Schreiben eines Drehbuchs.
Von Hollywood bis Bollywood – alle Filme beginnen mit einem Drehbuch. Und erst die harte Arbeit am Filmskript ermöglicht später die Magie des Films.
Was ist ein Drehbuch?
Es kann Jahre dauern, einen Film zu drehen. Und genau wie jedes andere große Projekt muss auch ein Film mit einer Idee beginnen. Wenn Filme Gebäude wären, dann wäre der Drehbuchautor der Architekt. „Ein Filmskript ist das Gerüst des Gebäudes“, so Drehbuchautor Steven Bernstein. „Es ist die Blaupause. Es ist der Plan. Alle Filme – von Blockbustern im Kino bis hin zu Kurzfilmen an der Kunsthochschule – beginnen mit einem Drehbuch. Es ist das absolut wichtigste Dokument, das du im gesamten Prozess des Filmemachens erstellst.“
Das Schreiben von Drehbüchern ist nicht nur eine Branche, sondern auch eine echte Kunst bzw. ein echtes Handwerk. Von professionellen Drehbuchautoren wird erwartet, dass sie sich an Formatierungskonventionen und Branchenstandards halten. Wenn Mitglieder einer Produktionsfirma ein Drehbuch in die Hand nehmen, sollten sie sofort wissen, wo grundlegende Dinge wie Titelseite, der Name des Drehbuchautors und seine WGA-Mitgliedsnummer (Writer’s Guild of America) zu finden sind. Auch eine Zusammenfassung der Geschichte, der Hauptfigur und des Genres sollte leicht zu finden sein.
Im Folgenden findest du die grundlegenden Elemente von Drehbüchern (laut Hollywood-Profis):
Die Drei-Akte-Struktur.
Die meisten Drehbücher – zumindest in der deutsch- oder englischsprachigen Welt – folgen einer Struktur aus drei Akten.
Die Seiten des Drehbuchs sollten so aufgeteilt sein wie die Minuten im Film. „Jede Seite im Drehbuch entspricht etwa einer Minute im Film“, so Filmemacherin Whitney Ingram. „90 Minuten sind also 90 Seiten.“ Doch es gibt Ausnahmen. Dialoglastige Filme mit schnell sprechenden Charakteren können mehr als eine Seite pro Minute füllen, doch im Allgemeinen stimmen Zeit und Seiten überein.
Der erste Akt.
Im ersten Akt werden die Figuren und der zentrale Konflikt der Geschichte vorgestellt. Hier müssen Filmemacher Zuschauer einnehmen und dafür sorgen, dass sie sich für den Film interessieren.
„Es gibt zwei wichtige Funktionen zu Beginn eines jeden Films“, erklärt Bernstein. „Du musst dein Publikum fesseln und dafür sorgen, dass es sich für die Figuren interessiert.“ Der erste Akt enthält in der Regel ein einschneidendes Ereignis, bei dem die Hauptfigur auf eine Hürde oder eine Herausforderung stößt, die sie überwinden oder meistern muss – womit sich dann der Rest des Films auseinandersetzt.
Der zweite Akt.
Im zweiten Akt sind die Figuren in die vorgestellten Probleme, Herausforderungen und Konflikte verwickelt, was den größten Teil des Films einnimmt. Die Probleme sind noch nicht gelöst und alles hängt in der Schwebe. „Der Mittelpunkt ist genau in der Mitte der Geschichte. Dort laufen alle Probleme zusammen“, sagt Bernstein.
Im zweiten Akt befinden sich die Charaktere oft an ihrem Tiefpunkt, die Bösewichte erringen in der Regel einige Siege und die Dinge scheinen hoffnungslos oder unlösbar. Gute Drehbuchautoren bauen in den ersten und zweiten Akt Momente und Elemente ein, die sich im dritten Akt auszahlen.
Der dritte Akt.
