Guía de animación para principiantes: tipos, técnicas y tutoriales.

¿Qué es la animación?

En pocas palabras, la animación consiste en filmar una sucesión rápida de imágenes estáticas estrechamente interrelacionadas para crear la impresión de movimiento.
 

Se basa en una ilusión óptica que se denomina “persistencia retiniana”. Nuestra vista solamente retiene las imágenes durante una décima de segundo. Por eso, cuando aparecen a mayor velocidad, nuestro cerebro las fusiona entre sí.
 

Para crear este efecto, en la mayoría de las animaciones se utilizan entre 12 y 24 imágenes individuales por cada segundo de filmación. Antes de que las técnicas de CGI se convirtieran en la tecnología dominante, estas imágenes se solían pintar a mano o dibujar en hojas de celuloide (o cel).
 

Era una labor sumamente ardua y en las producciones de alto presupuesto se contrataba a equipos muy numerosos de animadores para llevarla a cabo. Por ejemplo, en El Rey León de 1994, se empleó a 600 personas entre animadores y técnicos.
 

En la actualidad, es más probable que los animadores utilicen técnicas de CGI. Si bien esto hace que el trabajo del proceso sea menos laborioso, sigue siendo una técnica altamente especializada.

¿Animación y dibujos animados son lo mismo?

Los dibujos animados son películas animadas, que a menudo utilizan un estilo visual exagerado y líneas argumentales extravagantes. Si bien se crean mediante técnicas de animación, su historia se diferencia claramente de la de otros estilos de animación. Su origen se remonta a las ilustraciones y las tiras cómicas de las revistas satíricas y los periódicos de los siglos XVIII y XIX.

H3: ¿Animación y animática son lo mismo?

Una animática es una secuencia de imágenes en borrador que se utiliza para ayudar a los animadores y directores a planificar las tomas, los tiempos y las escenas. En esencia, se trata de un guion gráfico animado que se utiliza con frecuencia en diversos contextos, desde dibujos animados hasta anuncios.

Para crear una animática, históricamente los animadores solían filmar dibujos individuales con una cámara. En la actualidad, es más probable usar programas como Adobe Illustrator o After Effects.
 

¿Animación y anime son lo mismo?

El anime es un estilo japonés de animación. Se trata de un medio sumamente diverso, aunque se caracteriza a menudo por argumentos muy imaginativos, un trabajo inconfundible con la cámara y escenarios de gran belleza. Puedes ver el estilo de anime clásico en series como Pokémon o en películas de Studio Ghibli como El viaje de Chihiro.
 

¿Cuáles son los tipos de animación?

La mayoría de las formas de animación se pueden clasificar en cinco subcategorías. Vamos a estudiarlas una a una.
 

Animación stop motion. 

Para crear la animación stop motion (o animación de fotogramas), los animadores manipulan objetos físicamente en incrementos minúsculos para crear la impresión de movimiento. Ejemplos de este estilo de bajo presupuesto tan inconfundible incluyen Pesadilla antes de Navidad de Tim Burton o los primeros trabajos de animación de recortes (o “cutout motion”) de Matt Stone y Trey Parker.

Animación 2D. 

Podemos ver figuras en 2D en movimiento en los zoótropos, uno de los primeros mecanismos de animación utilizados. Los zoótropos cautivaron al público victoriano con sus secuencias de imágenes que se veían dentro de un cilindro giratorio con ranuras a intervalos regulares. En la actualidad, la animación en 2D se asocia habitualmente a las imágenes vectoriales en movimiento que se crean con Adobe Animate (antes Adobe Flash). La animación flash fue la predominante en los dibujos animados y videojuegos online de mediados de la década de 2000.

Animación con CGI. 

Encontrarás la animación con CGI en todo tipo de materiales, desde tus videojuegos favoritos hasta el último éxito de Pixar. Al igual que la animación vectorial en 2D, los artistas de CGI dotan a sus personajes de un conjunto de movimientos clave utilizando una técnica que se parece más al arte del manejo de marionetas que a la animación tradicional.

Gráficos animados. 

