Tipos de planos y ángulos de cámara en el cine

Primerísimo primer plano

Un primerísimo primer plano se centra en un detalle específico (por ejemplo, los ojos o labios de un personaje o un objeto importante) para acentuar el dramatismo y hacer que el público se fije en un momento relevante de la historia. Al centrarse en un elemento pequeño dentro del encuadre, este tipo de plano intensifica la conexión del público con el sujeto y suele revelar sentimientos y emociones que el diálogo por sí solo no siempre puede transmitir.

Por ejemplo, en una escena donde un personaje ha sido herido por otro y una lágrima le cae por el rostro puede decir mucho sobre cómo fue la interacción.

Primer plano

Los primeros planos, sobre todo los más cerrados, suelen emplear distancias focales más largas (de entre 85 y 135 mm) para condensar los rasgos faciales y difuminar el fondo. Para que la profundidad de campo sea menor, puede usarse una apertura mayor (entre f/1,8 y f/2,8).

Un primer plano puede revelar emociones a través de expresiones faciales sutiles, lenguaje corporal o un objeto importante. Minimiza las distracciones al llenar el encuadre con un solo elemento.

Plano medio corto

Un plano medio corto encuadra al sujeto desde los hombros o el pecho hacia arriba para capturar tanto las expresiones faciales como parte del lenguaje corporal. Este plano se utiliza comúnmente en escenas con emociones intensas, ya que ayuda al público a conectar con los sentimientos del personaje.

Por ejemplo, podría incluir acciones como un puño cerrado junto con una lágrima que resbala por el rostro del personaje. Al mantener parte del torso en el encuadre, un plano medio corto permite mostrar las emociones del personaje y el contexto situacional.

Plano medio

Los planos medios suelen emplear distancias focales estándar (de entre 35 y 50 mm) para que la perspectiva sea natural. La iluminación suele equilibrar el sujeto y el fondo.

Este plano se utiliza frecuentemente en escenas con diálogos o interacciones grupales, ya que proporciona espacio suficiente para mostrar varios personajes, así como sus acciones y su lenguaje corporal. Los planos medios son excelentes para una cobertura equilibrada, ya que mantienen el contexto visual sin renunciar a la transparencia emocional.

Plano americano

En la década de 1930, los equipos de cineastas estadounidenses empezaron a usar un estilo de plano cinematográfico conocido como plano americano, que mostraba a los vaqueros desde el sombrero hasta por encima de las rodillas para que viéramos el cinto donde llevaban las pistolas. En las películas actuales se utiliza el plano americano para mostrar el lenguaje corporal de un personaje y un poco de fondo a la vez que se capturan las expresiones faciales. En Wonder Woman, por ejemplo, se usa un plano americano cuando Diana está cruzando el campo de batalla desviando las balas y sonriendo ante la sensación de poder.

Planos medios largos

Un plano medio largo encuadra al sujeto de rodillas para arriba para incluir tanto detalles como información sobre el espacio. Proporciona suficiente distancia como para mostrar acciones y lenguaje corporal, al tiempo que permite al público conectar emocionalmente con el personaje.

Este plano es un elemento básico de las películas del Oeste, donde se utiliza para mostrar figuras solitarias en amplios paisajes y crear así un contraste interesante entre el personaje y su entorno. También se emplea con frecuencia en conversaciones que se desarrollan de pie o para captar los movimientos de los personajes, lo que lo convierte en una excelente opción para escenas que requieren tanto acción como diálogo.

Plano largo

El ángulo de cámara en plano largo encuadra a todo el sujeto, generalmente de pies a cabeza, mostrando también una gran porción del entorno circundante. Este encuadre amplio se suele utilizar para enfatizar la distancia, la escala o el aislamiento al situar a los personajes en el contexto de su entorno.

El ángulo de cámara en plano largo se emplea para establecer el escenario, representar la relación de un personaje con el entorno o hacer hincapié en la inmensidad (o el vacío) de una escena.

Plano entero

Un plano entero encuadra todo el cuerpo de un sujeto de pies a cabeza mientras deja espacio en el encuadre para incluir elementos del fondo. Este plano crea un equilibrio visual entre un personaje y su alrededor, lo que lo convierte en una excelente opción para mostrar el movimiento, el lenguaje corporal y el entorno al mismo tiempo.

El plano entero se suele emplear cuando es importante que se vea a un personaje al completo en una escena. Por ejemplo, esto permitiría mostrar a un profesor delante de una pizarra en un aula, caminando de un lado para otro mientras espera para dar comienzo al primer día de clase.

