Das sind Tipps für Portraitfotografien
So rückst du das Motiv ins beste Licht.
Wenn du eine echte Verbindung zu deinem Motiv herstellen kannst, bist du schon auf halbem Weg zu großartigen Fotoporträts. Anthony Pidgeon, ein Profi-Porträtfotograf, erklärt: „Bei großartigen Porträts geht es zu großen Teilen um die Beziehung. Das ist kein technischer Aspekt der Fotografie, aber ich denke, bei Porträts ist das wirklich entscheidend, denn man arbeitet hoffentlich zusammen. Das Motiv bietet dir etwas an, du solltest das honorieren und einen Weg finden, dies auszudrücken. Es gibt ein Element des Vertrauens: Vertrauen sie dir? Vertraust du darauf, dass sie während des Prozesses bei dir bleiben? Wurde eine Beziehung hergestellt? Dann kannst du den besten Ausdruck dieser Beziehung mit Beleuchtung, Posieren und Komposition finden.“ Anna Goellner, die sich auf Hochzeitsfotografie spezialisiert hat, sagt es so: „Du versuchst, eine Geschichte zu erzählen; du versuchst zu zeigen, wer diese Person ist.“
Eine Verbindung herstellen
Wie erzeugst du also diesen Moment der Zusammenarbeit? Die Einrichtung eines tollen Fotoshootings braucht Zeit, gib dir also selbst etwas Freiraum. Shawn Ingersoll, Designer und Fotograf, empfiehlt, bei der Planung eines Shootings mindestens eine Stunde einzuplanen. Er erklärt: „Es dauert vielleicht schon 30 Minuten dauern, bis ihr euch wirklich kennengelernt habt.“
Pidgeon weist auch darauf hin, dass jede Sitzung anders ist. Du musst deinem Motiv gegenüber aufmerksam bleiben, denn manche sind präsenter als andere. „Ich denke, es kommt auf die Person an – wo sie ist, was geschieht, ob sie dort sein will. Oftmals ist das nicht der Fall“, sagt er. „Häufig haben sie fünf Termine vor dir und fünf andere Dinge danach zu erledigen und schauen ständig auf die Uhr. Manche Leute sagen: „Ja, lass uns was Cooles machen.“ Und andere sagen: „Bringen wir es hinter uns." Manche Menschen sind wirklich schüchtern. Man kann das lenken, wenn man ein Gefühl für den ihr Engagement bekommt."
Wenn du ein Gefühl für die Person hast, mit der du arbeitest, richte deine Aufmerksamkeit auf den Raum. Pidgeon schlägt vor, sich zu fragen: „Gibt es natürliche Lichtquellen? Ist es eine Szene, in der ich hartes Licht, weiches Licht, direktes oder indirektes Licht verwenden werde? Was wird diese Geschichte erzählen?“
Man kann sich leicht gehetzt fühlen, wenn man jemanden fotografiert, aber einer der Schlüssel zu einem guten Porträt ist, sich Zeit zu nehmen, um eine Verbindung herzustellen und nachzudenken. Naba Zabih, Fotografin für Hochzeiten und Verlobungen, sagt, dass es selbst im Trubel eines großen Ereignisses wichtig ist, sich Zeit zu nehmen, um ein Bild zu komponieren, auf das man stolz sein kann. Sie fährt fort: „Vor allem, wenn alles digital und superschnell ist, halte einfach inne, komponiere und denke über die Aufnahme nach, bevor du sie machst.“ Denke daran, dass du bei einem Porträtfoto einen zusätzlichen Faktor berücksichtigen musst: „Menschen bleiben Menschen", sagt Zabih, „also sind sie definitiv schwieriger zu fotografieren als etwas, das stillsteht – sie bewegen sich. Sie blinzeln,“
Finde das richtige Licht für die Geschichte, die du erzählst.