Im dritten Akt entwickeln sich die Figuren, stellen sich ihrer Herausforderung und überwinden schließlich die Mächte, denen sie ausgesetzt sind – oder erliegen ihnen. Im dritten Akt stehen die Figuren vor der zentralen Herausforderung des Films. In diesem Akt stürmen Helden die Burg, lösen Detektive ihre Fälle und gestehen romantische Hauptdarsteller in leidenschaftlichen Worten ihre Liebe. Hier zahlen sich auch die kleinen Momente und Elemente aus, die du in den ersten beiden Akten untergebracht hast.
„Der Schlüssel eines guten Drehbuchs ist, dass man all diese kleinen Momente einbaut, die sich im dritten Akt auszahlen“, sagt Bernstein.
Jenseits der Drei-Akte-Struktur.
Die Struktur in drei Akten ist eine Richtlinie, keine Regel. Viele Filmemacher gehen darüber hinaus und erzählen Geschichten, die keinen klaren ersten, zweiten oder dritten Akt haben – manchmal fehlen sogar klare Charaktere oder Konflikte. „Meiner Meinung nach besteht die Funktion der Kunst darin, dem Betrachter einen neuen Blick auf die Welt zu eröffnen“, so Bernstein. „Du solltest dich nicht dabei einschränken lassen, wie und in welcher Form du Inhalte angehst.“ Du hast die Möglichkeit, ein unkonventionelles Drehbuch zu schreiben. Aber wenn du das tust, dann tue es auch mit voller Absicht.
Begriffe aus der Welt der Drehbücher.
Wie bei jedem Beruf wird auch beim Drehbuchschreiben eine spezielle Sammlung von Terminologie, Slang, Branchenbegriffen und Fachjargon verwendet. Hier einige nützliche Begriffe:
Jede Szene in einem Drehbuch beginnt mit einer Kopfzeile (oder Szenenüberschrift), einer kurzen Beschreibung dazu, wo die Szene stattfindet. Kopfzeilen geben immer an, ob eine Szene drinnen oder draußen spielt, wo genau sie stattfindet und um welche Tageszeit sie sich ereignet. Eine Szene auf Tatooine würde zum Beispiel mit einer Kopfzeile wie dieser beginnen:
AUSSEN – TATOOINE – TAG
Eine Kopfzeile für den Todesstern würde wie folgt aussehen:
INNEN – TODESSTERN – NACHT
Und mehr.
Handlungsstränge sind einfach und prägnant. Nachdem du sie abgeschlossen hast, kannst du damit anfangen, die Einstellung zu beschreiben. Das sieht dann wie folgt aus:
„Einblendung auf einen trostlosen Wüstenplaneten. Wir sehen R2-D2 und C3PO über die scheinbar endlosen Dünen laufen.“
Handlungsstränge geben dem Leser eine Vorstellung davon, was in der Szene passieren soll und was die Figuren tun, wenn wir sie sehen.
Dialoge nehmen in der Regel den größten Teil eines Drehbuchs ein. Bei Dialogen steht der Name der sprechenden Figur darüber. Die Texte werden in der Regel ohne Anführungszeichen geschrieben. Außerdem erhalten Dialoge breite Ränder oder werden zentriert, damit sie von Handlungssträngen und anderen Texten auf der Seite zu unterscheiden sind. Wenn zum Beispiel Han Solo mit der Geschwindigkeit seines Falken prahlt, sieht das wie folgt aus:
HAN
Haben Sie noch nie vom Rasenden Falken gehört? Das Schiff machte den Kossal-Flug in weniger als 12 Parsec, wenn Ihnen das etwas sagt.
Manchmal enthält ein Dialog besondere Anweisungen oder Hinweise in Klammern, beispielsweise wenn sich eine Figur im Off befindet oder ein Voiceover spricht. So könnte es aussehen, wenn Obi-Wan Luke sagt, dass er seinen Zielcomputer ausschalten soll:
KENOBI (v.o.)
Nutze die Macht, Luke.
