Guide du plan à hauteur d’œil au cinéma
Ce plan incontournable dépasse largement le cadre du septième art. Découvrez pourquoi.
Le plan à hauteur d’œil passe souvent inaperçu. Peu spectaculaire, il se distingue pourtant par sa simplicité et son omniprésence dans le cinéma, la télévision et la production vidéo.
Découvrez en quoi consiste un plan à hauteur d’œil.
Comme son nom l’indique, le plan à hauteur d’œil place la caméra au niveau du regard du personnage. Ce dernier est généralement filmé des genoux à la tête, avec très peu de contexte autour. Sans chercher à dramatiser ni à orienter le point de vue du public, ce type de plan adopte une perspective humaine et réaliste. Il nous plonge ainsi au cœur de la scène.
Parce qu’ils imitent notre regard, les angles à hauteur d’œil sont particulièrement utiles pour établir le cadrage d’une scène. Rappelons qu’un plan correspond à une seule image filmée. « Cadrer un plan » consiste à composer l’image perçue par la caméra, ce qui englobe le placement des protagonistes, leurs déplacements, la scénographie, le décor et tout autre élément visible à l’écran. Le cadrage initial peut être vu comme la mise en place d’une scène, avant que l’action ne démarre ou que le drame ne s’installe.
Adopter un point de vue naturel permet aussi de saisir une scène dans sa globalité. Ce cadrage standard s’impose comme une évidence dans de nombreuses séquences classiques du cinéma et de la télévision. Il est également privilégié pour toute situation essentiellement statique, notamment les interviews télévisées ou la majorité des vidéos YouTube.
Les plans à hauteur d’œil nous entourent sans que nous en ayons conscience. Omniprésents dans les films et les séries, ils passent souvent inaperçus, et c’est justement le but. Pourtant, loin d’être de simples outils de base pour les directeurs et les directrices de la photographie, ils possèdent des qualités spécifiques.
Faites le choix de la neutralité.
Le plan à hauteur d’œil privilégie la neutralité. À la différence d’une contre-plongée, qui regarde littéralement le sujet de bas en haut, ou d’une plongée, qui lui ôte du pouvoir, il nous met sur un pied d’égalité avec le personnage.
Cet effet d’appartenance permet au public de mieux s’identifier au personnage. Dans Hunger Games, il aurait été facile de montrer Katniss en héroïne surhumaine grâce à la traditionnelle contre-plongée. Au lieu de cela, le recours fréquent aux plans à hauteur d’œil nous place à ses côtés lorsqu’elle bande son arc, prête à rejoindre la rébellion.
Les réalisateurs et les réalisatrices privilégient parfois une approche intermédiaire en intégrant aux plans à hauteur d’œil des prises de vue depuis l’épaule ou la hanche. Le but est de jouer légèrement sur la stature d’un personnage afin de refléter des rapports de force complexes, comme dans de nombreux épisodes de Game of Thrones.
Les angles de caméra sont des outils puissants pour guider la narration. Grâce à la plongée ou à la contre-plongée, les cinéastes peuvent amener subtilement le public à se sentir supérieur ou inférieur à un personnage, mais aussi créer une impression de proximité ou de distance.
L’usage d’un angle de caméra neutre est lui aussi un choix artistique stratégique. En nous offrant une vision non biaisée de la scène, il nous permet de suspendre notre jugement et d’attendre de voir comment la situation va évoluer.
Lorsque le spectateur ou la spectatrice peut observer l’action de manière objective et se forger sa propre opinion, la réalisation gagne du temps pour introduire même des personnages profondément antipathiques. À cet égard, les premières scènes d’American Psycho sont poussées à l’extrême.
Toutefois, la neutralité n’est pas seulement un choix artistique, mais parfois une nécessité, en particulier lorsque le réalisateur ou la réalisatrice doit faire preuve d’impartialité. C’est pourquoi le plan à hauteur d’œil est privilégié pour filmer des présentations d’informations claires et factuelles (comme lors d’une conférence de presse) ou pour préserver l’objectivité durant une interview (pendant le tournage d’un documentaire, par exemple).
Brisez le quatrième mur.
La neutralité n’est pas le seul atout des plans à hauteur d’œil. Cette perspective familière contribue également à éliminer les barrières entre le public et le récit.
Rencontrer un personnage à hauteur d’œil, sur un pied d’égalité, suscite de l’empathie en le rapprochant du spectateur ou de la spectatrice. Ce stratagème donne de l’humanité aux êtres les plus insensibles. En effet, même les psychopathes ou les tueurs en série peuvent, dans une certaine mesure, être compris.
Ce lien devient encore plus fort avec des protagonistes ordinaires. Les plans à hauteur d’œil nous poussent à adopter leur point de vue, comme si nous étions littéralement dans leur tête. Cela offre une vision intime de l’action. Nos émotions sont plus immédiates et intenses lorsque nous nous retrouvons face à face avec un sujet, et l’action paraît plus rapide, portée par cette montée d’adrénaline à hauteur d’œil.
Ce sentiment de proximité est encore renforcé lorsque le public est plongé dans une comédie romantique pleine de fantaisie, comme Le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain. Il s’investit émotionnellement en suivant cette timide serveuse parisienne dans sa quête d’amour, dans un film acclamé pour sa photographie. Grâce à ces plans intimes à hauteur d’œil, nous partageons le point de vue d’Amélie. Nous sommes à ses côtés, à Montmartre, au cœur de son univers.
Ne négligez pas l’importance du regard.
Il est difficile d’imaginer un film sans quelques plans à hauteur d’œil. Prenez néanmoins le temps de redécouvrir cette technique sous-estimée de la cinématographie. La prochaine fois que vous regarderez un film ou une série, observez la fréquence de ces plans et réfléchissez à la façon dont ils sont utilisés.
Prenez l’exemple de l’acteur et réalisateur John Krasinski, qui a incarné Jim dans The Office pendant neuf saisons. Après plus de 200 épisodes tournés dans les mêmes décors et centrés sur les mêmes interactions, il aurait pu se lasser des angles de caméra ordinaires. Cela dit, le format mockumentaire rendait crédible l’idée qu’une seule caméra puisse filmer toute l’action chez Dunder Mifflin, et la série a remporté deux Emmy Awards pour son montage en prise unique.
Au lieu de cela, lorsque John Krasinski est passé derrière la caméra, il a choisi de mettre en avant les plans à hauteur d’œil dans les deux volets de Sans un bruit.
De toute évidence, le regard fait toute la différence.
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