So viele Elemente der Porträtfotografie basieren eher auf Intuition als auf technischer Kontrolle. Daher ist es nützlich, von Anfang an eine gute Beleuchtung für deine Porträtfotositzung zu finden oder zu arrangieren. Wenn du in einem Studio fotografierst, musst du viele dieser Entscheidungen im Voraus treffen. Ingersoll schlägt vor: „Wenn du ein dramatisches, kontrastreiches Porträt möchtest, wirst du wahrscheinlich eher direktes Licht verwenden, sei es Sonnenlicht oder künstliches Licht. Wenn du ein weniger dramatisches Foto suchst, sondern eher ein professionelles Porträtfoto, dann wird es diffuser sein, mit mehreren Lichtquellen. Du hast eine primäre Lichtquelle, in der Regel die hellste, und diese beleuchtet eine Seite des Gesichts des Porträtierten. Dann möchtest du auch die andere Seite beleuchten, sodass du einen sekundären Lichteinfall hast – ansonsten erhältst du ein sehr dramatisches Bild. Eine dritte Lichtquelle ist optional. Manchmal wird diese verwendet, um die Haare oder den Hintergrund zu beleuchten, wenn es einen gibt.“
„Wenn die Menschen älter werden, möchte man das Licht ein bisschen weicher machen, es sei denn, man möchte die Hautstruktur von jemandem wirklich betonen.“
Pidgeon empfiehlt: „Wenn die Menschen älter werden, möchte man das Licht ein bisschen weicher machen, es sei denn, man möchte die Hautstruktur von jemandem wirklich betonen.“ Aber wenn jemand Aknenarben oder Falten hat, würdest du normalerweise nicht mit einem dramatischen Licht arbeiten, es sei denn, dies ist wirklich Teil der Persönlichkeit. Ich denke, ein Teil davon ist die Frage: „Wird das für sie vorteilhaft sein, erscheinen sie in ihrem besten Licht? Handelt es sich um eine dynamische Person? Haben sie ein markantes Merkmal? Ist das angemessen?“ Er warnt: Porträtfotografen müssen unbedingt wissen, wie sie für eine ausgewogene Beleuchtung sorgen. „Viele Anfänger neigen dazu, zu viel Blitzlicht einzusetzen, und dann bekommt man eine Art Fahndungsfoto“, sagt er. „Im Grunde macht man zwei Belichtungen gleichzeitig, wenn man das Hauptlicht und das Aufhelllicht austariert. Wenn du ein Verständnis dafür entwickelt hast, wie dieses Gleichgewicht funktioniert, kannst du schrittweise Änderungen vornehmen, anstatt einfach zu sagen: ‚OK, entweder klappt es jetzt oder es klappt nicht.‘“
Wenn du Porträtfotografie im Freien bei überwiegend natürlichem Licht machst, brauchst du ein etwas anderes Werkzeug. Goellner hat aus ihrer Erfahrung mit Hochzeiten im Freien gelernt, dass die Mittagszeit die schlechteste Zeit zum Fotografieren ist. Sie erklärt: „Die Sonne steht direkt über den Köpfen und man bekommt Schatten unter den Augen. Ich suche nach einer gleichmäßigen Beleuchtung für Porträts. Wenn es mitten am Tag ist, was bei einer Hochzeit so oft der Fall ist, sucht man immer nach Bäumen“, erklärt sie.
Die Augen sind besonders wichtig.
Goellner ist der Ansicht, dass einer der wichtigsten Tipps für die Porträtfotografie darin besteht, die Augen des Porträtierten scharf zu stellen: „Wenn man die Stirn oder den Pony von jemandem scharf stellt und die Augen unscharf sind, ist das automatisch tödlich,“ sagt sie, „es sei denn, man ist wirklich künstlerisch veranlagt.“ Über diese einfache, aber wichtige Erinnerung hinaus solltest du auch das Objektiv bedenken, mit dem du arbeitest.
Goellner sagt, dass die besten Objektive für Porträts sich sehr weit öffnen lassen. „Eine wirklich weite Blende lässt viel Licht herein und lässt den Hintergrund verschwommen erscheinen“, sagt sie. Weitwinkelobjektive und eine geringe Schärfentiefe helfen dabei, den Fokus auf das Motiv zu halten, anstatt ihn an Hintergrundelemente zu vergeuden, die vielleicht weniger wichtig sind. Goellners bevorzugtes Porträt-Objektiv ist ein 85 mm-Objektiv.
Derek Boyd, ein Fotograf im pazifischen Nordwesten, empfiehlt, noch längere Brennweiten auszuprobieren: „Wenn du eine lange Brennweite hast und nahe an deinem Motiv bist, bekommst du eine sehr geringe Schärfentiefe“, sagt er. „Ein 200-Millimeter-Objektiv eignet sich also hervorragend für Porträtarbeiten. Im Grunde genommen nimmt man damit fast so nah wie möglich auf, und es sieht toll aus, weil der Hintergrund unscharf wird. Und die Komprimierung, die Teleobjektive verursachen – das ist eine kleine Verzerrung, die für Menschen sehr schmeichelhaft ist. Dadurch sehen die Nasen etwas kleiner und die Augen etwas besser aus. Das ist sehr schmeichelhaft. Es ist schwer zu beschreiben, aber jedes Mal, wenn man ein schönes Porträt wie bei einer Glamour-Aufnahme sieht, wird das fast immer mit einer sehr langen Brennweite gemacht. Nun, auf der anderen Seite hat man aber die weiten Brennweiten, das wären also 30 Millimeter und darunter. Wenn man mit einem Weitwinkelobjektiv ganz nah an jemanden herangeht, sieht der Kopf sehr groß aus und alles im Hintergrund sieht sehr klein aus, und man hat fast den Fischaugen-Effekt. Das ist nicht gerade schmeichelhaft. Man kann es für Porträts verwenden, aber es sieht albern aus.“
Der Clou dabei ist die Möglichkeit, den Fokuspunkt zu wählen. Boyd erklärt: „Bevor ich mit einer richtigen Kamera, einer Spiegelreflexkamera, fotografierte, hatte ich nur bei Point-and-Shoot-Aufnahmen fotografiert, bei denen alles im Fokus steht. Ich denke, das ist der Unterschied zwischen einem Schnappschuss und einem echten künstlerischen Foto – das Hervorheben des Motivs. Das bedeutet nicht, dass man unbedingt eine geringe Schärfentiefe verwenden muss, aber bei einem professionellen Porträt wird das so sein. Und das erste Mal, wenn man es selbst so macht, ist es wie Magie. Dieser Look ist etwas, für das ich immer eine Schwäche haben werde. Mir gefällt immer ein Porträt mit einem völlig verschwommenen Hintergrund und schöne, scharfe Augen mit Gegenlicht, einem schönen Glitzern in den Augen."