Los gráficos animados hacen que cobren vida elementos como textos, logotipos y otros diseños estáticos. Están presentes en los anuncios televisivos, los vídeos explicativos o los logotipos animados.

Animación en celuloide.

Durante décadas, fue la forma de animación dominante. Los equipos de animación en celuloide creaban miles de dibujos individuales en hojas transparentes antes de aplicarlas sobre un fondo. Esta técnica es la fuerza impulsora de las películas clásicas de Disney, desde Bambi hasta La Sirenita. En la industria cinematográfica, ha quedado relegada desde la década de 1990. Sin embargo, son muchos quienes consideran que la época del celuloide fue una edad de oro de la animación.

Otras técnicas de animación.

• Animación en arcilla. Los artistas de animación en arcilla (polimérica) utilizan las técnicas de stop motion para capturar los movimientos de modelos de arcilla en miniatura. El resultado tiene el encanto de la baja fidelidad, pero ofrece un alto grado de complejidad. Uno de los animadores en arcilla más conocidos es Nick Park, creador de Wallace y Gromit.
  

• Folioscopios. Si quieres ver la esencia de la animación, echa un vistazo a un folioscopio. Se trata de libritos que contienen series de imágenes que, al pasar las páginas con rapidez, crean la impresión de movimiento.
  

• Transformación. La técnica de transformación (o “morphing”) gusta mucho a los creadores de ciencia ficción, terror y fantasía, y consiste en realizar la transición de una imagen a otra. Vivió su edad apogeo en los vídeos musicales y las películas de acción real de las décadas de 1980 y 1990.
  

• Ciclo de un personaje caminando. En un ciclo de un personaje caminando, se combinan varios movimientos individuales para crear la impresión de movimiento. A continuación, este ciclo se repite para no tener que animar cada paso de nuevo. Crear un ciclo básico de un personaje caminando compuesto por cuatro movimientos esenciales es relativamente sencillo. Sin embargo, para crear ciclos realistas se requiere prestar una atención minuciosa a los detalles.
   

• Sincronización labial de animaciones. Animar la boca para que coincida con las palabras que dice el personaje puede resultar complicado. No obstante, es fundamental para crear un personaje realista. En la actualidad, se utilizan la tecnología de IA para realizar la parte más pesada de esta labor.
   

• Sombreado plano. El sombreado plano se utiliza para que los gráficos de ordenador en 3D parezcan planos. Se puede utilizar para imitar la estética de los cómics o de la animación en celuloide. 
   

• Rotoscopia. En esta técnica, los animadores trazan las imágenes animadas por encima del metraje de una película de acción real, normalmente mediante un dispositivo con un panel de vidrio denominado rotoscopio. En la actualidad, este proceso es digital, pero el nombre se mantiene.
   

• Aceleración (CSS). La aceleración gradual ayuda a los animadores a crear transiciones realistas en el movimiento. Se trata de un arte sutil a la par que importante: cuando lanzamos una pelota o abrimos un cajón, casi nunca se hace a la misma velocidad. La aceleración gradual hace que estas acciones cotidianas parezcan más naturales.
   

• Manipulación. Esta técnica se utiliza con frecuencia en la animación en 3D y en 2D para crear personajes en movimiento. Los animadores crean un esqueleto (o “rig”) que consta de una representación de la superficie y un conjunto de piezas interconectadas, con una serie de movimientos clave.
  

• Enmascaramiento. El enmascaramiento se puede usar para cubrir y ocultar partes de una imagen contra un fondo y así crear la ilusión de que un objeto entra y sale de la escena.
   

• Animación mecánica. Los ingenieros a menudo crean representaciones en 3D de productos mecánicos complejos. Esto les permite demostrar cómo funcionan, desde el montaje hasta la reparación. 
   

• Tipografía. Los animadores de tipografía animan textos en películas, televisión y marketing. Este campo también puede abarcar el diseño de tipografías.
   

Historia de la animación.

Las imágenes en movimiento se utilizan para contar historias desde hace milenios. En la alegoría de la cueva de Platón se explora la conexión emocional del ser humano con el teatro de sombras ya en el año 380 AEC.

