Comment écrire un scénario ?

De Hollywood à Bollywood, tous les films commencent par des scénarios. La magie du cinéma commence par l’élaboration laborieuse de scripts.

Personne regardant un moniteur vidéo sur un plateau de tournage tout en révisant un scénario

Qu’est-ce qu’un scénario ?

La réalisation d’un film peut prendre des années. Et à l’instar de n’importe quel autre grand projet, il doit partir d’une idée. Si l’on compare un film à un bâtiment, le scénariste en est l’architecte. « Un script est l’ossature du bâtiment », affirme le scénariste Steven Bernstein. « C’est votre plan directeur. Votre épure. Tous les films, des superproductions aux courts-métrages des écoles de cinéma, commencent par un scénario, le document le plus important que vous élaborerez au cours du processus de réalisation. »

 

L’écriture d’un script est à la fois une industrie et un art ou un artisanat. Les scénaristes professionnels doivent respecter des conventions de formatage et des normes sectorielles. Tout membre d’une société de production ayant un scénario entre les mains doit immédiatement savoir où trouver des éléments de base, tels que la page de titre, le nom du scénariste et son numéro d’adhérent à la WGA (Writer’s Guild of America). Il doit également pouvoir facilement trouver un synopsis de l’histoire, le personnage principal et le genre.

 

Voici les éléments de base des scénarios, d’après les professionnels de Hollywood.

 

Découvrez une structure en trois actes.

La plupart des scripts, du moins dans le monde anglophone, ont une structure en trois actes.

 

L’action page par page d’un script doit correspondre à l’action minute par minute d’un film. « Chaque page au format script représente environ une minute », explique la réalisatrice Whitney Ingram. « 90 minutes correspondent à 90 pages. » Il peut y avoir des exceptions. Dans les films comportant de longues scènes de dialogues et dont les acteurs ont un débit de parole élevé, il peut y avoir plusieurs pages par minute, mais en général, le timing et les pages coïncident.

Premier acte

Le premier acte présente les personnages et l’intrigue centrale de l’histoire. C’est également à cet acte que les réalisateurs doivent capter l’attention de l’audience et l’amener à s’intéresser au film.

 

« Vous avez deux missions importantes au début d’un film », explique Steven Bernstein. « Captiver l’audience et faire en sorte qu’elle s’intéresse aux protagonistes. » Le premier acte comprend généralement un incident déclencheur : le personnage principal se trouve confronté à un obstacle à surmonter ou un défi à relever et sera aux prises avec ses problèmes jusqu’à la fin du film.

Deuxième acte

Au deuxième acte, les protagonistes sont au cœur des problèmes, défis et conflits qui représentent la majeure partie du film. Les problèmes persistent, mais ne sont pas résolus et tout est en suspens. « Le point médian se trouve pile au milieu de l’histoire, une fois que tous les problèmes se sont accumulés », indique Steven Bernstein.

 

C’est souvent au deuxième acte que les protagonistes sont au plus bas. Les antagonistes ont généralement remporté quelques succès et la situation semble désespérée ou les problèmes insurmontables. Tout au long des premier et deuxième actes, un bon scénariste ajoute des moments et des éléments qui se révèleront utiles au troisième acte.

Troisième acte

Au troisième acte, les protagonistes changent, relèvent le défi et finissent par vaincre ou être vaincus par les forces qui se sont abattues sur eux. C’est au troisième acte que les protagonistes sont aux prises avec la problématique centrale du film. C’est là que les héros prennent d’assaut le château, que les détectives bouclent les enquêtes et que les vedettes de comédie romantique se lancent dans des tirades passionnées pour déclarer leur flamme. C’est également là que d’autres petites graines semées tout au long du scénario commencent à germer.

 

« La clé d’un bon scénario est de mettre en place toutes les petites pépites ou les joyaux qui brilleront au troisième acte », déclare Steven Bernstein.

Au delà de la structure en trois actes

La structure en trois actes est une ligne directrice et une convention, pas une règle. De nombreux réalisateurs s’en affranchissent et racontent des histoires qui n’ont pas de premier, deuxième ou troisième acte clairement définis, ni même de protagonistes ou d’intrigue identifiable. « Selon moi, la mission de l’art est de permettre aux observateurs de porter un regard neuf sur le monde », affirme Steven Bernstein. « Vous devez exclure les idées préconçues dans votre manière d’appréhender le contenu et la forme. » Vous pouvez écrire un scénario non conformiste, mais le cas échéant, faites-le délibérément.

Personnes assises les unes à côté des autres et tenant un scénario
Personne équipée d’un Steadicam debout à côté d’une autre personne utilisant un talkie-walkie et tenant un scénario

Terminologie de l’écriture de scénarios

Comme toute profession, l’écriture de scénarios possède une terminologie, un argot, des termes et un jargon spécifiques. Voici quelques termes que vous pourriez trouver utiles :

 

Indications scéniques

Chaque scène d’un script commence par une indication scénique qui décrit brièvement le lieu où se déroule la scène. Les indications scéniques indiquent toujours si une scène se passe à l’intérieur ou à l’extérieur, le lieu précis et le moment de la journée. Par exemple, une scène se déroulant sur la planète Tatooine commencerait par :

 

EXT – TATOOINE – JOUR

 

Et une scène se déroulant dans l’Étoile de la mort commencerait par :

 

INT – ÉTOILE DE LA MORT – NUIT

 

Et ainsi de suite.

