Guide du débutant sur l’animation : types d’animation, techniques et tutoriels

De Blanche Neige à South Park en passant par Monstres et Cie et Minecraft, l’animation enflamme l’imagination. Nous avons tous en tête un film d’animation que nous n’oublierons jamais. Les jeux vidéo se sont amplement démocratisés. Les sitcoms comme Les Simpsons ont autant de succès que les séries en prises de vue réelles. 
 

Mais l’animation n’appartient pas qu’au monde du divertissement. Aujourd’hui, on trouve aussi bien des animateurs dans les équipes marketing que dans les studios hollywoodiens. Pendant la pandémie de Covid-19, nous pouvions voir tous les jours aux informations des animations du virus en images de synthèse. Selon Bloomberg, le marché mondial de l’animation devrait atteindre 640 milliards de dollars d’ici 2030.
 

En quoi consiste le métier d’animateur ? Comment a évolué l’animation ? Et surtout, qu’est-ce que l’animation ? 

Cet article vous propose de plonger, telle Ariel, dans le monde de l’animation.

Personnes esquissant des personnages animés sur du papier.

Qu’est-ce que l’animation ?

En quelques mots, l’animation consiste à filmer une succession rapide d’images statiques étroitement liées pour créer une impression de mouvement.
 

Elle est basée sur une illusion d’optique : la persistance rétinienne. Nos yeux ne retiennent les images que pendant un dixième de seconde, donc lorsqu’elles s’affichent plus rapidement, notre cerveau les fusionne.
 

Pour créer cet effet, la plupart des animations capturent 12 à 24 images par seconde de film. Avant l’apparition des techniques d’image de synthèse, ces images étaient souvent peintes à la main ou dessinées sur des feuilles de celluloïd (cell).
 

Il s’agissait d’un travail minutieux, pour lequel les productions à gros budget formaient de gigantesques équipes d’animation. Ainsi, Le Roi Lion réalisé en 1994 a nécessité le recrutement de 600 animateurs et techniciens.
 

Aujourd’hui, les animateurs ont plutôt recours aux techniques d’images de synthèse, qui simplifient une partie du travail, mais nécessitent des compétences avancées.

Vidéo d’animation présentant un dragon à différentes étapes de son vol.

L’animation est-elle comparable aux dessins animés ?

Les dessins animés sont des films d’animation souvent caractérisés par un style visuel exagéré et des intrigues loufoques. Ils sont réalisés à l’aide de techniques d’animation mais ont une histoire distincte des autres styles d’animation. Ils remontent aux illustrations satiriques des magazines/journaux et aux bandes dessinées des 18e et 19e siècles.

H3 : L’animation est-elle comparable à l’animatique ?

Les animatiques sont des séquences d’images brutes utilisées par les animateurs et les réalisateurs pour planifier les prises de vue, la chronologie et les scènes. Il s’agit en quelque sorte d’un storyboard animé, couramment utilisé dans les dessins animés, les publicités ou autres.

Pour réaliser une animatique, les animateurs filmaient auparavant des dessins individuels avec une caméra. Aujourd’hui, ils utilisent plutôt des programmes comme Adobe Illustrator ou After Effects.

L’animation est-elle comparable aux animes ?

L’anime est un style d’animation japonais. Ce média très diversifié se caractérise par des intrigues imaginatives, des cadrages innovants et des décors magnifiques. Le style caractéristique des animes est visible dans des séries comme Pokémon, ou les films du studio Ghibli, comme Le voyage de Chihiro.

Quels sont les types d’animation ?

La plupart des formes d’animation se répartissent en cinq sous-catégories présentées ci-dessous.
 

Animation image par image 

Pour créer une animation image par image, les animateurs manipulent physiquement des objets par petits incréments pour créer l’impression du mouvement. Ce style très distinctif à petit budget a notamment été utilisé par Tim Burton pour L’étrange Noël de monsieur Jack, ou par Matt Stone et Trey Parker dans leur première animation à base de papier découpé.

Animation 2D 

Les premiers personnages 2D animés étaient visibles sur des zootropes, l’un des premiers dispositifs d’animation. Les spectateurs de l’époque victorienne étaient fascinés par les images qui défilaient l’une après l’autre au sein de ce cylindre rotatif à lamelles. Aujourd’hui, l’animation 2D est couramment associée à l’animation d’images vectorielles créées dans Adobe Animate (anciennement Adobe Flash). L’animation Flash était un pilier des dessins animés et des jeux en ligne du milieu des années 2000.

