만화책 만들기 안내

슈퍼히어로 만화를 그리거나 인디 그래픽 소설을 만드는 성공적인 만화가가 되려면, 이미지 한 컷 한 컷마다 이야기를 풀어가는 방법을 이해해야 합니다.

망치를 들고 날아가는 토르가 그려진 만화책 일러스트레이션.

어디서부터 시작해볼까?

만화책은 상업적 서사물 형태의 예술입니다. 스파이더맨의 공동 창작자 Steve Ditko의 전통적인 슈퍼히어로 만화부터 Raina Telgemeier의 자서전적인 청소년기 이야기를 다룬 Smile과 Goseki Kojima의 흑백 극화인 Lone Wolf and Cub에 이르기까지 매우 다양한 장르와 스타일이 만화에 속합니다. 이렇게 다양한 만화책들을 하나로 묶어주는 요소는 이미지를 차례로 배치하여 이야기를 풀어나간다는 방식으로, 매체에서는 이를 종종 ‘순차적인 스토리텔링’이라는 용어로 표현합니다. 목표가 만화책의 표지를 그리는 것일지라도, 경쟁이 치열한 이 업계에서 일감을 얻고자 필요한 기술을 쌓고 있는 사람이라면 좋은 만화책에 사용되는 스토리텔링의 원리를 배울 필요가 있습니다.

 

배트맨 그리기도 한 걸음부터.

만화가이자 강사인 Phillip Sevy는 “만화책은 크게 세 부분으로 나눠 공부할 수 있습니다.”라고 설명합니다. “인체 해부학, 원근법, 시각적 스토리텔링입니다.” Marvel과 DC Comics와 같은 유명 만화 출판사에서 일감을 얻기 전에, 먼저 이 세 가지 주요 분야의 기술을 연마해야 합니다.

 

인체 해부도 드로잉 능력을 발전시키는 데는 인체 소묘와 라이프 드로잉 수업이 유용합니다. 각본에서 인물이 날아다니거나, 넘어지거나, 달리거나, 잡담하는 것을 묘사하도록 요구하는 경우 필요한 중요한 기술입니다. 만화책에서는 캡틴 아메리카의 공동 창작자인 Jack Kirby의 고전적인 스타일처럼 신체가 과장된 인물이 등장할 수도 있지만, 그래도 인체 비율을 정확히 지켜야 합니다. 이는 채용 담당 편집자가 작품을 검토할 때 특히 면밀히 살펴보는 부분이기도 합니다.

걸친 숄 뒤에있는 나체 여성의 연필 스케치
비스듬히 앉은 남성 인체 드로잉.

만화가는 또한 스토리대로 도시의 거리, 취조실, 심지어 미래적인 우주 정거장까지 그릴 수 있어야 하고, 그런 환경에 캐릭터를 적절히 배치할 수 있어야 합니다. 이 모든 것을 마감을 지켜서 해내야 합니다. Adobe FrescoAdobe Photoshop Sketch와 같은 드로잉 앱에는 투시도를 완벽히 이해하는 데 도움이 되는 2점 투시 또는 그래프 그리드를 추가할 수 있는 투시 그리드 기능이 있습니다. 아티스트 Jen Bartel은 “참고용 사진과 이미지를 활용하세요.”라고 제안합니다. “만화 작업을 할 때, 아티스트는 배경의 일부를 트레이싱하기도 합니다. 작업 속도를 높이는 데 도움이 되면 무엇이든 해야죠.”

iPad 3D 소프트웨어 드로잉 튜토리얼의 스크린샷 모음.

원근법 격자 도구 실제 사용 방법 보기.

원근법 격자 도구를 사용하여 로봇을 스케치하는 아티스트 Kyle T. Webster의 작업을 시청하십시오.

 

첫째는 스토리텔링.

만화책에서 스토리는 ‘컷’이라는 스토리텔링 도구를 통해 진행됩니다. 컷은 각 장면의 순간을 담은 상자를 뜻합니다. 가장 간단한 세 컷 만화에서도 첫 번째 이미지부터 마지막 이미지까지 이어지는 시각적 스토리텔링을 확인할 수 있습니다. 애니메이션에서 각 일러스트레이션은 매초의 움직임을 보여줍니다. 막상 연속되는 만화 컷을 그리려고 할 때, 아티스트는 독자에게 혼란을 주지 않는 선에서 두 컷 사이에 아주 다양하고 창의적인 만화책 연출이 가능하다는 사실에 놀라게 될 것입니다. 독자는 스토리 흐름을 이해하기 위해 두 명의 캐릭터가 음식 주문부터 테이블에 앉는 것까지를 전부 볼 필요는 없습니다. 하지만 두 컷 만에 캐릭터가 지구에서 달로 가버리면 혼란스러워할 수 있습니다.