En el siglo XVII, las linternas mágicas presentaban al público figuras en movimiento sobre fondos estáticos. Dos siglos después, el zoótropo y el fenaquitoscopio creaban series de imágenes que cambiaban con rapidez para sugerir movimiento, seguramente por primera vez.
 

A principios del siglo XX, los cineastas utilizaban la tecnología de las cámaras para crear animaciones a partir de dibujos hechos a mano y con técnicas de stop motion. La película Fantasmagorie creada por Emile Cohl en 1908 es una de las obras más conocidas de aquella época. Seis años después, Earl Hurd creó la animación en celuloide, que sería la técnica dominante en las siete décadas siguientes.
 

Steamboat Willie de Walt Disney, la primera película del Ratón Mickey que se distribuyó, se estrenó en 1928. Fue el inicio de una edad de oro de la animación. En la década de 1930, aparecieron diversos personajes de Disney, como Goofy o el Pato Donald, así como creaciones de la Warner Bros para la serie Looney Tunes, como Bugs Bunny. Durante las tres décadas siguientes, Disney lanzó numerosos clásicos cinematográficos, desde Blancanieves y los Siete Enanitos hasta El Libro de la Selva.

En las décadas de 1960 y 1970, animadores, titiriteros y artistas de la animación stop motion contraculturales hicieron llegar sus técnicas no convencionales al público general. Las secuencias anárquicas de Terry Gilliam en la serie británica Monty Python’s Flying Circus difuminaron las líneas entre la animación de recortes y el collage. También en el Reino Unido, las creaciones de stop motion de Oliver Postgate como The Clangers cautivaron a los espectadores con un simpático mundo de criaturas semejantes a ratones que vivían en la Luna, hablaban en silbidos y se alimentaban exclusivamente de sopa.

La animación en celuloide siguió siendo la técnica predominante hasta la década de 1980. Fue entonces cuando películas de Studio Ghibli como Mi vecino Totoro accedieron al público occidental. Sin embargo, a finales de esa década, los avances en la tecnología informática llevaron a Disney a adoptar las técnicas digitales en producciones como Los Rescatadores en Cangurolandia.

Entretanto, los cortometrajes de Pixar realizados con CGI, como Luxo Jr., adquirían popularidad a la par que aumentaba el auge de los videojuegos en 3D en Japón. El primer largometraje de Pixar, Toy Story, se publicó en 1995 y fue un éxito rotundo tanto comercial como de crítica. Había comenzado la era de la tecnología CGI. 
 

¿Cómo puedo empezar a formarme como animador?

Hay muchos recursos y programas que te ayudarán a dar los primeros pasos para convertirte en animador. Aquí tienes algunas sugerencias para comenzar. 
 

Software de animación.

Ya seas un artista del CGI en ciernes o un purista de la animación en arcilla OG, necesitas un software sólido para empezar.
 

• Adobe Animate. La opción de elección para creaciones en 2D y 3D para la Web, la televisión o los videojuegos. Dar los primeros pasos es muy fácil con un garabato rápido. Antes de que te des cuenta, tu diseño será una obra maestra vivita y coleando que, además, podrá hablar. Aquí puedes aprender todos los trucos del oficio, desde la interpolación hasta la manipulación, pasando por la secuenciación.
  
• Adobe After Effects. Cuando estés listo para subir el listón, After Effects te ayudará a llevar tus creaciones al siguiente nivel, con efectos especiales, gráficos animados y composición. Aquí podrás crear la animación completa, desde los créditos de apertura hasta la posproducción.
  
• Adobe Premiere Pro. Si eres un artista del stop motion, Premiere Pro es el lugar al que importar las imágenes y unirlas entre sí. Podrás secuenciarlas, editarlas y animarlas, todo en el mismo lugar.
   
  

Tutoriales de animación.

Si quieres empezar con tareas de animación, contamos con varios recursos interesantes de nuestra comunidad creativa mundial para ayudarte.
 

• Convierte un boceto en una animación. Crea una forma vectorial en un dispositivo iPhone, iPad o Android y haz que cobre vida en una animación o animática. 
  
• Dibuja con la herramienta Pincel. Usa Pincel para dibujar personajes y objetos artísticos y atractivos. Experimenta con los ajustes preestablecidos, la pintura o técnicas como la función de capa sobre capa.
  
