Diversi tipi di inquadrature e angolazioni cinematografiche

Primissimo piano (PPP)

Un primissimo piano si concentra su un dettaglio specifico, ad esempio gli occhi o le labbra di un personaggio, oppure un oggetto importante, per intensificare il pathos e dirigere l'attenzione su un momento significativo della storia. Focalizzandosi su un piccolo elemento all'interno dell'immagine, questo tipo di inquadratura rafforza il legame del pubblico con il soggetto e spesso rivela sentimenti ed emozioni che il solo dialogo non sempre riesce a trasmettere.

Ad esempio, in una scena in cui un personaggio è rimasto ferito da un altro, una lacrima che scende sul viso può dire molto su come si è svolta l'interazione.

Primo piano (PP)

Nei primi piani, e ancor più nei primissimi piani, spesso si utilizzano lunghezze focali maggiori (85-135 mm) per comprimere i tratti del viso e sfocare gli sfondi. Si possono scegliere aperture più ampie (f/1.8-f/2.8) per una profondità di campo ridotta.

In un primo piano lievi espressioni facciali, il linguaggio del corpo o un oggetto significativo possono far trasparire determinate emozioni. L'inquadratura è occupata da un solo elemento, quindi le distrazioni sono ridotte al minimo.

Mezzo primo piano (MPP)

Un mezzo primo piano inquadra un soggetto dalle spalle o dal petto in su, quindi riprende sia le espressioni facciali sia, in parte, il linguaggio del corpo. Questa inquadratura è comunemente usata in scene con emozioni intense perché favorisce l'immedesimazione con il personaggio e ciò che prova.

Ad esempio, possono essere visibili sia un pugno serrato sia una lacrima che scende sul viso. Poiché mostra anche parte del busto, un mezzo primo piano comunica le emozioni del personaggio, ma anche il contesto situazionale.

Piano medio (PM)

Nei piani medi si utilizzano in genere lunghezze focali standard (35-50 mm), che creano una prospettiva naturale. La luce spesso bilancia il soggetto e lo sfondo.

Questa inquadratura si utilizza spesso nelle scene con dialoghi o interazioni di gruppo, perché offre spazio sufficiente per mostrare più personaggi, con varie azioni e segnali a livello di linguaggio del corpo. Il piano medio è perfetto per un racconto complessivo, in quanto mantiene il contesto visivo senza rinunciare alla trasparenza emotiva.

Piano americano (PA)

Negli Stati Uniti degli anni Trenta, i registi iniziarono a utilizzare il cosiddetto piano americano, uno stile di inquadratura cinematografica che ritraeva i pistoleri dal cappello alle fondine a metà coscia. Nei film moderni si utilizza per mostrare il linguaggio del corpo di un soggetto, insieme alle sue espressioni facciali, e parte dello sfondo. In Wonder Woman, ad esempio, un piano americano riprende Diana mentre, attraversando il campo di battaglia, respinge i proiettili con i pugni e sorride compiaciuta del suo potere.

Campo medio (CM)

Un campo medio, che inquadra il soggetto dalle ginocchia in su, coniuga dettagli e consapevolezza spaziale. Crea una distanza sufficiente per mostrare azioni e linguaggio del corpo, ma allo stesso tempo consente di creare un legame emotivo con il personaggio.

Questa inquadratura è tipica dei film western, in cui ritrae figure solitarie in vasti paesaggi, creando un interessante contrasto tra un personaggio e il suo ambiente. È anche frequentemente utilizzata per riprendere personaggi in piedi che parlano o i loro movimenti. È quindi un'ottima scelta per scene d'azione con dialoghi.

Campo lungo (CL)

Il campo lungo inquadra un soggetto per intero, di solito dalla testa ai piedi, e mostra anche buona parte dell'ambiente circostante. Questa inquadratura ampia, usata in genere per enfatizzare la distanza, le dimensioni o l'isolamento, colloca i personaggi nel loro contesto.

Il campo lungo si utilizza per presentare l'ambientazione, rappresentare la relazione di un personaggio con l'ambiente circostante, sottolineare l'immensità, o il vuoto, di una scena.

Figura intera (FI)

La figura intera inquadra un soggetto per intero, dalla testa ai piedi, ma lascia comunque spazio per alcuni elementi dello sfondo. Crea un equilibrio visivo tra un personaggio e il suo contesto ed è un'ottima scelta per mostrare contemporaneamente movimento, linguaggio del corpo e ambiente.

Questa inquadratura si usa in genere se è essenziale per una scena vedere un personaggio nella sua interezza, ad esempio un insegnante in piedi davanti a una lavagna, che cammina avanti e indietro in attesa dell'inizio del primo giorno di scuola.