“남들보다 뛰어난 만화가는 스토리 전달 능력으로 알아볼 수 있습니다.”

전 Marvel Comics 편집자이자 Comics Experience 온라인 학교의 설립자인 Andy Schmidt는 “아무리 훌륭한 일러스트레이터일지라도, 정말 훌륭한 만화가로서 돋보이려면 스토리텔링 능력이 있어야합니다.”라고 설명합니다. 예술적 스토리텔링 능력은 아티스트가 한 페이지에 컷을 배치하는 방식과 여러 컷 안에서 이야기의 강약을 풀어내는 방법을 보면 알 수 있습니다. 만화 창작자들은 ‘레이아웃’이라는 단순한 스토리보드 스타일을 사용하여 배경과 인물을 완전히 그려내기 전에 스토리텔링을 다듬을 수 있습니다. 스토리텔링의 레이아웃을 세밀하게 조정하면, 아티스트는 스케치 아트를 완전한 그림 컷 페이지로 변환합니다.

날고 있는 슈퍼히어로 토르가 그려진 만화 스케치 레이아웃.

어떻게 컷을 연출할지 결정하는 것은 아주 중요합니다. 제대로 된 선택을 하면 아티스트가 한 장면에서 보는 각도를 바꾸는 경우에도 인물 간의 관계를 명확하게 파악할 수 있습니다. Frank Miller, Walt Simonson, Marie Severin, Stan Sakai 같은 프로들의 만화를 연구해보면 효과적인 방법에 관한 훌륭한아이디어들을 얻을 수 있습니다. 막 싹트는 단계의 만화가들에게 Wally Wood의 '항상 통하는 22개의 컷 '은 많은 참고가 될 것입니다.

 

만화 산업에 뛰어들기.

어벤져스의 영화 흥행 신기록과 TV 쇼로 각색된 수많은 그래픽 소설의 인기에 힘입어, 만화계에서 일자리를 구하기 위한 경쟁이 훨씬 치열해졌습니다. 어떤 새로운 분야에 진출하기 위해서는 노력과 인내심이 많이 필요합니다. 주요 출판사에 작은 일자리를 얻는 데도 몇 년이 걸릴 수 있고, 원더우먼과 같은 상징적인 캐릭터를 그리려면 10년 그 이상이 걸릴 수도 있습니다. 첫 번째 만화 작품은 자작 단편 만화가 될 가능성이 높지만, 완성된 모든 페이지가 이력서와 같이 여러분의 커리어에 남을 것입니다. 다음의 몇 가지 사항을 고려해보십시오.

1. 온라인 가시성: 일감을 얻거나 크리에이티브 공동작업자와 협업하려면 작업물을 보여주어야 합니다. 최고의 작품을 선보이고 작업하고자 하는 만화책의 스타일을 보여주는 온라인 포트폴리오를 만듭니다. 소셜 미디어 계정을 만들고 Behance 같은 커뮤니티에 가입하여 더욱 넓은 플랫폼에 작업물을 선보이십시오.

2. 네트워킹: DC Comics와 Marvel 두 회사 모두 뉴욕에 본사를 두고 있었을 때는, 해당 도시에 사는 만화가가 유리한 위치를 선점할 수 있었지만, 소셜 미디어, 이메일, 그리고 증가하고 있는 만화책 박람회를 통해 전 세계의 예술가들이 기회를 얻을 수 있게 되었습니다. 인맥을 만들기 위해 출장을 갈 여유가 없다면, 디지털 수단을 이용하는 것이 매우 효율적입니다. 특히, 수많은 만화가들이 원격 근무를 하는 프리랜서이기 때문에, 편집자와 출판사는 온라인을 통해 사업적인 연락을 많이 합니다.

3. 포트폴리오 검토: 어떤 경우에는 관행적으로 출판사가 아티스트의 포트폴리오를 검토해줄 수도 있습니다. 이러한 기회에 지원하기 전에, 포트폴리오를 현직 아티스트에게 전달하고 작업을 개선할 수 있는 피드백을 받아보십시오. 포트폴리오 검토는 비평을 받고 편집자와 관계를 다질 훌륭한 기회입니다. 그러나 먼저 어떠한 오해가 없도록 확실히 해야 합니다. Schmidt는 “여러 페이지의 스토리텔링 페이지와 같은 순차적인 작품이 있는 포트폴리오를 갖추는 것이 좋습니다.”라고 말합니다. “포트폴리오를 평가하는 사람이 그림에 스토리가 잘 전달되어 있는지 확인할 수 있도록 대본을 작품 페이지 옆에 배치하는 것이 좋습니다.”

