Animación: todo lo que hay que saber 

Sin embargo, las animaciones no se utilizan solamente en el sector del entretenimiento. En realidad, hoy en día están casi en todas partes: en vídeos explicativos, en la publicidad, en sitios web, en los modelos 3D móviles e incluso en logos digitales. El colectivo de profesionales de la animación está tan presente en sectores como el marketing, la industria y la ciencia como en los estudios de Hollywood o en el desarrollo de videojuegos. Por eso no ha sorprendido que Bloomberg, empresa de medios estadounidense, haya pronosticado recientemente que el mercado de la animación a nivel mundial aumentará hasta los 640 000 millones de dolares de aquí a 2030.

Pero ¿qué es la animación exactamente? ¿Cómo trabajan las personas que se dedican a la animación? ¿Cómo ha cambiado la tecnología a lo largo de los años? ¿Cómo puedes crear tus propias animaciones? En este artículo profundizaremos con todo detalle en este tema.

¿Qué significa el concepto de animación?

La palabra "animación" proviene de las palabras latinas animare (cuyo significado es "insuflar vida", definición que se mantiene a día de hoy, aunque el término haya adquirido además otros significados) y anima, palabra que aún existe en castellano y que significa espíritu, alma o aliento. Por tanto, tal y como su nombre indica, la animación consiste en insuflar vida o aliento a un objeto, aunque sea en sentido figurado. Y eso, ¿qué implica en la práctica?

¿Qué es la animación?

Si la tomamos de forma estricta, la animación es un concepto general que abarca todas las técnicas posibles en las que se editan imágenes una por una y se reproducen en secuencia de tal forma que se genera la ilusión de movimiento. La animación logra esto gracias a un fenómeno muy concreto denominado "persistencia retiniana": si el período que transcurre entre que observamos una imagen y la siguiente es inferior a una décima de segundo, el cerebro las interpretará como una sola imagen continua. El folioscopio ilustra este fenómeno a la perfección, ya que al pasar las páginas rápidamente se crea esa ilusión.

Para lograr que el cerebro perciba un efecto de movimiento convincente, la mayoría de las animaciones modernas emplean de 12 a 24 fotogramas individuales por segundo. Antes de que existieran las técnicas de CGI, estos dibujos se delineaban y se pintaban a mano en una lámina de celuloide, lo que suponía una elevadísima carga de trabajo para producir una película de 90 minutos. Normalmente se contrataba a cientos de personas para ese tipo de proyectos y se empleaban varias técnicas de dibujo distintas. Hoy en día, lo más habitual es que los fotogramas individuales los genere un ordenador de forma automática. Las animaciones se pueden producir también a partir de varias fotografías, como pasa con la animación de objetos (técnica stop motion).

¿Qué es la animación CGI? 

Más adelante profundizaremos con todo lujo de detalles en esta técnica de animación y en muchas otras, pero sí que podemos ir adelantando algo: las siglas CGI sustituyen a la expresión inglesa Computer-Generated Imagery, que podemos traducir por "imágenes generadas por ordenador". Y con eso ya hemos aclarado lo más importante del CGI, porque, al contrario que otras técnicas de animación anteriores, no requiere que las imágenes se dibujen a mano una por una. Es un programa informático inteligente el que se encarga de la mayor parte de ese trabajo.

Sin embargo, siguen haciendo falta animadores y animadoras en el ámbito del CGI, ya que se hacen otras tareas, como diseñar el rigging del esqueleto de un personaje animado y establecer las secuencias de movimiento exactas de las escenas animadas en 2D o 3D.  

La historia de la animación 

Antes de seguir profundizando en las técnicas de animación y de explicar cómo crear tus propias animaciones, es interesante echar un vistazo a la historia de la animación. Contar historias con figuras en movimiento ha fascinado a los seres humanos desde tiempos inmemoriales. La tradición centenaria de las sombras chinas es buena prueba de ello, así como algunos descubrimientos como la Laterna Magica del siglo XVII, con la que se proyectaban figuras en movimiento sobre fondos estáticos.