Plano general

Los planos generales suelen emplear una distancia focal más amplia (de entre 16 y 35 mm) para capturar escenas de mayor tamaño. Para que la profundidad de campo sea mayor, pueden requerir números f más elevados (entre f/8 y f/11). Estos planos suelen emplearse para establecer el escenario y la escala o para hacer hincapié en la relación de un personaje con el entorno.

Los planos maestros, conjuntos y americanos, entre otros, a menudo se consideran planos generales.

Plano sobre el hombro

Los planos sobre el hombro son contraplanos que usan distancias que oscilan desde la de un objetivo estándar hasta la de un teleobjetivo con poca longitud (entre 50 y 85 mm). La iluminación debe equilibrar a ambos sujetos y mantener la profundidad. Estos planos refuerzan el flujo de la conversación al reflejar cómo experimentamos el diálogo en la vida real y situar al público en el lugar de cada una de las personas que intervienen para que pueda seguir fácilmente la conversación.

Este plano puede transmitir distancia emocional al controlar con sutileza lo cerca o lejos que se siente el público de cada personaje. Si se le coloca detrás de uno de ellos, se puede crear una perspectiva más sesgada al solo centrarse en el punto de vista de ese personaje. Esto puede mostrar cambios en la dinámica de poder, acentuar la tensión o mostrar emociones tácitas dependiendo de cómo se edite y componga el plano.

Plano conjunto (dos personas)

Un plano que muestra dos sujetos se conoce como plano conjunto. Al capturar la interacción entre los personajes, la distancia que los separa y su lenguaje corporal, un plano conjunto puede darle mucha información al público sobre la relación que hay entre ellos. “Nosotros solemos usar un plano conjunto para la mayor parte de la escena y luego un primer plano o un plano detalle para una frase clave o un detalle importante”, comenta Ruckus Skye.

Plano conjunto (tres personas)

Este tipo de plano incluye a tres personajes en el mismo encuadre, generalmente dispuestos de manera que se enfaticen sus interacciones y relaciones. Se utiliza a menudo para establecer dinámicas como unidad, desequilibrio o conflicto dentro del grupo.

Cuando existe una distancia uniforme o poca distancia entre los personajes, este plano podría dar a entender que están del mismo lado o comparten valores. Por otro lado, si un personaje está separado de un grupo o a otra altura, el plano puede resaltar la tensión o el conflicto dentro del grupo.

Plano normal

El plano normal es el ángulo de la vida cotidiana. Este ángulo de la cámara no transmite valoraciones morales ni tiene el mismo efecto narrativo que grabar a un sujeto desde arriba o desde abajo, por lo que muchas personas en el mundo del cine tratan de no usarlo. “No hay perspectiva”, opina Lane Skye. “Cuando grabas a un personaje desde arriba, parece más pequeño”, añade Ruckus Skye. “Tal vez no se sienta tan seguro ni poderoso. Si miras a cualquier superhéroe, siempre lo haces desde abajo. Es un cliché, pero puedes aplicarlo a menor escala para que parezca más sutil”.

El plano normal se considera un plano neutral, ya que la cámara se sitúa a la altura de los ojos del sujeto para simular cómo vemos a otras personas en la vida real. Este ángulo no hace énfasis en las dinámicas de poder ni la distancia emocional, por lo que es el más adecuado para transmitir realismo y objetividad.

Al utilizar un objetivo de distancia focal media (generalmente entre 35 y 50 mm en una cámara de formato completo), la perspectiva se mantiene fiel a cómo las personas perciben el mundo.

Plano picado

En un plano picado, la cámara se coloca encima de los personajes y los enfoca desde arriba. Esta perspectiva hace que parezcan pequeños, vulnerables o perdidos en su entorno. Los planos picados se utilizan con frecuencia en películas de terror, suspense o misterio para transmitir peligro o impacto.

Al principio de Titanic, James Cameron muestra a Rose mirando hacia el océano con un plano picado para simbolizar su impotencia ante las decisiones sobre su vida. Del mismo modo, en la saga Harry Potter, Dobby, el elfo doméstico, casi siempre aparece retratado con planos picados. Este tipo de encuadre subraya su baja estatura y su papel de humilde sirviente.

Plano contrapicado

Cualquier plano que enfoque a un personaje desde abajo es un plano contrapicado, tanto si la cámara está situada a unos centímetros por debajo de sus ojos como si está a la altura de sus pies. Puesto que este tipo de plano transmite la impresión de que un personaje se encuentra por encima del público, suele usarse para infundir sensación de poder y autoridad.