4. 자가 출판: 만화계에 진출하고자 하는 아티스트라면 더 많은 일감을 얻기 위한 이력으로 이용할 수 있는 만화를 만들어 보는 것도 추천합니다. 완전한 이야기를 보는 것은 편집자가 지원자의 능력을 판단하기에 가장 수월한 방법이라 할 수 있습니다. 디지털 만화나 웹툰을 직접 만들거나 스토리 작가와 팀을 이뤄 이야기를 들려줄 수도 있습니다. 크라우드 펀딩을 이용하면, 이러한 작업을 통해 수익을 올릴 수도 있습니다. 크라우드 펀딩 혁명으로 자가 출판 만화들이 많아졌기 때문에, 작품을 구상하고 출판할 수 있는 또 하나의 길로 이 방법을 고려해보는 것도 좋습니다.

 

만화책 출판에 관한 Gene Luen YangNicola Scott의 이야기를 통해 만화 업계에 뛰어드는 일에 대한 아이디어를 얻어보십시오.

일러스트가 그려진 만화책 페이지 이미지.

만화계의 기타 직업.

만화책이나 그래픽 소설의 순차적 스토리텔링 업무에 종사하는 것 말고도, 이런 매체에서 추구할 수 있는 다른 예술 계열 직업도 존재합니다.

 

  • 표지 아티스트: 만화는 “표지만 보고 책을 판단하지 말라”는 격언이 적용되지 않는 업계일지도 모릅니다. 북적대는 신간 만화 코너에서 책을 눈에 띄게 하려면 매력적인 표지 아트가 중요합니다. 이러한 이미지에서는 구성이 핵심이므로, 명확한 핵심 포인트를 잡아 매력적인 이미지로 만드는 방법을 연구하십시오. Bartel은 “저같은 경우, 제가 만화 표지를 하고 싶어 한다는 것을 잘 알고 있었기 때문에 만화 표지처럼 보이는 일러스트레이션을 만들기 위해 노력했습니다.”라고 말했습니다.

 

  • 먹칠 담당: 전통적인 만화책 출판에서는, 데생맨이라고 불리는 아티스트가 페이지에 스토리 레이아웃을 그리고, 그 책을 먹칠 담당에게 넘겨서 페이지를 완성합니다. 전문 아티스트의 데생 위에 먹칠을 하는 것은 먹칠로 바뀌는 분위기와 톤을 이해하는 훌륭한 훈련입니다.

 

  • 채색 담당: 페이지에 활기 또는 분위기를 더하는 전문가인 채색 담당은 흑백 만화를 토대로 각 페이지에 색상과 색조를 더하고, 종종 커버 아트를 담당하기도 합니다. 각 프로젝트의 분위기를 잡는 데 놓쳐서는 안 될 뛰어난 채색 담당은 만화가의 작품 세계를 넓힐 수 있습니다. 이것이 재능 있는 채색 담당이 항상 각광받는 이유입니다.

 

  • 식자 담당: 만화의 특징인 말풍선을 채우는 일을 담당하는 식자 담당은 타이포그라피와 손글씨의 전문가이며, 그들이 만든 글꼴이 모든 프로젝트의 스타일을 설정합니다. 식자 담당은 울버린 하면 생각나는 ‘스닉트’부터 ‘쿵’, ‘퍽’하는 소리까지 만화에 의성어 효과도 추가합니다.

 

  • 디자이너: 만화책이나 그래픽 소설에는 로고 배치부터 세련된 크레딧 페이지에 이르기까지 표지와 내부 페이지에 그래픽 디자인 요소가 필요합니다. 만화에서 전달하고자 하는 것이 있다면, 그것을 현실로 만드는 것은 북디자이너입니다.

 

다양한 영웅들이 즐비해있듯, 다양한 아트 스타일이 등장하는 만화계는 어떤 스타일도 포용할 수 있는 분야입니다. 해부학, 원근법 및 시각적 스토리텔링 기술을 발전시키기 위해 꾸준히 작업하면 자신의 아트 스타일에 어울리는 작업을 만날 수 있을 것입니다.

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