Los comienzos

La historia de la animación moderna tal y como la conocemos empieza a finales del siglo XIX y está fuertemente asociada a la aparición de la tecnología fílmica, aunque ya existían dispositivos de efectos visuales como el zoótropo, con el que se generaba la ilusión de movimiento. Pero se puso en marcha de verdad con la invención de la cámara de vídeo en 1888, que por primera vez permitió tomar una serie de fotografías individuales (serie) que después se reproducían rápidamente y de manera sucesiva con un proyector. Daba comienzo la era del cine mudo.

Dado que, en su concepción más amplia, la animación se refiere a la reproducción de series de imágenes, estas primeras producciones fílmicas se pueden considerar el comienzo de la historia de la animación moderna. A su vez, la nueva tecnología de cámaras fue lo que permitió el desarrollo de las animaciones de dibujos animados y de stop motion a finales del siglo XIX y principios del XX. El cortometraje de animación Fantasmagorie de Émile Cohl (1908) es una de las obras más conocidas de la época. Se considera que es la primera película de dibujos totalmente animados del mundo. Seis años más tarde, Earl Hurd desarrolló la técnica que hoy en día llamamos animación tradicional, en la que se dibujan varios miles de imágenes individuales en láminas de celuloide transparentes, se colocan sobre los fondos y se filman. Durante los siguientes 70 años, este proceso predominaría en la industria.
 

La época dorada de las películas de animación

A medida que el séptimo arte ganaba popularidad durante las décadas de los 20 y los 30, las películas de dibujos animados también vivieron su auge paralelo gracias a la animación en celuloide. En 1923, los hermanos Walt y Roy Disney fundaron la Walt Disney Company, que acabaría siendo famosa en todo el mundo. El primer gran éxito del estudio fue Willie y el barco de vapor, estrenado en 1928, el primer corto de dibujos animados con sonido en el que aparecía Mickey Mouse.

En Disney no tardaron en aparecer otros personajes, como el pato Donald, Goofy o Winnie the Pooh. Durante las siguientes décadas produjeron películas que marcarían la historia del cine, como Blancanieves y los siete enanitos (1937), Bambi (1942) o El libro de la selva (1967). A su vez, otras empresas de cine y televisión pudieron sacar partido de la era dorada de la animación en celuloide. Buen ejemplo de ello es la Warner Bros., que cosechó un gran éxito gracias a su serie de dibujos animados Looney Tunes a partir de la década de los 30 y que nos dio personajes tan queridos como Bugs Bunny y Porky.

La transición a la era digital

El proceso de la animación en celuloide fue el más extendido en la industria hasta bien entrados los años 80. A comienzos de la década siguiente, los espectaculares avances en tecnología informática hicieron inevitable la reconversión a los medios digitales. El proceso tradicional de dibujar a mano secuencias de películas enteras resultaba demasiado laborioso, y es que hicieron falta 600 animadores para llevar a la gran pantalla El rey león (1994), uno de los últimos taquillazos de dibujos animados de Disney.

A lo largo de la década de los 90, cada vez más estudios de cine se reconvertían a las técnicas asistidas por ordenador. Una de las grandes producciones de más éxito fue Toy Story (1995), de Pixar. Con ella empezó la era del CGI, que en los siguientes años arrojaría obras de los más diversos tipos: desde emocionantes películas de animación por ordenador como Up o Wall-E, hasta producciones de anime repletas de detalles como El viaje de Chihiro y series de comedia para adultos como Rick y Morty.

Sin embargo, la llegada de las técnicas de animación digital no se limitó a la esfera cinematográfica. De videojuegos con modelos móviles en 3D hasta los motion graphics modernos, las animaciones producidas en entornos completamente digitales están por todas partes, no solo en el mundo del entretenimiento, sino también en el diseño web, el marketing o la ciencia. 

¿Qué técnicas y tipos de animación existen?  