Sobald du die Regeln gelernt hast, versuche, sie zu brechen.
Viele Fotografen werden zunächst automatisierte Programmmodi zum Fotografieren verwenden. Diese können zu Beginn sehr hilfreich sein, da sie dir Zeit geben, mit deinem Motiv in Verbindung zu treten und dich auf die Beleuchtung zu konzentrieren, aber Pidgeon warnt, dass sie letztlich deinen Fortschritt behindern können. Er sagt: „Ein Programm kann dir die Grundlagen vermitteln, aber ich glaube nicht, dass du damit wirklich kreativ werden kannst. Das Programm ist dazu da, dich im Bereich von „das wird schon gehen“ zu halten. Aber wenn man in die Fotografie einsteigt, will man mehr als nur „ganz nett“. Man muss manuell arbeiten, um diese Feinheiten zu erreichen. Und das ist ziemlich beängstigend – viele Leute sagen: „Hey, dieser bestimmte Programm-Modus funktioniert toll. Ich habe in dieser Situation großartige Fotos gemacht. Ich will das nicht aufgeben.“ Und dann ist man plötzlich in einer anderen Situation, und es funktioniert nicht. Das Programm hat die Arbeit für dich erledigt, hat die ganze Rechenarbeit für dich erledigt und eine Menge Entscheidungen getroffen. Und dann musst du einen Schritt zurückgehen und herausfinden, wie die Belichtung funktioniert. Wenn du diese manuellen Kameraeinstellungen erlernst und nuanciertere Entscheidungen treffen kannst, wirst du viel kreativere, künstlerischere Porträtfotos machen.
Und du kannst noch weiter gehen, als nur die Belichtung zu verfeinern. Alex Tan, ein in Los Angeles ansässiger Fotograf und Designer, ermuntert zu noch mehr Experimenten. Er sagt: „Ich finde es wirklich interessant, den Rahmen auszufüllen: Wenn es Teile eines Bildes gibt, die nicht unbedingt vollständig innerhalb des Rahmens sind, oder wenn es ein Motiv gibt, das sehr stark im Vordergrund steht und vielleicht ein Drittel des Rahmens ausfüllt. Ich habe das Gefühl, dass ich in letzter Zeit keine Porträts von Personen mehr gemacht habe, die vor wirklich sauberen Hintergründen perfekt im Rahmen zentriert sind, sondern eher: „Wie würde das aussehen, wenn die Kamera tatsächlich in diesem Raum wäre und sich hinter jemandem befindet oder einer Person über die Schulter schaut?“
All dies führt auf das grundlegende Element der Porträtfotografie zurück. Tan sagt: „Das ist wahrscheinlich eine allgemeine Faustregel für viele Fotografen: Die Geschichte ist das Wichtigste. Das ist der Grund, warum wir Dinge machen; der Grund, warum wir designen; der Grund, warum wir Filme machen; der Grund, warum wir schreiben – und ich würde die Leute wirklich dazu anregen, das nicht zu vergessen“.
Zabih vertritt denselben Gedanken und sagt: „Porträts sind interessant, weil man die Regeln oft sozusagen aus dem Fenster wirft. Wenn ich in der Lage bin, eine bestimmte Art von Emotion auf dem Foto einzufangen, habe ich das Gefühl, etwas Gewaltiges vollbracht zu haben. Ich mache Fotos, bei denen ich das Foto absichtlich verpfusche – bei denen ich die Verschlusszeit reduziere oder Ausschnitte in einer Weise aufnehme, die ich normalerweise nicht machen würde. Und solange es auf den Fotos Emotionen gibt, sind diese am Ende meine Favoriten. Das Coole an der Porträtfotografie ist, dass ein Bild nicht perfekt sein muss, um das beste Bild zu sein.“
Mitwirkende
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