Séquence d’animation 2D d’un zombie de dessin animé qui marche et chute.

Animation en images de synthèse 

L’animation en images de synthèse est utilisée partout, des jeux vidéo à succès au dernier film Pixar. Comme dans l’animation vectorielle en 2D, les créateurs d’images de synthèse « articulent » leurs personnages à l’aide de différents mouvements clés, selon une technique qui s’approche plus de la manipulation de marionnettes que de l’animation traditionnelle.

Animation graphique 

L’animation graphique consiste à animer du texte, des logos et d’autres designs statiques. Ce type d’animation est utilisé dans les publicités télévisées, les vidéos explicatives et les logos animés.

Marque de crème.

Animation cellulo

La forme dominante de l’animation pendant des décennies. Les équipes d’animation cellulo créaient des milliers de dessins sur des celluloïds transparents avant de les appliquer sur un fond. Cette technique a été la force motrice des grands classiques de Disney comme Bambi et La Petite Sirène. Bien qu’elle soit tombée en désuétude depuis les années 1990, l’époque de l’animation cellulo est considérée par beaucoup comme un âge d’or.

Autres techniques d’animation

  • Animation en pâte à modeler. Les créateurs d’animations en pâte à modeler utilisent des techniques image par image pour capturer les mouvements de leurs modèles miniatures. Cette création « artisanale » au style charmant nécessite un travail très complexe. Nick Park est l’un des créateurs d’animations en pâte à modeler les plus connus avec son travail sur Wallace et Gromit.
     

  • Flipbook. Le flipbook est l’essence même de l’animation. Il s’agit d’un carnet contenant une série d’images que l’on fait défiler une page après l’autre pour créer progressivement l’impression d’une image en mouvement. 
     

  • Morphing. Particulièrement apprécié des créateurs de films fantastiques, de science-fiction et d’horreur, le morphing transforme progressivement une image en une autre. Le morphing a connu son apogée dans les clips vidéo et les films d’action des années 1980 et 1990.
     

  • Cycle de marche. Un cycle de marche relie un ensemble de mouvements individuels pour créer l’impression d’un mouvement de marche. Ce cycle est ensuite répété pour éviter d’avoir à animer à nouveau chaque pas. La création d’un cycle de marche composé de quatre mouvements clés est relativement simple, mais nécessite d’être attentif aux détails pour y insuffler du réalisme.
     

  • Synchronisation des lèvres dans une animation. Animer une bouche pour la synchroniser sur les paroles prononcées n’est pas une tâche aisée, mais néanmoins indispensable pour créer un personnage réaliste. Aujourd’hui, la technologie d’IA prend en charge la plus grande partie du travail.
     

  • Ombrage de celluloïd. L’ombrage de celluloïd est utilisé pour aplatir les images 3D créées sur ordinateur. Il permet par exemple d’imiter l’esthétique des bandes dessinées ou de l’animation cellulo
     

  • Rotoscopie. Avec cette technique, les animateurs vectorisent des images animées sur une séquence de film, généralement en utilisant un rotoscope, dispositif équipé d’une vitre en verre. Aujourd’hui, le processus est devenu numérique, mais le nom est resté.
     

  • Accélération (CSS). L’accélération permet aux animateurs de créer des transitions réalistes dans l’animation. C’est un art subtil mais important. Lorsque vous lancez une balle ou ouvrez un tiroir, les deux actions ne se déroulent pas à la même vitesse. L’accélération leur donne un aspect plus naturel.

  • Squelettage. Cette technique est largement utilisée dans l’animation 3D et 2D pour créer des personnages animés. Les animateurs créent un squelette composé d’une représentation de surface et d’un ensemble d’éléments interconnectés, intégrant un ensemble de mouvements clés.
     

  • Masquage. Vous pouvez utiliser le masquage pour couvrir et cacher des parties d’une image sur un fond, créant ainsi l’illusion d’un objet qui se déplace dans et hors de son cadre.
     

  • Animation mécanique. Les ingénieurs créent souvent des rendus 3D de dispositifs mécaniques complexes. Ils montrent ainsi comment leurs produits fonctionnent, de l’assemblage à la réparation. 
     