Ya hemos mencionado varias técnicas de animación importantes. Vamos a ver más a fondo los detalles técnicos. Existen muchas maneras diferentes de otorgar la impresión de movimiento a varias imágenes individuales. La mayoría de los tipos de animación se pueden clasificar en cinco categorías:

1. Animación tradicional (en celuloide)

En esta técnica de animación tradicional, los animadores dibujaban las imágenes individuales a mano en láminas especiales de celuloide, por lo general personajes de dibujos animados de gran nivel artístico. Después se colocaban sobre los fondos de las escenas y se filmaban. Al reproducirlas en el orden correcto, se creaba la ilusión de un movimiento fluido desde el punto de vista del público. Así se hicieron clásicos de Disney como Bambi o La sirenita. Entre las décadas de los 30 y los 80, el método de la animación en celuloide fue el estándar de la industria en la producción de películas y series de dibujos animados.

Desde la década de los 90, la tecnología se fue abandonando debido a la elevada carga de trabajo que supone, y los grandes equipos de animación ya son cosa del pasado. Una de las últimas películas de dibujos animados producidas con este método fue el Winnie The Pooh de Disney del año 2011. Aunque hoy en día la mayoría de las series y películas animadas se hacen con CGI, la animación tradicional sigue siendo el máximo exponente de la época dorada de las películas de dibujos animados. La crítica sigue considerándolas obras de gran valor por la calidez de los colores y el dominio de las habilidades artísticas necesario para dibujarlas.

2. Animación 2D 

En la actualidad, las técnicas de animación tradicional se pueden imitar mediante las técnicas digitales. En el caso de la animación 2D se crean imágenes de vectores en movimiento con programas como Adobe Animate. El principio básico es parecido, con la diferencia de que las imágenes en que se van a mover ya no se dibujan a lápiz sobre una lámina de celuloide, sino que se crean en ordenadores con programas específicos para ello. 

Los programas informáticos modernos les permiten a los equipos de animación cambiar diferentes parámetros, como las expresiones faciales o las secuencias de movimiento de los personajes con métodos como el rigging o el tweening (concepto que se explica más abajo) según sea necesario. Las animaciones 2D basadas en imágenes vectoriales no se usan solamente en series y películas, sino también en videojuegos, banners publicitarios, contenidos de aprendizaje virtual e infografías. 

3. Animación stop motion

Para crear una película con la técnica stop motion, se toman muchas fotos de objetos en distintas posiciones. Entre una fotografía y la siguiente se hacen cambios, por ejemplo, se va estirando el brazo de un personaje. Si las fotografías individuales se reproducen una tras otra, al verlas dará la sensación de que los objetos se mueven solos. Ejemplos de este método, económico, pero no por ello menos sofisticado, son Pesadilla antes de Navidad, de Tim Burton, y las primeras películas de figuras planas (animación cutout) de Matt Stone y Trey Parker..

Una de las características de la animación stop motion es que existen muchas variantes. En las películas de figuras de plastilina, también conocidas como plastimación, se utilizan figuras y fondos elaborados a partir de barro o de plastilina, a los que luego se les da "vida" mediante la técnica del stop motion. Esta técnica se adapta también a la perfección a las marionetas, a figuras recortadas (animaciones cutout), a películas realizadas con piezas de construcción (brickfilms), objetos cotidianos e incluso a personas de verdad a las que se fotografía en diferentes poses (pose a pose o pixilación).  

4. Animación CGI/3D
 

De simulaciones virtuales a materiales educativos, de videojuegos a grandes producciones de Hollywood, las animaciones CGI actuales están por todas partes. La mayor diferencia con respecto a la animación "clásica" consiste en que los artistas de CGI usan software inteligente, como Adobe After Effects, lo que les facilita enormemente la creación de las figuras y el control del movimiento. El equipo de animación se encarga de programar las secuencias de movimiento en el ordenador. Además, hoy en día, las transiciones entre movimientos las genera el propio software, de forma que ya no es necesario dibujar a mano los detalles uno a uno. De este modo se ahorra tiempo y dinero en la producción.

