วิธีสร้างศิลปะหนังสือการ์ตูน

Comics artists also need to be able to draw city streets, interrogation rooms, and even sci-fi space stations as the story dictates, and properly place characters within those environments — and you’ll have to do it on a deadline. Drawing apps like Adobe Fresco and Adobe Photoshop Sketch have a perspective grid function that allows you to add two-point perspective or graph grids to a file as you illustrate — a great way to help you master perspective drawing. “Use reference photos and images,” artist Jen Bartel suggests. “Working in comics, artists will trace parts of backgrounds — anything that helps us speed up the process.”

See a perspective grid in action.

Watch artist Kyle T. Webster turn on and use a perspective grid to sketch a robot.

Storytelling is of the utmost importance.

Stories progress in comic book art through a storytelling tool called “panels.” Panels are the boxes in which a moment of each scene is contained. Even the simplest three-panel comic strip shows a visual storytelling progression from the first to the last image. In animation, each illustration is used to showcase movement from second to second. The first time you sit down to draw consecutive comic panels, you’ll realize a big creative choice in comic art is how much you can have happen between two panels without confusing the audience. Readers won’t need to see two characters walk all the way from ordering food to sitting at a table to understand the progression, but characters going from Earth to the moon in two panels could be confusing.

“What makes one comic artist stand out over another is the ability to communicate a story easily.”

“What makes one comic artist stand out over another — even if an artist is a really great illustrator — is the ability to communicate a story easily,” explains former Marvel Comics editor and founder of the Comics Experience online school, Andy Schmidt. Artistic storytelling ability can be seen in the way an artist lays out panels on a page and how they draw the story beats within those different frames. Comic creators use simplistic storyboard-style art called “layouts” early in the process so the storytelling can be polished before any of the backgrounds and figures are fully rendered. With the storytelling fine-tuned in layouts, the artist then transforms sketchy art into a page of fully illustrated panels.

การเลือกภาพวาดที่จะใส่ลงในแต่ละช่องนั้นเป็นสิ่งที่สำคัญ ตัวเลือกที่เหมาะสมจะช่วยให้เข้าใจได้ชัดเจนขึ้นว่าการวางตัวละครแต่ละตัวมีความสัมพันธ์กันอย่างไร แม้ว่านักวาดจะเปลี่ยนมุมมองที่เรามองเห็นตัวละครในฉากเหล่านั้นก็ตาม การศึกษาการ์ตูนของมืออาชีพอย่าง Frank Miller, Walt Simonson, Marie Severin และ Stan Sakai จะช่วยให้เห็นภาพได้มากขึ้นว่าสิ่งใดใช้ได้ผลบ้าง ผลงานระดับตำนานของ Wally Wood เรื่อง 22 Panels that Always Work เองก็เป็นตัวอย่างอ้างอิงที่ดีสำหรับนักวาดการ์ตูนที่กำลังเติบโต

ก้าวเข้าสู่วงการหนังสือการ์ตูน

การที่มีภาพยนตร์ Avengers เรื่องใหม่สร้างสถิติรายได้ในโรงภาพยนตร์และนิยายภาพจำนวนมากถูกนำมาดัดแปลงเป็นละครโทรทัศน์ ยิ่งทำให้การหางานในวงการหนังสือการ์ตูนมีการแข่งขันสูงขึ้นไปอีก การมุ่งสู่วงการใหม่อาศัยการทำงานอย่างหนักและความพากเพียร คุณอาจจะต้องใช้เวลาหลายปีในการทำงานเล็กๆ ที่สำนักพิมพ์ยักษ์ใหญ่ และอาจจะต้องใช้เวลาอีกเป็นสิบปีกว่าจะได้รับมอบหมายให้วาดตัวละครชื่อดังอย่าง Wonder Woman หนังสือการ์ตูนเล่มแรกของคุณอาจเป็นเรื่องสั้นที่ตีพิมพ์เอง แต่ผลงานทุกๆ หน้าที่สำเร็จไปเหล่านั้นจะช่วยเติมเต็มประวัติการทำงานของคุณ สิ่งที่ควรพิจารณามีดังนี้

ค้นคว้าข้อมูลเชิงลึกเกี่ยวกับอาชีพนักวาดการ์ตูนจากเรื่องราวการตีพิมพ์หนังสือการ์ตูนของ Gene Luen Yang และ Nicola Scott

Other art jobs in comics.

Beyond the sequential storytelling in the pages of each comic book or graphic novel, there are other artistic careers you can pursue in the medium.

• Cover artist: Comics may be the one industry that “you can’t judge a book by its cover” doesn’t apply to. Compelling art is important for a book to pop on a crowded shelf of new comics. Composition is key in these images, so study how to create compelling images with a clear focal point. “I knew that I wanted to do comic covers, so I went out of my way to create illustrations that looked like cover art,” Bartel says.

• Inker: In traditional comic book publishing, an artist known as a penciler would lay out the pages that tell the story, and then hand off the work to an inker to finish the pages. Inking over the pencils of professional artists can be a great training exercise for understanding how mood and tone can be changed by the inking process.

• Colorist: Specialists in bringing vibrancy or moodiness to the page, colorists take black-and-white comic book art and add hues and tones to each page, and often to cover art as well. Essential for setting the vibe of each project, a good colorist can amplify the work of a comic book artist — which is why the most talented colorists are always in demand.

• Letterer: Responsible for filling in the iconic word balloons made popular by the medium, letterers are typography and hand-drawn lettering masters that set a style for every project with the fonts they create. Letterers add sound effects to comics as well — from Wolverine’s classic “SNIKT” to every “THUD” and “THWAP.”

• Designer: Each comic book or graphic novel requires graphic design elements on the cover and interior pages, from logo placement to a stylish credits page. Comic book art has to sing, and it’s book designers that make that happen.

In a medium that features art as varied as its pantheon of heroes, there’s a place for any style in comics. Working to improve your skills in anatomy, perspective, and visual storytelling will help you find where your art fits.