Campo largo

Il campo largo spesso è abbinato a lunghezze focali inferiori (16-35 mm) per riprendere scene ampie. Può essere necessaria un'apertura ridotta (f/8-f/11) per aumentare la profondità di campo. Questa inquadratura si usa di solito per mostrare le dimensioni e il contesto o per sottolineare la relazione tra i personaggi e il loro ambiente.

Spesso possono rientrare nella definizione di campo largo le inquadrature master, a due, i piani americani e non solo.

Inquadratura di quinta (over-the-shoulder shot o OTS)

L'inquadratura di quinta è un controcampo realizzato con obiettivi standard o mediotele (50-85 mm). La luce deve bilanciare entrambi i soggetti, ma mantenere comunque la profondità. In questa inquadratura, il flusso della conversazione è rafforzato, il dialogo viene vissuto come nella vita reale e lo spettatore si mette nei panni di ciascun interlocutore. Seguire la conversazione è quindi più facile.

Questa inquadratura consente di comunicare distanza emotiva controllando in modo discreto quanto vicino o lontano lo spettatore si sente rispetto a ciascun soggetto. Quando il pubblico osserva la situazione da dietro un personaggio, può sentirsi più vicino al suo punto di vista. Si possono poi mettere in luce nuove dinamiche di potere, tensione o emozioni inespresse, in base alla composizione e al montaggio.

Inquadratura a due

Un'inquadratura con due soggetti, che mostra il linguaggio del corpo, l'interazione e la distanza tra di loro, può comunicare molto sulla loro relazione. "Cerchiamo di mantenere le inquadrature a due per gran parte di una scena e poi passare a un'inquadratura singola o a un primissimo piano per una battuta decisiva o un dettaglio importante", afferma il regista Ruckus Skye.

Inquadratura a tre

I tre personaggi protagonisti di questa inquadratura sono solitamente disposti in modo da enfatizzare le loro interazioni e relazioni. Questa inquadratura viene spesso utilizzata per comunicare unità, squilibrio o conflitto all'interno di un gruppo.

Se i personaggi sono vicini o equidistanti tra loro, questa inquadratura può esprimere collaborazione o valori condivisi. Se invece un personaggio è separato dal gruppo o rappresentato a un'altezza diversa, è segno di tensione e conflitto.

Inquadratura frontale

L'inquadratura frontale è quella della vita quotidiana. Non si sbilancia e non ha lo stesso effetto narrativo dell'inquadratura dall'alto o dal basso, tanto che molti registi evitano di usarla. "Non ha prospettiva", spiega la regista Lane Skye. Ruckus Skye continua: "Guardare un personaggio da sopra lo fa sembrare più piccolo, magari poco sicuro o potente. I supereroi, invece, si guardano sempre dal basso. È un cliché, ma si può applicare anche in scala minore, a livello più subconscio".

L'inquadratura frontale è considerata neutrale poiché la macchina è posizionata alla stessa altezza degli occhi del soggetto e lo riprende dalla stessa prospettiva da cui si guardano le persone nella vita reale. Questa angolazione evita di enfatizzare le dinamiche di potere o la distanza emotiva, ed è quindi l'inquadratura migliore per rappresentare realismo e oggettività.

Con un obiettivo a lunghezza focale media, di solito 35-50 mm su una videocamera full-frame, la prospettiva rimane fedele alla visione nella vita reale.

Inquadratura dall'alto

In un'inquadratura dall'alto, i personaggi appaiono piccoli, vulnerabili o persi. È spesso utilizzata nei film horror, thriller o di suspense perché trasmette pericolo o shock.

All'inizio di Titanic, James Cameron riprende dall'alto Rose che guarda l'oceano, in un'immagine che simboleggia la sua impotenza a decidere della propria vita. Allo stesso modo, nella saga di Harry Potter, l'elfo domestico Dobby è quasi sempre ripreso dall'alto, per sottolineare la sua bassa statura e il suo ruolo marginale come umile servitore.

Inquadratura dal basso

Se un personaggio è ripreso da sotto, che la telecamera sia posizionata appena sotto i suoi occhi o ai suoi piedi, si parla sempre di inquadratura dal basso, una tecnica che dà l'impressione che il personaggio torreggi sul pubblico e si utilizza quindi per trasmettere un senso di potere e autorità.

Questo tipo di angolazione aiuta il pubblico ad avvicinarsi a personaggi potenti e intoccabili, immedesimandosi in loro, quindi viene spesso utilizzata in film d'azione o di supereroi. Nel classico western Ombre rosse, il personaggio eroico di John Wayne viene presentato con questa inquadratura, che lo fa apparire imponente e padrone della situazione.