La tecnología CGI también permite combinar las animaciones generadas por ordenador con tomas con actores y actrices humanos. Así se logra, por ejemplo, introducir monstruos ficticios en escenarios reales con facilidad. También se pueden crear mediante CGI las escenas que costaría mucho esfuerzo y dinero rodar en el mundo físico, como las grandes batallas o explosiones que derrumban edificios enteros. Una de las ventajas de la tecnología CGI es que permite crear animaciones tridimensionales que parecen aún más reales.

Al igual que las animaciones vectoriales 2D, las animaciones CGI no se limitan al sector del cine, sino que se emplean en muchos otros ámbitos, como la ciencia, la industria, la arquitectura, la medicina o el marketing. 

5. Motion Graphics

Uno de los campos más novedosos del diseño gráfico es la técnica conocida como Motion Graphics, que consiste en la animación de diversos elementos de diseño, como textos, logos, diagramas o ilustraciones. Esta técnica se utiliza sobre todo en marketing, por ejemplo, en anuncios publicitarios, vídeos explicativos o en el diseño de sitios web. Una de las características distintivas de los motion graphics es que la narrativa pierde relevancia (al contrario que en una película). Lo más importante es dotar de movimiento a formas u objetos estáticos. La técnica de motion graphics se usa sobre todo cuando se busca que las letras del logo de una página web giren o que las gráficas de un diagrama suban y bajen.

Principios de la animación: conceptos básicos 

Rigging, tweening o morphing: cuando empiezas en el campo de la animación, es fácil que te sobrepasen los conceptos técnicos. Esperamos que la siguiente lista te sirva de guía:

• Rigging: técnica que consiste en crear el esqueleto de un personaje o un objeto en 2D o en 3D (que se denomina rig), que contiene todas las funciones importantes para el control de las secuencias de movimiento. En animación digital se suele emplear con los personajes que se van a mover.
• Fotogramas por segundo: la velocidad a la que se reproducen las imágenes individuales (fotogramas). Normalmente se indica en fotogramas por segundo (fps). Una velocidad de 24 fps indica que cada segundo de una animación contiene 24 imágenes o fotogramas. 
• Fotograma clave: una única imagen que define el inicio o el final de un movimiento. El equipo de animación determinará los fotogramas clave en función de los rigs. El software calcula todas las secuencias de movimiento entre el punto de partida y el punto final (los movimientos intermedios). 
• Tweening/Inbetweening: proceso en el que se crean las imágenes intermedias entre dos fotogramas clave para generar la ilusión de un movimiento fluido. En el caso de las animaciones CGI, es el software el que crea las imágenes.
• Método de acción directa: técnica de animación en la que el equipo dibuja no solo los fotogramas clave, sino todos los fotogramas individuales de una secuencia de movimiento. 
• Twinning: significa que ambas mitades de un cuerpo se mueven de forma totalmente simétrica. Queda poco natural y es algo que se suele evitar en la animación de personajes si se busca un resultado más similar a los humanos.
• Morphing: técnica de animación en la que una imagen se transforma en otra poco a poco. Su uso predomina en las películas de ciencia ficción, terror y fantasía. 
• Composición: Proceso mediante el que se añaden uno o más elementos y efectos a una escena durante la posproducción. 
• Storyboard: también llamado guion gráfico, es la visualización del concepto o del guion. Se utiliza para planificar las tomas individuales durante la producción. Un storyboard animado se conoce como animatic.
• Guion de colores: documento de trabajo en el que se establecen las combinaciones de colores y su relación con los aspectos emocionales de la historia y con puntos narrativos clave.
• Graduación del color: proceso mediante el que se ajustan los colores y los niveles de iluminación para crear atmósferas determinadas. La graduación del color también se usa para garantizar la uniformidad del color entre diferentes tomas. 
• Superposición: texto e imágenes que se colocan sobre una animación. Pueden ser títulos, subtítulos o marcas de agua.
• Rotoscopia: se trata de una técnica de animación más antigua, en la que los animadores se servían de secuencias de películas proyectadas sobre una placa de vidrio fotograma a fotograma. Hoy en día, este proceso se hace por ordenador (normalmente mediante programas basados en vectores), pero se sigue utilizando el nombre de toda la vida.