• Usa el asistente de acciones. Incorpora la interactividad a los elementos visuales aunque no sepas código. Utiliza los archivos de muestra para aprender los rudimentos antes de aplicar las técnicas a tu propio diseño. 
  
  

Animación profesional.

La animación es la profesión soñada para muchos de nosotros. Pero ¿cómo empezar a trabajar en ella? Estos sencillos pasos pueden situarte en el camino correcto hacia conseguir un puesto de trabajo en una empresa, trabajar como freelance o, sencillamente, adquirir las habilidades que necesitas para divertirte creando.

1. Dedica tiempo al oficio. Aunque tengas talento natural para la animación, tendrás que dedicar tiempo para perfeccionar tus habilidades. Recuerda leer sobre el tema, sobre todo teorías como los 12 principios de la animación. Inspírate en animadores, tanto conocidos como desconocidos, e indaga sobre temas que se alejen de tu campo específico. Por ejemplo, aprender sobre interpretación puede ayudarte a crear personajes más fluidos y realistas. 
   
   
2. Haz cursos. Muy pocos animadores consiguen ser completamente autodidactas. De hecho, según la Oficina de Estadísticas Laborales de Estados Unidos, para la mayoría de los puestos de animador se requiere haber obtenido un grado superior. Tanto si decides seguir por la vía universitaria como si no, es fundamental obtener algún tipo de educación para aprender las técnicas y las habilidades de software que se necesitan para la animación. 
   
   
3. Comienza a crear. Ahora que ya cuentas con un software, nuevas habilidades e inspiración de profesores, expertos y homólogos, ha llegado el momento de comenzar a crear. Usa Adobe Animate para crear personajes, secuencias y cortometrajes. 
   
   
4. Crea un portafolio. Un portafolio excelente es fundamental para demostrar tus habilidades como animador. Es tu oportunidad de hacer ver por qué tu trabajo es excepcional y de qué forma consigues que cobren vida las historias, los personajes y los objetos mejor que tus competidores. No dejes de fijarte en otros portafolios creativos online para hacer que el tuyo destaque. Adobe Express es un lugar fantástico en el que inspirarte que te permite arrastrar fácilmente tus archivos a una plantilla.
   
   
5. Consigue experiencia. Con el portafolio bajo el brazo, es el momento de darte a conocer. Puedes probar a solicitar trabajo en estudios de animación y diseño o, incluso, a ofrecerte a ayudar a animadores individuales como asistente.
    
   
6. Presenta solicitudes. Si estás cualificado, tienes experiencia y cuentas con un portafolio, deberías estar en una situación bastante buena para conseguir un puesto en una empresa o comenzar a trabajar como freelance. Crea solicitudes divertidas y creativas y ten paciencia. Los trabajos creativos son competitivos. Sin embargo, con la actitud y las habilidades adecuadas, lo conseguirás.
   
   

Proceso de animación.

Ya seas un animador de estudio, un creativo autónomo o, sencillamente, un animador aficionado, observarás que el proceso de crear una animación sigue pautas similares. Vamos a ver cuáles son.
 

• Historia. Todas las animaciones deben contar una historia, tanto si la película dura diez segundos como dos horas. Es importante desarrollar la historia, por sencilla que sea, antes de comenzar la producción. De este modo, el flujo de trabajo será más eficiente y tendrás claro el concepto. Además, hará que la animación resulte más atractiva.

• Guion y arte conceptual. A continuación, hay que llevar la historia al papel (o a la pantalla). Un guion te ayuda a detectar cualquier problema de la historia. El arte conceptual te ayuda a determinar un estilo visual coherente. 

• Guion gráfico y animática. Crear un guion gráfico (o “storyboard”) es esencial para planificar el ritmo, los giros y la estética de la película. Una vez creado el guion gráfico, llévalo al siguiente nivel con la animática. Es una forma excelente de hacerte una impresión aproximada de cómo será la historia.