Angolo olandese o piano olandese

L'angolo olandese può essere realizzato con qualsiasi obiettivo. Il segreto sta nell'inclinare la macchina da presa rispetto all'asse orizzontale, in genere di 15-45 gradi. A differenza di una semplice inclinazione, l'angolo olandese dà l'impressione che qualcosa non torni nel personaggio o nella scena. Viene spesso utilizzato per creare tensione o disagio, ad esempio per comunicare l'instabilità mentale di un personaggio o una sensazione inquietante.

Inquadratura a piombo (plongée)

Questa ripresa aerea verso il basso può comunicare la piccolezza dei soggetti o la vastità del loro ambiente e trasmettere impotenza, isolamento, insignificanza, ad esempio sorvolando una grande città dopo un evento apocalittico, con edifici in rovina e scie di fumo all'orizzonte per indicare l'enorme impatto dell'avvenimento sugli abitanti.

Inquadratura soggettiva (point-of-view shot o POV)

Un'inquadratura soggettiva può essere abbinata a varie lunghezze focali a seconda dell'effetto desiderato. Per imitare il movimento naturale della testa, si può optare per una ripresa a mano libera o stabilizzata.

Nell'inquadratura soggettiva il pubblico vede attraverso gli occhi di un soggetto, immedesimandosi di più nel suo stato emotivo e nelle sue esperienze. Condivide quindi le sue emozioni e prova una vicinanza più profonda nei confronti dei personaggi.

Controcampo

Si può utilizzare un controcampo per mostrare la reazione o la risposta di un personaggio a un altro già mostrato (nell'inquadratura soggettiva). Riprende la prospettiva opposta alla soggettiva, spesso dopo un'inquadratura di quinta, per cambiare il punto di vista mantenendo lo stesso asse di movimento per motivi di continuità spaziale.

Per il controcampo si utilizzano solitamente lunghezze focali medie (tra 35 e 50 mm) e un'inquadratura simile a quella soggettiva (in genere un piano medio o un mezzo primo piano) per mantenere scala e prospettiva. Alternando le due prospettive, questa tecnica mantiene il pubblico coinvolto nel dialogo e nell'azione senza ricorrere a cambiamenti bruschi del punto di vista.

Inquadratura di profilo

In questa inquadratura il soggetto è ripreso di lato, con il profilo completo del viso, solitamente a un angolo di 90 gradi rispetto alla telecamera. L'effetto può essere di profonda contemplazione, osservazione distaccata o distanza emotiva, poiché non c'è un contatto visivo diretto e le espressioni del soggetto non si vedono frontalmente.

L'inquadratura di profilo è utilizzata per mostrare la chiusura emotiva o in generale la riflessione di un personaggio. Di solito è abbinata a una distanza media o medio-lunga con una lunghezza focale di 35-55 mm, per creare un effetto naturale riprendendo sia la postura sia le espressioni facciali.

Carrellata

In una carrellata la macchina da presa segue il soggetto, spesso procedendo al suo fianco, davanti o dietro di lui. Questa tecnica crea un senso di slancio che fa sentire lo spettatore parte dell'azione.

La carrellata può essere realizzata da molteplici angolazioni, ad esempio di profilo, dal basso o da dietro le spalle, a seconda dell'atmosfera e degli effetti visivi voluti.

Ad esempio, mentre un personaggio avanza in un corridoio buio, la telecamera lo può seguire a lato per sottolineare la tensione e la paura dell'esplorazione di un edificio inquietante.

Panoramica

In una panoramica orizzontale la telecamera si sposta lateralmente per svelare nuove informazioni, ampliando gradualmente il campo visivo. Può creare tensione, se il pubblico si aspetta di vedere apparire qualcosa, o creare consapevolezza spaziale, mostrando l'ambiente circostante.

Si può anche combinare la panoramica con diverse angolazioni per cambiare il registro, la prospettiva o il focus di una scena in un unico movimento continuo. Un esempio è l'inquadratura di profilo di un personaggio seduto al bancone di un bar, con una panoramica sulla sua espressione, in cui la telecamera continua poi alle sue spalle per rivelare l'ingresso di un altro personaggio dal lato opposto del locale.

Carrellata avanti/indietro e dolly zoom

Nelle riprese con dolly la macchina si muove su un binario o su un carrello in modo da avvicinarsi o seguire con ritmo costante un soggetto. L'effetto è naturale e sofisticato. Il carrello o dolly può muoversi in vari modi, ognuno dei quali aiuta a far progredire la narrazione in modo diverso.