¿Qué programas de animación existen? 

¿Te han entrado ganas de poner en práctica tu creatividad? Tanto si te apetece probar con CGI como si quieres probar con la plastimación, si buscas insuflar vida a tus personajes, necesitarás el software adecuado. Adobe te ofrece varios programas que cubren todo tipo de estilos de animación. 

Adobe After Effects  

Cambiar el tiempo meteorológico en una escena a posteriori, hacer que las letras de un sitio web se muevan o animar ilustraciones: After Effects es la elección ideal para motion graphics, posproducción y efectos especiales. Este software te ayudará a eliminar los objetos que te estorben en tus vídeos en tan solo unos clics, o a añadir todo tipo de elementos dinámicos como la luz del sol o la niebla. También puedes enviar a After Effects los personajes o escenas que hayas creado con Character Animator para añadirles los efectos que quieras. 

Adobe Animate  

La versatilidad de las herramientas de ilustración y animación de Adobe Animate son perfectas para crear animaciones convincentes en 2D y 3D para sitios web, televisión y videojuegos. Puedes utilizar la característica de rigging para crear personajes realistas y la animación fotograma a fotograma para que parpadeen, guiñen el ojo o caminen.  

Incluso sin conocimientos previos, Animate te permitirá crear tus primeras animaciones rápidamente: el amplio catálogo de tutoriales te explica paso a paso los conceptos básicos y así tendrás más fácil producir tus primeras obras. Además, en el área de «Recursos» encontrarás una gran cantidad de fondos, personajes y elementos ya creados y disponibles de forma gratuita que podrás usar en tus animaciones para ahorrarte trabajo.  

Adobe Character Animator  

¿Quieres que tus figuras virtuales parezcan aún mucho más humanas? Adobe Character Animator te permite capturar movimientos del cuerpo, mímica y gestos en tiempo real mediante webcam y tecnología de captura del movimiento para añadirlos a tus avatares digitales. Para ello, solo tienes que efectuar los movimientos que quieres delante de la cámara y el personaje del programa los imitará automáticamente.  

Con Character Animator también puedes ponerle voz a tu avatar digital si te grabas con el micrófono. Gracias a la función de sincronización de labios los movimientos de la boca se transmitirán al personaje, para que la forma de hablar quede lo más auténtica posible.  

Adobe Premiere Pro y Adobe Photoshop.  

¿Lo tuyo es el stop motion? En ese caso, estás buscando Premiere Pro, el programa que te permitirá componer tus imágenes para crear tu película animada. La creación de nuevas secuencias, la edición y la animación van de la mano. Si también quieres añadir sonido y música a tu película de stop motion, Premiere Pro te ofrece todo lo que necesitas. Alternativamente, con Adobe Photoshop también podrás crear una animación stop motion a partir de una serie de imágenes en pocos pasos. 

¿Cómo se hace una animación?
 

Todas las animaciones se crean a partir de patrones similares. Que el trabajo se haga desde un estudio, como profesional independiente o como afición es lo de menos. Si eres principiante, lo fundamental es que te prepares exhaustivamente. Sigue siempre estos pasos:  

1. Traza un argumento: todas las animaciones deben contar una historia, da igual su duran diez segundos o dos horas. Piénsate bien el argumento antes de empezar a trabajar. Este paso es importante, porque tu trabajo será mucho más eficiente si tienes un concepto claro. 
   
   
2. Crea un guion: si ya has bosquejado la situación, puedes desarrollar un diálogo, es decir, un guion que recoja todos los puntos importantes de la historia de forma cronológica. Hacerlo te ayudará a detectar lagunas en el argumento. 
   