Estos ángulos de la cámara ayudan al público a conectar e identificarse con personajes poderosos e invulnerables, por lo que normalmente se usan en películas de acción o de superhéroes. En el clásico wéstern La diligencia, el personaje heroico de John Wayne se presenta con un plano contrapicado que le hace parecer grande y que está al mando.

Plano holandés

Puedes lograr un plano holandés con cualquier tipo de objetivo. La clave está en inclinar la cámara con respecto a su eje horizontal, normalmente entre 15 y 45 grados. A diferencia de un simple plano inclinado, el plano holandés crea la sensación de que algo va mal con un personaje o dentro de la escena. En el cine se suele emplear para generar tensión o inquietud, a menudo mostrando la inestabilidad mental de un personaje o la sensación de malestar en la escena.

Vista de pájaro

Al enfocar desde arriba, este plano aéreo puede transmitir la pequeñez de los sujetos o la grandiosidad del entorno. El plano cenital puede representar impotencia, aislamiento o insignificancia. Por ejemplo, este plano podría recorrer una gran ciudad después de un evento apocalíptico, mostrando edificios dañados y columnas de humo en el horizonte para señalar el enorme impacto que el suceso ha tenido en sus habitantes.

Plano subjetivo

En un plano subjetivo se pueden usar distintas distancias focales según el efecto que se quiera conseguir. Se puede emplear el movimiento de cámara en mano o estabilizado para imitar el movimiento natural de la cabeza.

El plano subjetivo permite al público ver a través de los ojos de un personaje, lo que lo sumerge aún más en el estado emocional y las experiencias de este. Esto puede crear conexiones más fuertes entre el público y los personajes de la película al permitirle sentir sus emociones.

Contraplano

Un contraplano se puede utilizar para mostrar la reacción o el diálogo de otro personaje con el primero que ha aparecido en pantalla (en el plano subjetivo). Este plano captura la perspectiva opuesta al plano subjetivo y suele aparecer después de un plano sobre el hombro, cambiando el punto de vista mientras se mantiene el mismo eje de movimiento para favorecer la continuidad espacial.

En este plano se suelen emplear distancias focales intermedias (de entre 35 y 50 mm) y un encuadre similar al del plano subjetivo (normalmente un plano medio o medio corto) para mantener la escala y la perspectiva. Al alternar entre dos perspectivas, este plano mantiene el interés del público en el diálogo y las acciones sin cambiar bruscamente de punto de vista.

Plano perfil

El plano perfil encuadra a un sujeto desde el lateral, capturando su perfil facial completo, por lo general, en un ángulo de 90 grados respecto a la cámara. Este plano puede crear una sensación de profunda contemplación, desapego observacional o distancia emocional, ya que no muestra al público el contacto visual directo ni las expresiones frontales del sujeto.

Un plano perfil permite mostrar los sentimientos de aislamiento emocional o reflexión general de un personaje. Normalmente se encuadra con una distancia que va de media a media larga utilizando una lente focal de entre 35 y 55 mm. De este modo, se consigue un aspecto natural al tiempo que se capturan la postura y las expresiones faciales.

Plano de seguimiento

En un plano de seguimiento, la cámara sigue al sujeto por su entorno, a menudo moviéndose junto a él, delante o detrás. Esta técnica crea una sensación de impulso que hace que el público sienta que forma parte de la acción.

El plano de seguimiento puede realizarse desde múltiples ángulos, como perfiles laterales, ángulos bajos o planos sobre el hombro, en función de la sensación o los efectos visuales que se pretenda acentuar.

Por ejemplo, mientras un sujeto camina por un pasillo oscuro, la cámara podría seguirlo desde el lateral para acentuar la tensión y el miedo que se siente al explorar un edificio tenebroso.

Plano panorámico

En un plano panorámico, se mueve la cámara en horizontal para revelar información oculta, ampliando poco a poco el campo de visión del público. Esto sirve para generar tensión mientras el público anticipa lo que aparecerá en el encuadre o para crear conciencia espacial al mostrar el entorno alrededor de los sujetos.

También se puede combinar el plano panorámico con distintos ángulos de cámara para cambiar el tono, la perspectiva o el enfoque de la escena en un solo movimiento continuo. Un ejemplo de esto consiste en utilizar un plano perfil de un personaje sentado en un bar mientras la cámara hace una panorámica de su rostro para mostrar su expresión. La cámara continúa la panorámica detrás de él para mostrar a otro personaje entrando en el bar desde el lado opuesto de la estancia.