• Carrellata avanti: la macchina da presa, in genere con un teleobiettivo o un obiettivo medio, si avvicina al soggetto per creare una sensazione di intensità emotiva o aumentare l'attenzione su un particolare elemento della scena. Questa inquadratura viene utilizzata per enfatizzare la presa di coscienza di un personaggio o per creare suspense mentre ci si avvicina a lui.
• Carrellata indietro: in questa inquadratura, la telecamera si allontana dal soggetto, creando una sensazione di vulnerabilità, distacco o rivelazione. Per simboleggiare il cambiamento o l'isolamento, l'ideale è una lunghezza focale più ampia per mettere a fuoco lo sfondo man mano che il soggetto si allontana.
• Dolly zoom: conosciuto anche con il nome di "effetto Vertigo", il dolly zoom combina una carrellata avanti o indietro con uno zoom simultaneo nella direzione opposta. Si crea una sensazione di disorientamento che esprime panico, shock o una realizzazione improvvisa. Un teleobiettivo è perfetto per esagerare e distorcere lo sfondo in questa inquadratura impressionante.

Inquadratura master

Le inquadrature che riprendono tutta l'azione in una scena sono dette master e di solito si tratta di campi lunghi o larghi. Registrano ogni dettaglio e per questo sono essenziali per la completezza delle riprese. I tecnici del montaggio possono alleggerire una scena passando all'inquadratura master durante le pause dell'azione o del dialogo.

L'inquadratura master ha un ruolo diverso rispetto a quella di ambientazione. Rappresenta un'intera scena dall'inizio alla fine, spesso senza tagli. Funge da riferimento perché mostra tutti i personaggi e le loro relazioni spaziali. L'inquadratura di ambientazione, invece, presenta un nuovo ambiente all'inizio di una scena e offre quindi il contesto dell'azione, ad esempio il luogo e il momento in cui si svolge.

Inquadratura di ambientazione

Un'inquadratura di ambientazione è un campo largo utilizzato all'inizio di una scena per definire registro, tempo e luogo. Mostra dove si svolgerà l'azione e spesso si tratta di una ripresa esterna, con edifici, quartieri o paesaggi.

Ad esempio, una lenta ripresa aerea di uno skyline cittadino al tramonto con molte auto incolonnate può suggerire un'ambientazione moderna e dinamica. Invece, un campo largo statico di una strada deserta all'alba può creare un'atmosfera calma e introspettiva.

Inquadratura di dettaglio o inserto

Questi tipi di primi piani si soffermano sui dettagli, come mani o piedi. Se un personaggio guarda un messaggio sul telefono, il regista potrebbe decidere di riprendere in primo piano lo schermo del dispositivo, ad esempio. Un inserto isola elementi piccoli ma importanti all'interno della scena.

Queste inquadrature dirigono l'attenzione dello spettatore su azioni, gesti o oggetti che potrebbero passare inosservati, ma sono cruciali per la narrazione, ad esempio una mano che passa un biglietto sotto un banco di scuola.

Inquadratura di raccordo o cutaway

L'inquadratura di raccordo, invece, passa dal soggetto a qualcos’altro, come dall’espressione sorpresa dell’attore a un cane che abbaia o dal pallone che attraversa la linea di porta ai tifosi esultanti sugli spalti. Avere a disposizione riprese di questo genere può essere utile nel montaggio di più riprese della stessa scena.

Un cutaway, o inquadratura di raccordo, interrompe l'azione principale per mostrare un elemento esterno a essa ma correlato, ad esempio un luogo, un oggetto o un avvenimento fuori campo. Questa tecnica aggiunge contesto visivo senza spezzare la continuità. Attira l'attenzione su elementi narrativi importanti, mostrando il motivo della reazione di un personaggio o creando tensione rivelando qualcosa che non ha ancora notato.

Inquadratura di reazione

Nella cinematografia, le inquadrature di reazione sono importanti per lo sviluppo dei personaggi e della trama, poiché non è sempre chi parla l'elemento visivo cruciale di un film. Queste inquadrature in primo piano mostrano la risposta emotiva di un personaggio a un evento fuori campo, ad esempio una battuta, una rivelazione, una minaccia. Offrono al pubblico uno sguardo intimo sulle sue emozioni, che un'inquadratura focalizzata sul parlante non riuscirebbe a rivelare.

Avvicinamento e allontanamento

Nell'inquadratura in avvicinamento la macchina si sposta verso il soggetto per catturare l'attenzione dello spettatore. Invece, l'inquadratura in allontanamento evidenzia l'isolamento, aumentando la distanza tra lo spettatore e il soggetto. Queste riprese in movimento richiedono solitamente l'uso di dolly, gru o steadicam.