  • Typographie. Les animateurs de typographie animent le texte d’un film, d’un programme télévisé ou d’un support marketing. La typographie peut aussi être utilisée pour la création de polices de couverture.
     

Histoire de l’animation

Les images animées sont utilisées pour raconter des histoires depuis des millénaires. Dès 380 avant Jésus-Christ, l’allégorie de la caverne de Platon utilisait des jeux d’ombres pour explorer les liens émotionnels des humains.

Image d’un ancien projecteur de film dans une salle obscure.

Au 17e siècle, les projecteurs à lanterne magique présentaient au public des personnages animés sur des fonds statiques. Deux siècles plus tard, le zootrope et le phénakistiscope créaient une série d’image se succédant rapidement pour donner l’illusion du mouvement, sans doute pour la première fois.
 

Au début du 20e siècle, les réalisateurs profitent de la technologie de la caméra pour créer des animations à partir de dessins faits à la main et de techniques d’image par image. Fantasmagorie d’Emile Cohl, réalisé en 1908, est l’une des œuvres les plus connues de l’époque. Six ans plus tard, Earl Hurd a créé l’animation cellulo, la technique d’animation dominante des sept décennies suivantes.
 

Steamboat Willie de Walt Disney, dans lequel Mickey Mouse fait sa première apparition, est sorti en 1928. Ce fut le début de l’âge d’or de l’animation. Les personnages de Disney, comme Dingo et Donald Duck, sont nés dans les années 1930, de même que les créations Looney Tunes de Warner Bros, comme Bugs Bunny. Au cours des trois décennies suivantes, Disney a créé des classiques du cinéma, de Blanche Neige et les Sept Nains au Livre de la jungle.

Dans les années 1960 et 1970, des animateurs, marionnettistes et créateurs d’animations image par image issus de la contre-culture ont fait découvrir au grand public des techniques non traditionnelles. Les séquences anarchiques de la série Monty Python’s Flying Circus réalisée par Terry Gilliam ont estompé la frontière entre papiers découpés et collage. Ailleurs au Royaume-Uni, les créations image par image d’Oliver Postgate comme The Clangers ont charmé les spectateurs avec un monde imaginaire de créatures semblables à des souris vivant sur la lune, parlant dans une langue sifflée et se nourrissant uniquement de soupe.
 

L’animation cellulo est restée prédominante jusque dans les années 1980. À cette époque, les films du studio Ghibli comme Mon voisin Totoro ont commencé à percer auprès du public occidental. Mais à la fin de la décennie, les progrès de la technologie informatique ont conduit Disney à adopter des techniques digitales dans des productions comme Bernard et Bianca au pays des kangourous. 
 

Pendant ce temps, les court-métrages de Pixar réalisés en images de synthèse, comme Luxo Jr., ont gagné en popularité, de même que les jeux vidéo 3D au Japon. Le premier long métrage de Pixar réalisé en 1995, Toy Story, a été salué par la critique et le public. L’ère des images de synthèse avait commencé. 
 

Comment se lancer en tant qu’animateur ?

Homme assis à son bureau dessinant sur une tablette graphique.

Les ressources et les programmes ne manquent pas pour vous aider à faire vos premiers pas en tant qu’animateur. Voici quelques conseils pour démarrer. 
 

Applications d’animation

Que vous soyez un créateur débutant en images de synthèse ou un puriste de l’animation en pâte à modeler, vous avez besoin d’une application robuste pour commencer.
 

  • Adobe Animate. Le choix idéal pour vos créations web et télévisées, et vos jeux vidéo en 2D et 3D. Vous dessinez rapidement une esquisse et vous la transformez en un éclair en un chef-d’œuvre qui cligne des yeux, respire et parle. Cette application vous permet de découvrir toutes les ficelles du métier, de l’interpolation au squelettage en passant par le séquençage. 
  • Adobe After Effects. Prêt à passer à la vitesse supérieure ? After Effects repousse les limites de vos créations grâce aux effets spéciaux, aux animations graphiques et à la composition. Vous pouvez y créer l’ensemble de votre animation, du générique à la post-production.
  • Adobe Premiere Pro. Vous êtes un créateur d’animations image par image ? Premiere Pro est l’application idéale pour importer vos images et les assembler. Séquencez, montez et animez dans une seule application.
     

Tutoriels d’animation

Prêt à vous lancer dans les tâches d’animation ? Nous mettons à votre disposition différentes ressources fournies par notre communauté mondiale de créatifs.
 