Efecto de acercamiento/alejamiento y efecto vértigo

Un plano con movimiento implica mover físicamente la cámara sobre un riel o plataforma con ruedas para acercarse o seguir a un sujeto de manera constante. Esto proporciona un aspecto natural y cuidado a la película. Hay varios tipos de planos con movimiento, y cada uno contribuye al avance de la historia de una manera diferente:

• Efecto de acercamiento. La cámara se acerca al sujeto, normalmente con un teleobjetivo o un objetivo de formato medio, para generar una sensación de intensidad emocional o enfocar más un elemento concreto de la escena. Este plano se utiliza para mostrar que un personaje se ha dado cuenta de algo o generar expectación a medida que el público se acerca al personaje.
• Efecto de alejamiento. En este plano, la cámara se aleja del sujeto, lo que crea una sensación de vulnerabilidad, desapego o revelación. Para simbolizar el cambio o el aislamiento, se utiliza una distancia focal más amplia para enfocar el fondo y el entorno mientras el sujeto se hace más pequeño en el encuadre.
• Efecto vértigo. También conocido como zoom de Hitchcock, el efecto vértigo combina un movimiento de acercamiento o alejamiento con un zoom simultáneo en la dirección opuesta. Esto crea una sensación de desorientación y muestra el pánico, la conmoción o la súbita revelación que tiene lugar en una escena. En este tipo de plano dramático, viene muy bien usar un teleobjetivo para exagerar y distorsionar el fondo.

Plano maestro

Los planos maestros, que capturan toda la acción que tiene lugar en una escena, suelen configurarse como planos largos o generales. Resultan esenciales para la cobertura básica, ya que lo graban todo. Los equipos de edición pueden cortar una escena y saltar al plano maestro cuando hay pausas en la acción o en el diálogo.

El plano maestro y la toma de apertura cumplen funciones distintas en una película. Por un lado, el plano maestro captura una escena completa de principio a fin, a menudo en una sola toma. Sirve para anclar la escena, ya que muestra a todos los personajes y sus relaciones espaciales dentro del entorno. Por otro lado, una toma de apertura muestra una nueva ubicación al comienzo de una escena, de modo que proporciona al público un contexto geográfico, como dónde y cuándo transcurre dicha escena.

Toma de apertura

Una toma de apertura es un plano general utilizado al comienzo de una escena para fijar el tono, el tiempo y la ubicación. Muestra dónde tendrá lugar la acción y, por lo general, captura espacios exteriores como edificios, barrios o paisajes.

Por ejemplo, un plano aéreo lento de un horizonte urbano al atardecer con muchos coches en un atasco puede indicar un entorno moderno y enérgico, mientras que un plano general estático de una calle vacía al amanecer puede establecer un tono tranquilo e introspectivo.

Plano detalle/inserto

Estos tipos de primeros planos capturan pequeños detalles, como las manos o los pies de un sujeto. Si un personaje mira un mensaje en el teléfono, tal vez se opte por un primer plano de la pantalla del teléfono. Un plano inserto aísla detalles pequeños pero importantes en la escena global.

Estos planos dirigen la atención del público hacia acciones, gestos u objetos que son importantes para la narrativa, pero que podrían pasar desapercibidos, como una mano pasando una nota por debajo de un pupitre en un aula.

Cambio de plano

Lo contrario al inserto es el cambio de plano, que salta del sujeto a otra cosa; por ejemplo, de la cara sorprendida de un personaje a un perro ladrando, o de un balón entrando a portería a la afición celebrando el gol desde la grada. Reunir planos cinematográficos como estos puede resultar útil para editar varias tomas de la misma escena.

Un cambio de plano interrumpe la acción principal de la escena para mostrar algo relacionado que se encuentra fuera del encuadre principal, como una ubicación, un objeto o una acción fuera de pantalla. Esta técnica añade contexto visual sin romper la continuidad. El cambio de plano llama la atención sobre elementos narrativos importantes al mostrar a qué está reaccionando un personaje o generando tensión al mostrar algo de lo que el sujeto aún no se ha dado cuenta.

Plano de reacción

Dado que el elemento visual más importante de una película no siempre es la persona que habla, los planos de reacción son primeros planos que ofrecen oportunidades importantes para el desarrollo del personaje y la historia. Los planos de reacción muestran la respuesta emocional de un personaje ante algo que sucede fuera de pantalla (quizás una broma, una revelación o una amenaza). Así pues, a diferencia de un plano centrado en la persona que habla, este plano hace ver al público los sentimientos de un personaje.

Plano de acercamiento/alejamiento

En un plano de acercamiento, la cámara se acerca al sujeto para que el público le preste atención. Un plano de alejamiento hace lo contrario: destaca el aislamiento de un personaje al aumentar la distancia entre el público y el sujeto. Estos tipos de planos en movimiento suelen requerir un dolly, un brazo articulado o una Steadicam.