Guide du tournage en séquence au cinéma

Découvrez la technique du tournage en séquence.

Le tournage en séquence consiste à filmer une même scène sous plusieurs angles et à différentes distances. L'objectif est d'offrir à l'équipe de montage une variété de plans pour construire le récit tout en maintenant l'attention du public. Idéalement, privilégiez au moins un plan large, un plan rapproché et un gros plan.

Cette technique nécessite de prévoir une série de mouvements de caméra et de cadrages, afin d'assurer une progression narrative claire et logique.

Lorsqu'il est bien maîtrisé, le tournage en séquence guide le regard du public et lui donne un repère clair pour suivre l'action. Mieux encore, il entretient le suspense. Après tout, le but est de tenir les spectateurs et les spectatrices en haleine, pas de les pousser à aller chercher du pop-corn au moment le plus crucial.

Pour le réalisateur ou la réalisatrice, cette approche permet une gestion plus fluide du tournage. En anticipant les plans à réaliser, il devient plus simple de se concentrer sur la composition, la lumière et la narration visuelle.

Misez sur les plans les plus utilisés lors des tournages en séquence.

Dans les films et les vidéos de longue durée, les cinq types de plans (ou cadrages) les plus courants sont les suivants :

• Les gros plans
• Les plans larges
• Les plans rapprochés
• Les plans avec personnage en amorce
• Les plans subjectifs

Il est conseillé de filmer chaque scène sous au minimum trois angles : le plan large, le plan rapproché et le gros plan. Pourquoi ceux-ci en particulier? Comme l'explique un vieil adage, parce que « le plan large montre où, le plan rapproché montre qui et le gros plan montre quoi ». Si vous souhaitez construire un récit cohérent sans perdre l'attention du public ni rompre l'immersion, ces trois plans forment une base solide pour mettre en valeur vos personnages et leurs actions.

Testez la méthode des cinq plans.

La méthode des cinq plans figure parmi les techniques les plus utilisées. Pour comprendre son fonctionnement, prenons l'exemple d'une scène où une petite fille dessine avec beaucoup d'application :

1. Commencez par un gros plan sur ses mains en train de dessiner.
2. Enchaînez avec un travelling qui remonte jusqu'à son visage, pour montrer sa concentration.
3. Passez ensuite à un plan moyen qui inclut la fillette et son environnement immédiat.
4. Ajoutez un plan subjectif, par-dessus son épaule, par exemple.
5. Finissez sur un plan large, tourné en hauteur ou sous un angle inhabituel.

Cette approche permet de construire des scènes à la fois complexes et bien structurées. Elle aide à faire progresser le récit tout en révélant la personnalité des personnages.

Appuyez-vous sur le storyboard.

Lors de la réalisation d'un film ou d'une vidéo, le storyboard fait office de feuille de route tout au long du processus de production. En y organisant vos plans de séquence, vous saurez précisément lesquels tourner et comment procéder, afin d'obtenir les meilleures prises pour le montage.

Plus qu'un outil de planification, un storyboard plan par plan aide à prévenir les erreurs de tournage. Résultat : moins de temps perdu, moins de retouches… et moins de stress. En disposant visuellement la séquence de plans sur votre storyboard, vous verrez tout de suite si vos scènes s'enchaînent harmonieusement ou non. Cela vous permet de réorganiser votre séquence bien avant le clap de début et le fameux « Action! ».

Explorez quatre types de plans en séquence.

De l'action à la réaction, découvrez et exploitez efficacement différents types de plans en séquence.

Raccord de mouvement

Ce type de séquence consiste à filmer une même action sous différents angles tout en préservant la continuité du geste. Chaque plan démarre là où le précédent s'est arrêté, créant ainsi une transition fluide et naturelle. Pour que ce raccord fonctionne, privilégiez des actions simples et facilement répétables. Par exemple, il est plus sûr de filmer votre sujet porter un verre lentement à ses lèvres plutôt que de l'ou la filmer boire réellement : le niveau de liquide dans le verre risquerait de varier d'une prise à l'autre.

Collage de gros plans

Imaginez une séquence composée d'une succession de gros plans qui font progresser l'action dans le temps : les yeux d'une femme baissés vers son livre, la couverture de l'ouvrage, ses ongles rouges tournant une page, puis la page suivante arrachée de la reliure… Autant de détails visuels qui tiennent à la fois le personnage et le public en haleine. Ce type de montage forme comme un puzzle visuel du personnage, et si vous y ajoutez une voix hors champ, vous renforcez encore la dimension narrative de la scène.

Révélation

Imaginez la réaction d'une personne découvrant une fête surprise : c'est exactement le principe de la séquence de révélation. Le dernier plan doit dévoiler un élément inattendu pour provoquer une émotion forte chez le public (surprise, joie, ou même peur, si vous travaillez dans le registre de l'horreur). Les possibilités de plans de révélation sont infinies, mais la règle d'or reste la même : ne rien révéler trop tôt. Gardez le suspense jusqu'au bout, afin que la dernière image provoque un véritable impact, qu'elle fasse sourire… ou sursauter.

Action/réaction

Une séquence action/réaction consiste à interrompre momentanément la scène principale (ou l'action) pour dévoiler la réaction d'un personnage. On utilise le plus souvent un gros plan ou un plan rapproché sur le visage, mais ce type de séquence peut aussi servir à montrer la relation spatiale entre deux éléments. Imaginez une vague géante déferlant sur la plage, suivie d'un plan sur les protagonistes levant les yeux vers le danger imminent. Ces enchaînements orientent les émotions du public.

Utilisez le système de continuité.

Les plans en séquence déterminent ce que vous filmez, mais leur réalisation repose sur le système de continuité. Conçu pour garantir la cohérence temporelle et spatiale d'un film, ce système combine un ensemble de techniques de prise de vue et de montage désormais utilisées dans la quasi-totalité des productions cinématographiques et télévisuelles.

En appliquant les principes du système de continuité pour vos plans en séquence, vous bénéficiez d'un ensemble de règles respectant la norme pensées pour offrir l'expérience de visionnage la plus fluide possible. L'objectif est de rendre le montage invisible, pour que le public reste immergé dans l'histoire sans remarquer de coupes maladroites ni se perdre dans l'organisation spatiale des scènes.

La règle des 180 degrés constitue un principe fondamental de ce système de cadrage. Elle stipule que la caméra doit toujours rester du même côté de l'action et des éléments présents dans la scène. Une ligne imaginaire, appelée ligne des 180 degrés ou axe d'action, traverse la scène et permet de conserver une narration fluide. Ainsi, les protagonistes et les objets ne changent pas de position : si un personnage se trouve à droite dans un plan, il le restera dans les plans suivants, et inversement (d'où le terme « continuité »).

Respecter les règles du système de continuité permet d'éviter les faux raccords et de fournir à l'équipe de montage les plans en séquence nécessaires pour garantir une expérience de visionnage fluide.