Beat
Wichtige Ereignisse oder Momente in einem Drehbuch werden als Beats bezeichnet. „Ein Storybeat ist ein wichtiger Moment“, erklärt Bernstein. „Das ist der Augenblick, in dem sich die Dinge in eine andere Richtung entwickeln können.“ Hier einige Beispiele: ein Detektiv, der einen wichtigen Hinweis findet, ein Action-Held, der verletzt wird, oder die Hauptfiguren einer romantischen Komödie, die durch einen Konflikt oder ein Missverständnis auseinandergetrieben werden.
„Die Logline ist eine Zusammenfassung der Geschichte in einem Satz“, so Bernstein. Die Logline ist oft das Erste, was die Entscheidungsträger eines Studios über einen Film erfahren. Deshalb starten viele Drehbuchautoren ihren Schreibprozess mit einer solchen Logline und bauen ihr Drehbuch darauf auf. Du kannst sie aber jederzeit ändern, selbst wenn du bereits eine fertige Drehbuchversion geschrieben hast.
Loglines enthalten oft einen Aufhänger. „In der Regel enthalten Loglines eine gewisse Ironie“, bemerkt Ingram. Diese Ironie verdeutlicht in der Regel, inwiefern sich der Film von anderen unterscheidet und was ihn so ungewöhnlich macht. „Ich habe noch nie einen Film gesehen, der nur anhand einer Logline gekauft wurde“, erinnert sich Bernstein, „außer vielleicht Snakes on a Plane.“
Elevator Pitches sind etwas länger als Loglines, aber immer noch kurz. Ein Elevator Pitch ist eine kurze Beschreibung oder Zusammenfassung eines Projekts, die in der Regel etwa 30 Sekunden dauert – also in etwa so lange wie eine Aufzugfahrt. Der Elevator Pitch für Hamlet könnte wie folgt lauten:
„Der König stirbt und sein Bruder besteigt den Thron. Der Sohn des toten Königs vermutet, dass sein Vater ermordet wurde, und versucht, seinen Onkel zu stürzen.“
Hier fehlt natürlich einiges an Handlung, doch der Fokus des Pitches liegt darauf, den Film schnell zu beschreiben.
Das Treatment ist ein schriftliches Dokument, das die Geschichte sowie die wichtigsten Ideen eines Films skizziert. Es ist in der Regel im Präsens geschrieben und beschränkt sich auf die wichtigsten Handlungsstränge und großen Momente des Films. Treatments sind in der Regel deutlich kürzer als Drehbücher, können aber in manchen Fällen bis zu 60 Seiten umfassen.
Sobald sich ein Film in Produktion befindet, wird eine Drehfassung (oder „Shooting Script“) erstellt. In dieser Version des Drehbuchs werden die Szenen durchnummeriert, damit alle Abteilungen ihre Arbeit koordinieren können. Das ist besonders hilfreich, da die meisten Filme nicht in der richtigen Reihenfolge gedreht werden (also nicht chronologisch gemäß den Ereignissen des Drehbuchs).
Wenn ein Film beispielsweise mehrere separate Szenen enthält, die in einem Kasino spielen, werden im Drehbuch Zahlen verwendet, um zu vermerken, dass all diese Szenen im selben Zeitblock gedreht werden können, auch wenn sie sich zu unterschiedlichen Zeiten im Film abspielen.
In Drehbüchern werden farblich markierte Seiten verwendet, damit sich Teams sicher sein können, dass sie mit der neuesten Version arbeiten. Etwaige Aktualisierungen werden den Drehfassungen in einer neuen Farbe hinzugefügt.
Die Magie des Films in geschriebener Form.
Die Filmproduktion ist ein langwieriger Prozess, der Jahre dauern kann und an dem oft Hunderte, wenn nicht Tausende von Personen beteiligt sind. Doch jeder Blockbuster beginnt mit der Idee eines Drehbuchautors. Ein Drehbuch ist ein Leitfaden für gemeinsame Projekte – wie der Bauplan für ein Gebäude oder die Schatzkarte für eine Entdeckungsreise.
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