• Realiza la animación. Ahora, da vida a tu personaje. Comienza con un vídeo de referencia para determinar con precisión los movimientos específicos que realizará la figura. A continuación, crea los fotogramas clave en el software de diseño para representar los elementos esenciales del movimiento. Crear los movimientos intermedios (e interconectarlos mediante el software) te ayudará a que sean más fluidos. A continuación, aporta vida, detalles e imperfecciones al personaje para que sea realista. Toma nota de los 12 principios esenciales de la animación para que tu creación dé la sensación de ser real y tener personalidad.

• Posproducción. Esta fase es fundamental para desarrollar animaciones. Tienes que sincronizar los efectos especiales y la magia de la iluminación que la película necesita para saltar de la pantalla. También necesitas procesar los diseños para captar los datos y las imágenes fijas de la película. También es fundamental corregir y degradar los colores de forma que coincidan en todas las tomas hasta la última. 

• Música. Por último, llegó la hora de añadir la banda sonora. Incorpora música, efectos de sonido y diálogos para completar la animación. 
   

Animación 101: ¿qué significan los términos básicos?

• Animación en 2D. Estilo bidimensional que se utilizaba antes de la era del CGI. Ejemplos de ello son los zoótropos, la animación en celuloide y el arte vectorial. 
  

• Animación en 3D. Animaciones creadas a base de polígonos en el software informático. Las películas de Pixar son un excelente ejemplo. También se puede utilizar la técnica de stop motion para crear animación en 3D.

• Animación stop motion. Usando figuras de arcilla (polimérica), marionetas o cualquier objeto que decidan, los animadores de stop motion graban los movimientos incrementales en este género tan laborioso como apreciado.

• Velocidad de fotogramas. Velocidad a la que aparecen las imágenes, que suele expresarse en fotogramas por segundo. Los animadores suelen usar 12 o 24 fotogramas por segundo.  

• Fotogramas o poses clave. Puntos inicial y final de un movimiento en un fotograma. En la animación en 3D, se crean como parte del esqueleto, o “rig”, de un personaje. 

• Intermediaciones. Movimientos incrementales entre dos fotogramas clave para crear una transición fluida. En ocasiones, se interpolan mediante software.

• Miniaturas. Se utilizan para bosquejar las ideas en borrador de una escena o un personaje, o como marcadores de posición en la imagen definitiva. Los animadores las suelen utilizar para obtener el visto bueno o los comentarios de sus superiores o de los creadores.

• Cadencia. En la animación, cada acción se planifica hasta el mínimo detalle. La cadencia se refiere al tiempo que dura un movimiento desde que comienza hasta que termina.

• Espaciado. Espacios entre fotogramas, diseñados para crear un movimiento uniforme. Es fundamental para lograr un resultado realista.

• Aceleración. Al igual que el espaciado, la aceleración se utiliza para que los movimientos parezcan reales. En este caso, se refiere a la velocidad y al ritmo del movimiento. 

• Composición. Consiste en colocar los diversos elementos de la escena para crear un todo cohesionado.

• Guion gráfico. Consiste en planificar qué aspecto tendrá cada toma antes de la producción. Cuando es animado, el guion gráfico se denomina animática. 

• Manchas de tinta. Este estilo de animación sencillo ayudó a los primeros animadores a producir imágenes con rapidez. También se denomina “animación de tubo de goma”, porque muchos personajes parecían estar hechos de tubos de goma. Fíjate en el Ratón Mickey en Steamboat Willie.

• Guion de color. Documento de trabajo que se utiliza para determinar las combinaciones de colores y su relación con los climas y momentos emocionales de una historia.

• Gradación de color. Garantiza la coherencia del color entre una toma y la siguiente. 

• Simetría. Se refiere a cuando dos partes de un personaje, normalmente en lados opuestos del cuerpo, se mueven igual. Se considera antinatural.

• Interpolación. Imágenes que aparecen entre los fotogramas clave para que el movimiento parezca fluido y natural.

• Animática. Guion gráfico animado que se utiliza para planificar las tomas y hacerse a la idea de cómo quedar el trabajo terminado antes de iniciar la producción.

• Superposición. Texto e imágenes que se superponen a una animación para añadir detalles. Pueden incluir títulos, subtítulos o marcas de agua.