  • Transformation d’une esquisse en animation. Créez une forme vectorielle sur votre iPhone, votre iPad ou votre appareil Android, et donnez-lui vie dans une animation ou une animatique. 
  • Dessin avec l’outil Pinceau. Utilisez l’outil Pinceau pour dessiner de sympathiques objets et personnages artistiques. Testez les divers paramètres prédéfinis, peintures et techniques, comme la fonction Pelure d’oignon.
  • Utilisation de l’assistant Actions. Ajoutez de l’interactivité à vos visuels sans avoir à apprendre le codage. Utilisez des fichiers d’exemple pour apprendre les ficelles du métier avant d’appliquer vos techniques à vos propres créations. 

Carrière dans l’animation

Deux hommes et une femme à un bureau, en train de discuter des supports de création

Le métier d’animateur en fait rêver plus d’un. Mais par où commencer ? Ces étapes simples peuvent vous mettre sur la bonne voie pour décrocher un poste, vous installer à votre compte ou, tout simplement, acquérir les compétences nécessaires pour vous amuser.
 

  1. Consacrez du temps à votre formation. Vous avez peut-être un don naturel pour l’animation, mais vous devez prendre le temps d’affiner vos compétences. N’oubliez pas de vous documenter sur votre sujet, notamment sur des théories comme les 12 principes de l’animation. Inspirez-vous d’animateurs connus ou moins connus, et approfondissez des sujets sortant de votre domaine de compétences. Comprendre le jeu d’acteurs, par exemple, vous aidera à créer un personnage plus fluide et réaliste. 

  2. Prenez des cours. Très peu d’animateurs sont entièrement autodidactes. En fait, d’après l’US Bureau of Labor Statistics, la plupart des postes d’animateur exigent d’être diplômé d’une licence. Que vous choisissiez ou non de suivre la voie universitaire, vous devez être un minimum formé pour maîtriser les techniques et les compétences logicielles nécessaires à l’animation. 

  3. Lancez-vous dans la création. Fort de votre application, de vos nouvelles compétences et de l’inspiration trouvée auprès des enseignants, des experts et de vos pairs, lancez-vous dans la création. Utilisez Adobe Animate pour commencer à créer des personnages, des séquences et des court-métrages. 

  4. Créez un portfolio. Pour mettre en avant vos compétences d’animateur, rien ne vaut un excellent portfolio. Il vous permet de montrer ce qui vous démarque et comment vous animez des histoires, des personnages et des objets mieux que quiconque. N’oubliez pas de vous inspirer d’autres portfolios créatifs en ligne pour savoir comment faire mouche. Adobe Express est une excellente application pour trouver l’inspiration et faire facilement glisser vos fichiers dans un template.

  5. Acquérez de l’expérience. Votre portfolio en poche, le moment est venu de vous faire connaître. Vous pouvez essayer d’approcher des studios d’animation et de création, ou même de contacter des animateurs pour proposer vos services d’assistant.
     
  6. Postulez. Vous avez les qualifications, l’expérience et le portfolio ? Vous êtes bien parti pour décrocher un poste dans une entreprise ou devenir freelance. Créez des animations créatives et divertissantes et soyez patient. La concurrence est rude au sein du marché de la création, mais avec l’état d’esprit et les compétences adéquats, vous y arriverez.

Processus d’animation

Plan rapproché d’une personne dessinant une esquisse de storyboard avec un stylo

Que vous réalisiez des animations en tant que salarié, à votre compte ou simplement en tant qu’amateur, la création d’une animation suit le même processus. Découvrons-le en détail.
 

  • Histoire. Chaque animation doit raconter une histoire, que votre film dure dix secondes ou deux heures. Vous devez toujours élaborer une histoire, même simple, avant de commencer la production. Votre workflow sera ainsi plus efficace et votre concept plus clair. Par ailleurs, votre animation n’en sera que plus attrayante.

  • Script et concept art. Ensuite, donnez corps à votre histoire sur votre page (ou votre écran). Un script vous permet de repérer tous les problèmes éventuels dans votre récit. Le concept art vous aide à définir un style visuel cohérent.

  • Storyboard et animatique. La création d’un storyboard est essentielle pour planifier le rythme et le style de votre film. Une fois le storyboard créé, vous pouvez aller plus loin avec l’animatique. C’est un excellent moyen d’avoir très tôt un premier aperçu du rendu de votre histoire.