 

Didascalies

Les didascalies sont des indications simples et déclaratives qui permettent de planter le décor. Par exemple :

« Fondu en entrée sur une planète désertique et désolée. R2-D2 et C3PO traversent un paysage de dunes qui paraît interminable. »

Les didascalies donnent aux lecteurs un aperçu de ce qui doit se passer dans la scène et de ce que font les protagonistes lorsqu’on les voit.

 

Dialogues

Les dialogues occupent généralement la majeure partie d’un script. Les dialogues sont précédés du nom du protagoniste et sont généralement écrits sans guillemets. Il sont également écrits avec de larges marges ou sont centrés pour les séparer des didascalies et autres indications sur la page. Par exemple, lorsque Han Solo vante la vitesse de son vaisseau :

 

HAN

Vous n’avez jamais entendu parler du Millennium Falcon ? C’est le vaisseau qui a fait le Kessel Run en moins de douze parsecs !

 

Les dialogues contiennent parfois des instructions spéciales ou des notes entre parenthèses, comme si un protagoniste se trouvait hors champ ou faisait une voix off. Par exemple, lorsque Obi-Wan demande à Luke de désactiver son ordinateur de ciblage :

 

KENOBI (v.o.)

Sers-toi de la Force, Luke.

 

Temps

Les événements ou moments importants d’un scénario sont appelés des temps. « Le temps d’une histoire est un moment déterminant », souligne Steven Bernstein. « C’est lorsque l’intrigue peut rebondir dans une nouvelle direction. » Par exemple, un enquêteur trouve un indice important, un héros de film d’action se blesse ou les vedettes d’une comédie romantique se retrouvent engagées dans un conflit ou un quiproquo qui les éloigne.

 

Pitchs

« Le pitch est le résumé de l’histoire en une phrase », explique Steven Bernstein. Le pitch est souvent la première chose que les décideurs des studios apprennent d’un film. Les scénaristes partent fréquemment d’un pitch pour développer leurs scénarios. Toutefois, il est toujours possible de modifier un pitch après avoir écrit une version finale.

 

Les pitchs sont souvent accrocheurs. « Il y a généralement une certaine ironie dans le pitch », remarque Whitney Ingram. Cette ironie souligne la différence ou l’originalité du film. « Je n’ai jamais vu un pitch vendre un film », reconnaît Steven Bernstein, « hormis peut-être Des serpents dans l’avion. »

 

Argumentaires

Les argumentaires sont un peu plus longs que les pitchs, mais restent concis. Un argumentaire est une brève description ou un synopsis d’un projet d’environ 30 secondes. Par exemple, l’argumentaire de Hamlet serait :

 

« Le roi meurt et son frère monte sur le trône. Le fils du roi défunt pense que son père a été assassiné et s’efforce de faire tomber son oncle. »

 

Cet argumentaire comporte certes de nombreuses omissions, mais le but est de décrire rapidement le film.

 

Traitements

Un traitement est un document écrit qui résume l’histoire et les principaux thèmes d’un film. Il est généralement écrit au présent et suit les temps et moments forts du film. Les traitements sont souvent plus courts que les scénarios, mais peuvent comporter une soixantaine de pages.

 

Découpage technique du tournage

Une fois la production d’un film lancée, un découpage technique du tournage est créé. Cette version du scénario, qui numérote les scènes pour faciliter la coordination des différentes équipes, est particulièrement utile, car la plupart des films ne sont pas tournés dans l’ordre chronologique des événements du scénario.

 

Par exemple, si un film comporte plusieurs scènes se déroulant dans un casino, le découpage technique du tournage utilise des numéros pour indiquer que ces scènes peuvent être filmées dans le même bloc de temps, bien qu’elles apparaissent à des moments différents dans le film.

 

Des pages colorées sont utilisées dans le découpage technique du tournage pour indiquer aux équipes qu’elles travaillent sur la version la plus récente. Les mises à jour du découpage technique du tournage utilisent une couleur différente.

Une personne réalise un enregistrement vidéo d’un acteur portant une combinaison spatiale sur un plateau de tournage.

La magie du cinéma sur la page

La production cinématographique est un long processus qui peut prendre des années et mobilise souvent des centaines, voire des milliers de professionnels. Mais le point de départ de toute superproduction est une idée d’un scénariste. Un script est un guide pour mener à bien des projets collaboratifs, à l’instar d’un plan pour construire un bâtiment ou d’une carte au trésor pour entreprendre un voyage de découverte.

Contributeurs

Allez plus loin avec Adobe Premiere Pro.

Réalisez des vidéos impressionnantes pour la quasi-totalité des supports : le cinéma, la télévision et le web.

Ces contenus pourraient également vous intéresser…

Montage dans Adobe After Effects

Découvrez les images clés et pourquoi elles sont indispensables dans les animations.

Bénéficiez d’un aperçu de l’animation par image clé dans Adobe After Effects, Animate et Character Animator.

Montage vidéo d’une séquence de bobine B

Bobine B

Servez-vous des séquences de bobine B qui facilitent le montage vidéo et vous aident à conserver l’attention de votre audience.

Personne marchant au bord d’une crevasse

Découvrez comment ajouter des bandes noires de cinéma à vos vidéos.

Apprenez à créer votre propre incrustation de bandes noires dans Adobe Premiere Pro.

Rose avec un corps de femme

Comprendre l'art de la photographie surréaliste

Explorez l'univers du surréalisme et découvrez comment réaliser vos propres images oniriques.

Téléchargez Adobe Premiere Pro.

Montez et produisez des vidéos pour le cinéma, la télévision et le Web, avec l’une des meilleures applications de montage vidéo du secteur.

7 jours gratuits, puis 23,99 € par mois.