentes de sequências de cenas.

Da ação à reação, saiba mais sobre esses diferentes tipos de planos-sequência e como utilizá-los da melhor forma em seu próximo projeto.

Continuidade de ação

Também conhecida como “corte na ação”, essa sequência utiliza várias tomadas de diferentes ângulos, preservando a continuidade da ação do sujeito. Cada nova tomada retoma a ação exatamente do ponto onde a anterior parou e, quando bem executada, cria uma aparência fluida. Lembre-se de que ações pequenas e facilmente repetíveis, como o ator bebendo lentamente de um copo em cada tomada, em vez de dar um gole em uma e um gole longo em outra, funcionam melhor para esse tipo de sequência.

Colagem de close-ups

Imagine uma sequência composta por uma série de close-ups que progridem ao longo de um momento. Dos olhos de uma mulher olhando para baixo, à capa do livro que ela está lendo, às suas unhas vermelhas virando uma página, até a próxima página arrancada da lombada, deixando a personagem e o espectador em suspense. Tudo isso se soma a grandes peças de um quebra-cabeça visual do personagem. Além disso, quando você combina uma sequência de colagem de close-ups com narração fora da câmera, adiciona ainda mais estilo à história do personagem.

A revelação

A sequência de revelação é semelhante ao que você gostaria de ver acontecer com alguém que entra em uma festa surpresa. Ela deve revelar algo totalmente inesperado como a última tomada de uma sequência. O objetivo é arrancar um suspiro de surpresa, alegria ou até mesmo medo (no caso do terror). As possibilidades para tomadas de revelação são infinitas: só esconda a surpresa e não dê nenhuma pista na primeira tomada da sequência. Como dizem, termine em grande estilo (ou com um susto e tanto).

A ação/reação

Quando você filma uma sequência de ação/reação, você corta da cena principal (ou ação) para mostrar a reação de um personagem a ela. Geralmente, ela mostra a expressão facial de um personagem em close-up ou plano médio, mas você também pode usar ação/reações para destacar uma relação espacial entre dois sujeitos. Por exemplo, uma onda gigante se aproximando de uma praia, seguida por uma tomada de banhistas olhando para o perigo iminente. De qualquer forma, as tomadas de ação/reação tendem a sugerir o que o próprio espectador deveria estar sentindo.

Use o sistema de continuidade para filmar sequências de cenas.

As sequências de cenas se referem ao que você filma: como você filma é regido por algo chamado “sistema de continuidade”. O sistema de continuidade, uma maneira técnica de manter a consistência de tempo e espaço nos filmes, é uma técnica de câmera e edição que quase todas as produções de cinema e televisão usam na filmagem e na pós-produção para criar uma experiência visual melhor.

Quando filma sequências de cenas com técnicas do sistema de continuidade, você se beneficia de um conjunto de direções de câmera padronizadas que foram criadas para proporcionar ao público a experiência visual mais tranquila possível. O objetivo por trás do sistema de continuidade é apresentar um filme com uma edição tão invisível que o espectador nunca se distraia. Você não quer que eles vejam saltos estranhos entre as tomadas ou fiquem confusos com o layout espacial.

Um dos pilares desse sistema de direção de câmera é conhecido como regra dos 180 graus. Ela determina que a câmera deve permanecer em apenas um lado da ação e dos objetos em cena. Uma linha invisível, chamada de linha dos 180 graus (ou eixo de ação), atravessa a cena para que o cineasta possa alcançar um estilo fluido de narração. Dessa forma, personagens e objetos não mudam de posição (de um plano para outro: se estiverem à direita, permanecerão lá, e se estiverem à esquerda, sempre estarão à esquerda) daí que surge a parte da “continuidade” no sistema de continuidade.

Seguir as regras desse sistema ajuda a evitar erros de continuidade e fornece aos editores as sequências de filmagem necessárias para garantir ao público uma experiência perfeita.