  • Animation. Le moment est venu de donner vie à vos personnages. Commencez par une vidéo de référence pour définir les mouvements spécifiques de votre personnage. Ensuite, créez des images clés dans votre application pour représenter les mouvements essentiels. La création d’animations intermédiaires (et leur fractionnement avec votre application) rend ces mouvements plus fluides. Ajoutez ensuite de la vie, des détails et des imperfections pour rendre votre personnage réaliste. Prenez note des 12 principes fondamentaux de l’animation pour donner plus de réalisme et de personnalité à votre création.

  • Post-production. Cette phase est essentielle au développement de l’animation. Vous devez créer les effets spéciaux et de lumière qui feront jaillir le film de l’écran. Vous devez également effectuer le rendu de vos créations pour capturer les données et les images de votre film. La correction et l’étalonnage des couleurs sont également essentiels pour assurer la cohérence de chaque plan avec le précédent.

  • Musique. Enfin, intégrez votre bande-son. Ajoutez de la musique, des effets sonores et des dialogues pour compléter votre animation. 
     

Introduction à l’animation : terminologie

  • Animation 2D. L’animation 2D a précédé l’ère de l’animation en images de synthèse. C’était l’époque des zootropes, des animations cellulo et des dessins vectoriels
  • Animation 3D. Animations créées par ordinateur avec des polygones. Les films Pixar en sont de très bons exemples. Vous pouvez également réaliser des animations image par image en 3D.

  • Animation image par image. En utilisant des personnages en pâte à modeler, des marionnettes ou n’importe quel objet de leur choix, les animateurs image par image filment avec minutie des mouvements incrémentiels pour produire ce style charmant.

  • Cadence. Vitesse à laquelle les images sont affichées, généralement exprimée par seconde. Les animateurs optent généralement pour 12 à 24 images par seconde.

  • Image clé et pose clé. Le point de début et de fin d’un mouvement dans une image. En animation 3D, elles sont créées dans le cadre d’un squelette de personnage. 

  • Intervalles. Les mouvements incrémentiels entre deux images clés qui créent une transition fluide. Ils sont parfois interpolés à l’aide d’une application.

  • Vignettes. Elles sont utilisées pour réaliser une esquisse de scène ou de personnage, ou comme espace réservé dans une image finale. Les animateurs les utilisent souvent pour obtenir l’approbation ou les commentaires d’experts ou de créateurs.

  • Timing. Chaque action de l’animation est planifiée jusqu’au moindre détail. Le timing fait référence à la durée d’un mouvement du début à la fin.

  • Espacement. Les espaces entre les images conçus pour créer un mouvement homogène. Essentiels pour le réalisme.

  • Accélération. Comme l’espacement, l’accélération a pour but de rendre les mouvements plus réels. Dans ce cas, l’accélération désigne la vitesse et le rythme d’un mouvement.

  • Composition. Placement des éléments disparates d’une scène dans un ensemble cohérent.

  • Storyboard. Planification de l’apparence de chaque plan avant la production. Lorsqu’il est animé, le storyboard est appelé une animatique.

  • Inkblot. Ce style d’animation simple permettait aux premiers dessinateurs de produire à un rythme soutenu. Il est également connu sous le nom d’animation rubber hose, car de nombreux personnages donnaient l’impression d’avoir des tuyaux en caoutchouc en guise de membres. Voir Mickey Mouse dans Steamboat Willie.

  • Script couleur. Document de travail utilisé pour établir des combinaisons de couleur et leurs relations avec les thèmes émotionnels et les points de contact d’une histoire.

  • Étalonnage des couleurs. Garantie de l’homogénéité des couleurs d’un plan à l’autre.

  • Jumelage. Lorsque deux parties d’un personnage, généralement situées sur des côtés opposés du corps, bougent de façon similaire. Ce mouvement est considéré comme peu naturel.

  • Interpolation. Les images intégrées entre les images clés pour rendre le mouvement fluide et naturel.

  • Animatique. Un storyboard animé utilisé pour planifier les plans et avoir une idée du résultat final avant le début de la production.

  • Incrustation. Texte et images superposés sur une animation pour ajouter des détails. Il peut s’agir de titres, de sous-titres ou de filigranes.

Deux ordinateurs portables sur un bureau exécutant une application de retouche des couleurs.

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