   
3. Elabora un storyboard: es imprescindible crear el storyboard, ya que te permitirá planificar el ritmo, las escenas más importantes y el aspecto de tu película. Para obtener un estilo uniforme, en este momento también puedes diseñar el arte conceptual. También es posible añadir las imágenes individuales de tu storyboard a un vídeo breve (denominado animatic) para tener una visualización animada del argumento. Así también te harás una primera impresión de cómo va a quedar tu trabajo y podrás comprobar si el ritmo y la composición están en armonía.  

Crear una animación: consejos para principiantes 

Una vez hayas terminado la fase de planificación, habrá llegado el momento de animar tus personajes y objetos. Si aún no tienes claro cómo hacerlo, busca primero un vídeo a modo de referencia para poder analizar los movimientos. Después podrás empezar a diseñar los rigs y los fotogramas clave con las fases centrales de las secuencias de movimiento en tu programa de software.

Un hilo conductor que te ayudará a desarrollar figuras individuales que sean lo más realistas posible son los 12 principios de la animación, definidos en 1981 por Ollie Johnston y Frank Thomas, dos animadores de Disney. Estos son los factores más importantes que debes tener en cuenta: 

• El volumen y el material influyen en el comportamiento de los objetos en función de las situaciones: Si, por ejemplo, se estira una bola de chicle en vertical, el ancho debe estrecharse en el plano horizontal.

• Si los personajes se tienen que mover siguiendo las leyes de la física, ten en cuenta que las partes del cuerpo no se mueven todas a la misma velocidad. Por ejemplo, si una persona se detiene con un movimiento brusco, es posible que los brazos aún oscilen un poco.  

• Lo normal es que los objetos vayan acelerando poco a poco al empezar a moverse y se ralenticen cuando vayan a parar. Para representar esto en la animación, es necesario crear más imágenes al principio y al final de una secuencia de acciones.

Al final del proceso de animación puedes añadir efectos especiales en la fase de posproducción, así como las correcciones necesarias para que los colores queden uniformes y consistentes. Por lo general, la edición del sonido también tendrá lugar durante esta última fase. Con la música, los efectos de sonido y los diálogos, habrás creado una animación completa. Encontrarás más consejos y sugerencias en nuestro artículo "La producción de vídeos animados".

Preguntas frecuentes 

¿Qué tipos de animación existen? 

La mayoría de las técnicas de animación se pueden clasificar en cinco categorías: En el caso de la animación tradicional (1), los fotogramas se dibujan uno a uno a mano sobre láminas especiales y después se filman. En el caso de la animación 2D (2), el equipo de animación crea imágenes vectoriales en movimiento mediante programas informáticos específicos. Si el software crea la mayor parte de las secuencias de movimiento, se habla de animaciones CGI (3). Otra posibilidad es la animación stop motion (4). En este caso, se toman fotografías de los objetos en posiciones distintas y luego se montan por orden. Por último, motion graphics (5) designa la animación de distintos elementos de diseño, como títulos o logos.

¿Los dibujos animados son lo mismo que la animación?

Los dibujos animados son una de las formas de animación que existen. Hasta la década de los 90, se empleaba la técnica de la animación tradicional o en celuloide, en la que hace falta secuenciar miles de imágenes dibujadas a mano. Dos ejemplos muy conocidos son Bambi y El libro de la selva. Hoy en día, las series y películas de dibujos animados se hacen con ayuda de las técnicas de CGI.  

¿Cómo se hace una animación? 

Una de las claves para crear una animación que llame la atención es disponer del software adecuado. Si lo que quieres es crear animaciones en 2D o en 3D para un banner publicitario o un videojuego, necesitas un programa como Adobe Animate. Por el contrario, si prefieres probar con la animación stop motion, puedes secuenciar las imágenes en Adobe Photoshop o Adobe Premiere Pro.